 Show
Khi một bộ phim dài tập gốc của Netflix trở nên phổ biến, các bộ phim chiếu phần mới sẽ tiếp cận lượng khán giả khổng lồ và thu được lượt xem đáng kinh ngạc chỉ trong vài ngày.
Phạm vi này kết thúc việc xác định loạt phim nào được người đăng ký ưa thích, vì các phần mới thường nổi bật với mỗi bản phát hành. Netflix gần đây đã phát hành một bảng xếp hạng cho thấy tất cả. Trong danh sách do nền tảng phát trực tuyến xuất bản loạt phim được xem nhiều nhất, chúng tôi thấy video nào được người đăng ký phát nhiều nhất chỉ trong 28 ngày đầu tiên phát hành. Trong số các tiêu đề có cầu, Những điều kỳ lạ, El Brujotrong số những người khác – 10. The Witcher - Phần 2mùa thứ hai của El Brujo đánh bại Netflix với một cú nổ lớn, dẫn đến 484,3 triệu giờ được xem chỉ trong 28 ngày kể từ khi ra mắt trên dịch vụ phát trực tuyến. Cốt truyện bắt nguồn từ một cuốn tiểu thuyết đồ họa và thậm chí còn có một trò chơi điện tử. Hai mùa của El Brujo có thể được xem trên Netflix.
9. Ozark - Phần 4Mùa thứ tư và là mùa cuối cùng của ozark Nó cũng phá kỷ lục trên Netflix, với số giờ xem không dưới 491 triệu giờ tại nhà của những người đăng ký dịch vụ. Cốt truyện nói lời tạm biệt với những người hâm mộ bằng lớp học, là một trong những phần nổi tiếng nhất của công ty. Bây giờ bạn có thể tham khảo tất cả các mùa của ozark trên Netflix. 8. 2 lý do tại sao - Phần XNUMX13 lý do tại sao, một loạt phim gây tranh cãi, cũng có vị trí trong bảng xếp hạng những bộ phim được xem nhiều nhất trên Netflix. Quá trình sản xuất dành cho thanh thiếu niên mạnh mẽ đã đạt được 496,1 triệu giờ xem khi ra mắt trực tuyến mùa thứ hai. Bộ truyện 13 lý do tại sao Nó có bốn mùa trên nền tảng phát trực tuyến. 7. Làm AnaNhững câu chuyện về tội phạm có thật cũng thu hút sự chú ý của người đăng ký Netflix và các tiểu phẩm phát minh ra ana quản lý để chinh phục không gian của nó trên nền tảng. Chỉ trong 28 ngày đầu tiên phát hành, sản lượng đã đạt 511,9 triệu giờ.
phát minh ra ana có sẵn trên Netflix trong chín tập. 6. The Witcher - Phần 1mùa đầu tiên của El Brujo Nó cũng không bị tụt lại xa trong bảng xếp hạng những bộ truyện được xem nhiều nhất, thậm chí còn đạt được vị trí cao hơn. Bộ phim ra mắt đã đạt hơn 541 triệu giờ xem trong vòng chưa đầy một tháng. 5. Lucifer - Phần 5mùa thứ năm của Ma vương Được người hâm mộ của bộ truyện rất mong đợi, vì vậy rõ ràng buổi ra mắt đã được các thuê bao Netflix vô cùng mong đợi. The True Devil's Story đã đạt được 569,4 triệu giờ xem chỉ trong vòng vài tuần sau khi phát hành. Ma vương hiện đã có trên Netflix trong sáu mùa. 4. Stranger Things - Phần 3Ở vị trí thứ tư là mùa thứ ba của Những điều kỳ lạ, một loạt phim gốc của Netflix kể về câu chuyện của Upside Down và Eleven. Được phát hành vào năm 2019, các tập phim đã đạt con số đáng kinh ngạc 581,1 triệu giờ xem chỉ trong 28 ngày kể từ ngày công chiếu. Những điều kỳ lạ đang ở mùa thứ tư trên Netflix. 3. Bridgerton - Phần 1mùa đầu tiên của cầu không chỉ đạt 625,4 triệu giờ xem trong vòng chưa đầy một tháng kể từ khi công chiếu mà còn trở thành bộ phim được xem nhiều nhất trên Netflix. Tuy nhiên, kỷ lục của loạt phim dựa trên sách của Julia Quinn đã bị phá vỡ bởi cốt truyện của Hàn Quốc. vòng 6. Hai mùa của cầu bạn có thể say sưa trên Netflix. 2. Bridgerton - Phần 2Nhưng mùa thứ hai của cầu Nó cũng không bị bỏ xa, đảm bảo vị trí thứ hai trong bảng xếp hạng. Theo số liệu từ Netflix, các tập phim đã được xem 656,2 triệu giờ chỉ trong 28 ngày đầu tiên phát hành, đánh bại kỷ lục trước đó của họ. 1. Stranger Things - Phần 4Vị trí đầu tiên thuộc về một buổi công chiếu gần đây: phần 1 của mùa thứ tư của Những điều kỳ lạ. Con số này thật phi thường: 781 triệu giờ được phát trong vòng chưa đầy một tháng kể từ khi ra mắt trên Netflix. Với phần 2 được phát hành vào ngày 1 tháng XNUMX, kỷ lục sẽ còn tuyệt vời hơn. Đọc bài viết về TecnoBreak. Xu hướng trong TecnoBreak:
Netflix lists nearly 1,500 movies in the drama category; not all of them are exactly worth checking out. It doesn’t help that drama is the broadest of genres, the most difficult to define: Basically anything that doesn’t fall into comedy, horror, action/adventure or sci-fi gets lumped into the catch-all, and even then there’s more than plenty of overlap. How funny can a movie be and still be “serious”? How much tension must be internal or inter-personal—can a dramatic movies still have a bunch of explosions? Drama is a key ingredient in all movies, but when you’re in the mood for a dramatic movie, we think we know what you’re looking for. As does Netflix. So we’ve let the streaming service define the term here, pulling from movies it classifies as “dramas” and adding a few that clearly should have been there. Here are the 50 best dramas on Netflix:1. Lady Bird
Director: Greta Gerwig Stars: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Beanie Feldstein, Timothee Chalamet Rating: R Before Christine “Lady Bird” McPherson (Saoirse Ronan)—Lady Bird is her given name, as in “[she] gave it to [her]self”—auditions for the school musical, she watches a young man belting the final notes to “Being Alive” from Stephen Sondheim’s Company. A few moments before, while in a car with her mother, she lays her head on the window wistfully and says with a sigh, “I wish I could just live through something.” Stuck in Sacramento, where she thinks there’s nothing to be offered her while paying acute attention to everything her home does have to offer, Lady Bird—and the film, written and directed by Greta Gerwig, that shares her name—has ambivalence running through her veins. What a perfect match: Stephen Sondheim and Greta Gerwig. Few filmmakers are able to capture the same kind of ambiguity and mixed feelings that involve the refusal to make up one’s mind: look to 35-year-old Bobby impulsively wanting to marry a friend, but never committing to any of his girlfriends, in Company; the “hemming and hawing” of Cinderella on the, ahem, steps of the palace; or Mrs. Lovett’s cause for pause in telling Sweeney her real motives. Lady Bird isn’t as high-concept as many of Sondheim’s works, but there’s a piercing truthfulness to the film, and arguably Gerwig’s work in general, that makes its anxieties and tenderness reverberate in the viewer’s heart with equal frequency. —Kyle Turner 2. The Irishman
Director: Martin Scorsese Stars: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Jesse Plemons, Anna Paquin Rating: R Peggy Sheeran (Lucy Gallina) watches her father, Frank (Robert De Niro), through a door left ajar as he packs his suitcase for a work trip. In go trousers and shirts, each neatly tucked and folded against the luggage’s interior. In goes the snubnose revolver, the ruthless tool of Frank’s trade. He doesn’t know his daughter’s eyes are on him; she’s constitutionally quiet, and remains so throughout most of their interaction as adults. He shuts the case. She disappears behind the door. Her judgment lingers. The scene plays out one third of the way into Martin Scorsese’s new film, The Irishman, named for Frank’s mob world sobriquet, and replays in its final shot, as Frank, old, decrepit and utterly, hopelessly alone, abandoned by his family and bereft of his gangster friends through the passage of time, sits on his nursing home bed. Maybe he’s waiting for Death, but most likely he’s waiting for Peggy (played as an adult by Anna Paquin), who disowned him and has no intention of forgiving him his sins. Peggy serves as Scorsese’s moral arbiter. She’s a harsh judge: The film takes a dim view of machismo as couched in the realm of mafiosa and mugs. When Scorsese’s principal characters aren’t scheming or paying off schemes in acts of violence, they’re throwing temper tantrums, eating ice cream or in an extreme case slap-fighting in a desperately pathetic throwdown. This scene echoes similarly pitiful scenes in Akira Kurosawa’s Drunken Angel and Rashomon: brawls between wannabe roughs afraid of brawling, but forced into it by their own bravado. The Irishman spans the 1950s to the early 2000s, the years Frank worked for the Bufalino crime family, led by Russell (Joe Pesci, out of retirement and intimidating). “Working” means murdering some people, muscling others, even blowing up a car or a building when the occasion warrants. When disengaged from gangland terrorism, he’s at home reading the paper, watching the news, dragging Peggy to the local grocer to give him a beatdown for shoving her. “I only did what you should,” the poor doomed bastard says before Frank drags him out to the street and crushes his hand on the curb. The Irishman is historical nonfiction, chronicling Sheeran’s life, and through his life the lives of the Bufalinos and their associates, particularly those who died before their time (that being most of them). It’s also a portrait of childhood cast in the shadow of dispassionate brutality, and what a young girl must do to find safety in a world defined by bloodshed. —Andy Crump 3. Labyrinth Pan Pan
Director: Guillermo del Toro Stars: Ivana Baquero, Sergí Lopez, Maribel Verdu, Alex Angulo, Doug Jones Rating: R Một trong những bộ phim giàu trí tưởng tượng nhất của thế kỷ 21, Fable Guillermo del Toro, Tây Ban Nha là một chiến thắng của cách kể chuyện và không có gì là một tác phẩm nghệ thuật. Đồng thời là một câu chuyện chiến tranh và một câu chuyện cổ tích, nó theo dõi hành trình của một cô gái trẻ và cuộc săn lùng người nhặt rác của cô qua một thế giới khác để cứu sống mẹ cô, nằm giữa cuộc nội chiến Tây Ban Nha. Labyrinth Pan Pan có bầu không khí với các giá trị điện ảnh và sản xuất tuyệt đẹp, tất cả được hướng dẫn bởi tầm nhìn nghệ thuật sắc sảo của Del Toro. Với kiệt tác ngoài và ngoài này, Del Toro đã củng cố vị trí của mình là một trong những người có tầm nhìn thú vị và tài năng nhất thế hệ này. Medina Medina 4. Đá quý chưa cắt
Directors: Josh Safdie, Benny Safdie Stars: Adam Sandler, Julia Fox, Eric Bogosian Rating: R Chủ sở hữu của một cửa hàng độc quyền ở quận Diamond của New York, Howard Ratner (Adam Sandler) làm tốt cho chính mình và gia đình, mặc dù anh ta không thể không đánh bạc một cách bắt buộc, do anh rể của mình (Eric Bogosian, xấu tính nhếch nhác ) một số tiền đáng kể. Tuy nhiên, Howard có những rủi ro khác để cân bằng cân bằng của ông, bao gồm Demany (Lakeith Stanfield), một người tìm thấy cả khách hàng và sản phẩm, và Julia (Julia Fox, một đèn hiệu bất ngờ giữa cơn bão trong vai trò tính năng đầu tiên của cô), một nhân viên Howard đang thực hiện một cuộc tình, giữ cho cô ấy thoải mái trong căn hộ ở New York của anh ấy. Ngoại trừ vợ của anh ta (Idina Menzel, nguyên sơ bị xáo trộn) rõ ràng là bệnh hoạn của anh ta, và trong khi đó anh ta có một giao hàng đặc biệt đến từ Châu Phi: một viên đá đen, hòn đá mà chúng ta đã biết một cách thân mật trong cảnh đầu tiên của bộ phim, mà Howard ước tính trị giá hàng triệu . Sau đó, DeMany tình cờ đưa Kevin Garnett (như chính anh ta, đã gắn kết hoàn toàn vào giai điệu của anh em Safdie) vào cửa hàng cùng ngày, Opal đến, truyền cảm hứng cho một vụ cá cược một lần trong đời cho Howard Quảng trường anh ta với Aron và sau đó là một số người cũng như một loạt các tào lao mới để đi thẳng. Đó là tất cả chắc chắn là căng thẳng, thực sự không ngừng, căng thẳng, nhưng những người an toàn, trên bộ phim thứ sáu của họ, dường như phát triển mạnh trong sự lo lắng, nắm bắt được quán tính của cuộc sống của Howard, và những cuộc sống vô số va chạm với anh ta, trong tất cả vẻ đẹp của nó . Ngay trước một trò chơi, Howard tiết lộ với Garnett Kế hoạch lớn của anh ấy cho một ngày trả lương lớn, giải thích rằng Garnett có được nó, phải không? Rằng những kẻ như họ được gắn vào một cái gì đó lớn hơn, làm việc với bước sóng cao hơn hầu hết các điều đó là cách họ giành chiến thắng. Anh ta có thể đang ở trong một cái gì đó, hoặc anh ta có thể rút mọi thứ ra khỏi mông của anh ta, bất kể, chúng tôi luôn luôn biết Sandler, đã có nó trong anh ta. Đây có thể chính xác là những gì chúng ta đã có trong tâm trí. SINHDOM Sinacola 5. Ngày tận thế bây giờ Redux
Director: Francis Ford Coppola Stars: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper, Laurence Fishburne Rating: R Runtime: 206 minutes Hãy để Lừa gọi Truffaut, bởi vì tinh thần của anh ta có cảm giác có liên quan đến một cuộc thảo luận về sự chuyển thể của Francis Ford Coppola, về Darkness của Joseph Conrad, như một cuộc thảo luận về một bộ phim chiến tranh như Paths of Glory, và xem xét các bộ phim chiến tranh nói chung. Có lẽ, nếu chúng ta lấy Truffaut theo lời của anh ta, Apocalypse bây giờ (và phiên bản được làm lại của nó với 49 phút cảnh quay mà truyền phát trên Netflix) có thể giúp đỡ nhưng chỉ xác nhận chiến tranh thông qua hành động tái tạo nó thành nghệ thuật. Có lẽ điều đó không ngăn được bộ phim truyền tải các luận văn lái xe của Coppola: Chiến tranh biến những người đàn ông thành quái vật, dẫn họ xuống một trạng thái nguyên thủy, vô luật pháp, và chiến tranh là địa ngục, một cụm từ đáng ngại bây giờ được tạo ra bởi sự sáo rỗng của Việc lạm dụng tổng thể từ năm 1979 đến ngày nay. Nếu bộ phim trừng phạt chiến tranh bẩm sinh bằng cách miêu tả, nó sẽ không xử phạt tác động của chiến tranh đối với nhân loại của những người tham gia. Trên thực tế, ngày tận thế bây giờ vẫn là một trong những minh họa sâu sắc nhất về bạo lực bị buộc tội của quốc gia bị ăn mòn đối với một người tinh thần và tâm lý. Thật dễ thương khi trong 40 năm sau, chúng tôi vẫn ổn với việc trích dẫn bộ phim này trong quảng cáo AT & T khủng khiếp, hoặc tái sử dụng bối cảnh thời kỳ của nó vì lợi ích của King Kong đối với khán giả đương đại lần thứ hai, nhưng không có gì dễ thương, hoặc thậm chí là tất cả Đó là trích dẫn, về nó. Apocalypse bây giờ Sears, Sickens và Sẹo, tự xây dựng thương hiệu trong ký ức của chúng ta khi chỉ có những màn trình diễn nghiêm trọng nhất của sự đồi trụy của con người thực sự có thể. Tiếng crump 6. Đêm Boogie
Director: Paul Thomas Anderson Stars: Mark Wahlberg, Julianne Moore, Burt Reynolds, Don Cheadle, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman Rating: R Mặc dù Boogie Nights là sản phẩm hoành tráng đầu tiên của Paul Thomas Anderson, với một dàn diễn viên, thời gian và quan điểm cho thấy nó là bàn chải gần nhất của anh ấy với sự hoàn hảo. Auteur chuyên xây dựng các nhân vật để phá vỡ họ, và không ai trong cuộc thám hiểm năm 1997 của ông về kinh doanh khiêu dâm được miễn trừ khỏi những xung lực giải cấu trúc của ông: ít đạo diễn cân bằng sự vui nhộn và bừa bộn rất liền mạch, và thậm chí ít dựa vào sự trớ trêu kịch tính để đạt được . Boogie Nights có thể gây cười vì các nhân vật của nó từ ngôi sao đang lên của Mark Wahlberg, đến ngôi sao mờ nhạt của Julianne Moore, và đạo diễn nổi tiếng của Burt Reynold, người phải đối phó với một ngành công nghiệp thay đổi mà không cần anh ta, nhưng sự thiếu hiểu biết của họ cũng không kém phần đau lòng; Họ tha thiết mong muốn tạo ra một sản phẩm tốt, ngay cả khi họ đấu tranh để tìm ra những gì cấu thành chất lượng nữa. Những người khiêu dâm hư cấu của Anderson có thể tuyệt vọng và vô cùng bám vào một thời gian trước khi video và diễn xuất nghiệp dư, nhưng chính Anderson đã phát hành một bộ phim hai tiếng rưỡi thứ cuối cùng." —Allie conti 7. Dự án Florida
Director: Sean Baker Stars: Willem Dafoe, Bria Vinaite, Brooklyn Prince, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Caleb landry Jones Rating: R Tuy nhiên, một cách tiếp cận siêu thực để tái cấu trúc thiên đường có thể là, Sean Baker, Dự án Florida trình bày một bài phê bình cấp tính hơn. Baker lao vào khán giả của mình vào thế giới của anh ấy thông qua lăng kính của chủ nghĩa hiện thực xã hội, máy ảnh của anh ấy trên cùng một sân chơi như Moonee (Brooklynn Prince), mẹ cô Halley (Bria Vinaite) và người quản lý của nhà nghỉ mà họ sống, Bobby (Willem Dafoe) . Máy ảnh sống với các nhân vật, nhìn họ chuyên chở một chiếc nệm bị nhiễm giường bên ngoài, hoặc ngồi và ăn bánh kếp bởi một con mương nhỏ-ish. Không có gì cao trào xảy ra trong những cảnh này, chúng ta chỉ cần xem và không vượt qua sự phán xét hay vượt qua sự phán xét, bất cứ điều gì, nó tùy thuộc vào chúng ta. Baker không bao giờ can thiệp; Sự bình đẳng của những cảnh này dưới mắt máy ảnh của anh ấy làm cho bộ phim của anh ấy chỉ ra những ý tưởng về sự sống còn và niềm vui trở nên nổi bật hơn. Bộ phim có thể nổi bật với khiếu hài hước và đôi khi, tự hỏi, nhưng cuộc sống của Halley, được đóng khung bởi một cuộc đấu tranh nội bộ về việc liệu sự hài hước và tự hỏi có thể giúp cô giữ được quyền tự chủ của mình bất chấp tình trạng lớp học của cô hay không. Dự án Florida tràn ngập nỗi buồn sâu sắc, với những khoảnh khắc thất vọng bên ngoài, bạo lực ở sự bất lực được cho là, thực tế được sinh ra trong tất cả những điều này. Ở mức độ nào bạn tin rằng Baker sẽ hạ mình hoặc bảo trợ hoặc khai thác là tùy thuộc vào bạn, nhưng bộ phim của bộ phim bùng nổ, ý tưởng của nó về việc chăm sóc trông như thế nào khi chăm sóc là một đặc quyền, được xử lý với sự nhạy cảm. Khi bộ phim chuyển từ 35mm sang kỹ thuật số trong các cảnh quay cuối cùng, Baker thấm nhuần máy ảnh của anh ấy, giờ là di động, với sự giải phóng tự do: bất kể điều gì xảy ra sau khi dự án Florida kết thúc, trong những khoảnh khắc cuối cùng, những đứa trẻ này được sinh ra để sống. 8. Master
Director: Paul Thomas Anderson Stars: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern Rating: R Các bậc thầy nghiên cứu các nhân vật của mình với sự huyền bí, bi kịch và sự hài hước đến nỗi ở đó, không có gì đó là một khoảnh khắc mê hoặc. Nhà văn/đạo diễn Paul Thomas Anderson tiếp tục một số xu hướng phong cách từ bộ phim cuối cùng của anh ấy, sẽ có máu, nhưng anh ấy cũng tìm cách liên tục chấp nhận rủi ro và đưa ra những lựa chọn táo bạo hoàn toàn không thể đoán trước được. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) và tôn giáo của ông, nguyên nhân, rõ ràng được lấy cảm hứng từ L. Ron Hubbard và Khoa học, và liên kết đó là tâm điểm của bộ phim báo chí trước khi phát hành. Sự tương đồng giữa hai hệ tư tưởng là không thể giải thích được, nhưng chúng không phải là vấn đề. Anderson không bao giờ chấp nhận quan điểm của tôn giáo/giáo phái như là sự kỳ dị. Ngay cả trong một đoạn phim tuyệt vời mô tả một loạt các bài tập mệt mỏi mà Freddie (Joaquin Phoenix) có thể hoặc giành chiến thắng để cho anh ta, cuộc đấu tranh cá nhân là đi đầu. Sự kỳ quái của các nghi lễ là gần như ngẫu nhiên. Phoenix mang đến cho màn trình diễn sự nghiệp của mình như một cựu chiến binh Thế chiến II ướt đẫm với những vết sẹo về tinh thần và thể chất. Có rất ít lợi ích từ một khóa học tâm thần cho những người lính trở về với các vấn đề sau chấn thương, anh ta tình cờ gặp một nơi cho đến khi anh ta phải chạy trốn sang người khác, ám ảnh về tình dục và làm cho Hooch thử nghiệm. Anderson luôn là một người đi tính trực quan, và anh ta sử dụng chi tiết bổ sung cho hiệu ứng tuyệt vời. Dodd lần đầu tiên xuất hiện trong một cảnh quay theo dõi của Freddie, được nhìn thấy ở phía xa như một nhân vật nhỏ bé nhưng hào hoa trên một con tàu du lịch, nhỏ nhưng vẫn là trung tâm của sự chú ý. Freddie chưa gặp Dodd, nhưng chiếc thuyền đang gọi cho anh ta. Đó có thể là vì Dodd biết Freddie trong kiếp trước, hoặc có thể là vì Freddie là một người say rượu tuyệt vọng đang tìm kiếm một nơi để trốn. Bi kịch lớn của Freddie, là lời giải thích ít hấp dẫn cho anh ta không có câu trả lời, trong khi người kia cho anh ta câu trả lời sai. Mathjeremy Mathews 9. Da 5 máu
Director: Spike Lee Starring: Clarke Peters, Delroy Lindo, Norman Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors, Mélanie Thierry, Paul Walter Hauser, Jasper Pääkkönen, Jean Reno, Lê Y Lan, Johnny Trí Nguy?n Rating: R Runtime: 156 minutes Cuộc săn lùng vàng bị chôn vùi không kết thúc tốt và cũng không đi ra mà không gặp trở ngại. Con đường dài để hòa giải, cho dù với một chấn thương, gia đình hay bản sắc dân tộc, không bao giờ không có va chạm. Keo các sự thật này cùng với các hiệu ứng thời tiết của chủ nghĩa phân biệt chủng tộc, thêm vô số tài liệu tham khảo vào lịch sử Lịch sử của Mỹ, lịch sử âm nhạc, lịch sử phim và bạn có được Spike Lee, Da 5 Bloods, một bức tranh hành động Việt Nam theo phong cách cổ điển được thực hiện trong tầm nhìn điện ảnh của anh ấy. Như năm 2018, Blackkkklansman, Lee kết nối các dấu chấm giữa quá khứ và hiện tại, liên kết cuộc đấu tranh cho các quyền dân sự bị che giấu trong sự phản đối có lương tâm và phản đối cuộc đấu tranh của chính nước Mỹ đương đại chống lại chủ nghĩa phát xít bị nhà nước. Sau khi mở đầu với một loạt các sự kiện bao gồm và các nhân vật lên tiếng chống lại Chiến tranh Việt Nam, được gọi chủ yếu là Chiến tranh Mỹ trong suốt phần còn lại của bộ phim, Lee giới thiệu bốn trong số năm Bloods: Otis (Clarke Peters), Paul (Delroy Lindo) , Eddie (Norm Lewis) và Melvin (Isiah Whitlock Jr.), các bác sĩ thú y Việt Nam đã quay trở lại thành phố Hồ Chí Minh có vẻ như tìm thấy và phục hồi xương của thủ lĩnh đội hình ngã xuống của họ, Norman (Chadwick Boseman). Tất nhiên, có nhiều hơn nữa là khoảng 17 triệu đô la trong các quán bar vàng được trồng trong đất Việt Nam, tài sản của CIA nhưng lại bị máu tái chiếm như những lời khen ngợi cho sự đau khổ cá nhân của họ khi những người đàn ông chiến đấu với một quốc gia bị chi phối bởi những người không ' t quan tâm đến quyền của họ. Lee Lau ở đỉnh cao quyền lực của mình khi thẳng thừng đưa ra trường hợp trong nhiều thời gian đã trôi qua kể từ khi kết luận chiến tranh Việt Nam, nước Mỹ vẫn bướng bỉnh tiến hành các cuộc chiến tương tự với chính người dân của mình và, vì vấn đề đó, phần còn lại của thế giới. Và Lee vẫn tức giận và bất mãn với hiện trạng, là sự áp bức tiếp tục của người Mỹ da đen thông qua sự tàn bạo của cảnh sát, đàn áp cử tri và bỏ bê y tế. Trong bối cảnh này, chiều rộng của DA 5 Bloods là gần như cần thiết. Như Paul sẽ nói: ngay trên. Tiếng crump 10. Sẽ có máu
Director: Paul Thomas Anderson Stars: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O’Connor, Ciarán Hinds, Dillon Freasier Rating: R Có một mùi của Citizen Kane về việc đó sẽ có máu. Cả Charles Foster Kane, trung tâm của Masterwork của Orson Welles, 1941, và Daniel Plainview, nhân vật chính của viên đá quý Paul Thomas Anderson, 2007, Shakespearean trong mâu thuẫn của họ. Giống như Welles, nhà văn/đạo diễn Anderson đã tạo ra một ngôn ngữ điện ảnh gốc để tiết lộ sự pha trộn kỳ lạ của thiên tài và quái dị. Những đoạn đường dài hầu như không có đối thoại, được nhấn mạnh bởi những người cận cảnh của khuôn mặt rực rỡ của Daniel Day-Lewis, được lấp đầy bằng máu, mồ hôi và dầu mỏ và những bức ảnh dài của những con derricks và Shacks đang bấp bênh trên một cảnh quan man rợ nói nhiều hơn có thể. CấmGeoffrey Himes 11. Magnolia
Director: Paul Thomas Anderson Stars: Jeremy Blackman, Tom Cruise, Melinda Dillon, Philip Baker Hall, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Alfred Molina, Julianne Moore Rating: R Paul Thomas Anderson's Magnum Opus tuân theo nhiều cốt truyện, trong khi vẫn phát triển sâu sắc từng nhân vật nguyên tắc của bộ phim, đã chơi nhiều hơn một số diễn viên vĩ đại nhất của thập kỷ , để đặt tên nhưng một nửa. Các mối quan hệ cha/con được khám phá, nhưng các chủ đề trong suốt là những chủ đề lớn. Thêm vào Tom Cruise, màn trình diễn hay nhất trong cuộc đời của anh ấy và một bản nhạc phim giết người từ Aimee Mann, và bạn có một trong những bộ phim hay nhất trong những năm 1990. Josh Josh Jackson 12. Christine
Director: Antonio Campos Stars: Rebecca Hall, Michael C. Hall, Tracy Letts, Maria Dizzia, J. Smith-Cameron, John Cullum, Timothy Simons Rating: R Tại sao nhà báo truyền hình Christine Chubbuck lại lấy cuộc sống của cô trên máy ảnh vào năm 1974? Sự sáng chói của bộ phim Antonio Campos này là nó cố gắng trả lời câu hỏi đó trong khi vẫn tôn trọng sự to lớn và không biết của một hành động bạo lực, bi thảm như vậy. Rebecca Hall là người quan trọng như Christine, một người phụ nữ vô cùng bất hạnh mà tham vọng chưa bao giờ phù hợp với tài năng của mình, và nữ diễn viên cực kỳ thông cảm. Khi chúng ta tiến gần hơn đến sự sụp đổ không thể tránh khỏi của Christine, chúng ta hiểu rằng Christine không phải là một người bệnh hoạn, nhưng, thay vào đó, một cái nhìn từ bi về sự bất bình đẳng giới và cô đơn. —Tim Grierson 13. Gangster người Mỹ
Director: Ridley Scott Stars: Denzel Washington, Russell Crowe, Chiwetel Ejiofor, Cuba Gooding Jr., Josh Brolin Rating: R Runtime: 156 minutes Với gangster người Mỹ, Ridley Scott trở lại với phong cách làm phim được đo lường hơn được chứng minh trong tài liệu khoa học viễn tưởng xác định của anh ta Blade Runner. Các kỹ năng xây dựng thế giới của đạo diễn, không bao giờ nghi ngờ, được thể hiện đầy đủ khi ông tái tạo lại Mid-Khăn70s Harlem. Nhưng cách kể chuyện của anh ấy một lần nữa ưu tiên nhân vật hơn hành động nhanh chóng. Denzel Washington và Russell Crowe, với sự giúp đỡ của một dàn diễn viên hỗ trợ tài năng, làm sáng tỏ tác phẩm diễn viên này, chuyển sang một khán giả thích thú sau. Washington là Frank Lucas, từng là người đàn ông tay phải của một chúa tể tội phạm Harlem và cuối cùng là đại lý heroin mạnh mẽ và độc lập nhất ở thành phố New York. Hình sự hay không, Lucas định nghĩa giấc mơ Mỹ. Crowe là Ritchie Roberts, một cảnh sát quá danh tính được cấp giấy phép để tạo ra một đơn vị chống ma túy độc lập, và anh ta nhấn chìm vào Roberts, thể hiện những khả năng đáng kể của anh ta trong mọi khung hình. Trong khi đó, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, Ted Levine và Armand Assante đều đóng góp một sức mạnh và uy tín độc đáo. Scott thậm chí còn làm cho T.I. Và RZA trông giống như diễn viên. Nhưng bộ phim thuộc về Washington và Crowe; Cái trước mát mẻ và đe dọa, sau này gục ngã và nhếch nhác. Khi cuối cùng họ va chạm, bộ phim đã vượt qua quá mức. Từ đầu đến cuối, các gangster của Mỹ chỉ với những màn trình diễn làm cho việc làm phim thể loại trông giống như nghệ thuật. 14. Thời gian tốt
Directors: Josh and Benny Safdie Stars: Robert Pattinson, Benny Safdie, Jennifer Jason Leigh, Buddy Duress, Peter Verby, Barkhad Abdi, Taliah Webster Rating: R Runtime: 100 minutes Người anh hùng của Good Time là một trong những cá nhân phong cách nhất trong rạp chiếu phim gần đây, có vẻ như là một điều kỳ lạ để nói về một cuộc sống thấp kém, người làm hỏng một vụ cướp ngân hàng trong các cuộn phim mở đầu. Nhưng don lồng đánh giá thấp Connie: Một số người đi qua con đường của anh ta đã phạm sai lầm đó, và anh ta trở nên tốt hơn mỗi lần. Connie do Robert Pattinson thủ vai trong một màn trình diễn bị khóa từ giây đầu tiên đến nỗi nó bắn ra một tia lửa điện từ nam diễn viên đến khán giả: chỉ cần ngồi lại, anh ta dường như đang nói với chúng tôi. Tôi đã có điều này dưới sự kiểm soát. Nhân vật bị trói buộc về mặt tài chính sống ở Queens, không vui vì người anh trai bị thách thức về tinh thần Nick (Benny Safdie) bị bắt giữ trong một cơ sở mà Connie tin rằng, không làm đủ để giúp anh ta. Một cách bốc đồng, Connie mạnh mẽ Nick Nick giúp anh ta cướp ngân hàng. Họ kiếm được hàng ngàn đô la, nhưng điều họ không nhận ra là họ sống trong thế giới thực chứ không phải một bộ phim. Một quả bom sơn tắt trong túi của họ, nhuộm tiền và quần áo tội phạm. Shaken và cố gắng không hoảng sợ, Connie và Nick từ bỏ chiếc xe nghỉ ngơi của họ, nhanh chóng nâng cao sự nghi ngờ của một số cảnh sát gần đó, người đã đuổi theo Nick. Connie trốn thoát, quyết tâm đưa anh trai ra khỏi nhà tù thông qua tiền bảo lãnh hoặc các phương tiện khác. Như Connie, Pattinson rất quan trọng và hiện tại, không thể ném mình vào mọi tình huống. Sau sự dẫn dắt của ngôi sao của họ, các nhà làm phim cung cấp một biến thể phản lực trên sự khám phá phức tạp thông thường của họ về những công dân bị thiệt thòi ở New York. Thời gian tốt có tính năng không có vụ xả súng hay đuổi theo xe hơi, trong đó có một vụ nổ duy nhất trong toàn bộ bộ phim. Các an toàn và Pattinson don lồng cần bất cứ thứ gì trong số đó. Giống như Connie, họ phát triển mạnh về trí thông minh và sự sáng tạo vô tận của họ, sự hồi hộp đến ngạc nhiên về việc họ có thể đưa họ đi bao xa. —Tim Grierson 15. Cạnh của mười bảy
Director: Kelly Fremon Craig Stars: Hailee Steinfeld, Woody Harrelson, Kyra Sedgwick, Haley Lu Richardson Rating: R Craig có thể không phải lúc nào cũng có được các chi tiết đúng, nhưng tầm nhìn lớn hơn của cô ấy, một cách khó chịu và tha thứ cho những con chó thiếu niên ở giữa tuổi vị thành niên vẫn còn giằng. Và những màn trình diễn mà cô khuyến khích từ các diễn viên của mình giúp thu hút sự chậm chạp. Đây là màn trình diễn lớn đầu tiên của Hailee Steinfeld sau khi cô bùng nổ trong bối cảnh trong sự thật của anh em nhà Coen vào năm 2010, và nếu cô thể hiện sự may mắn và trái tim ở đó, cô cho thấy một tài năng cho hài kịch ở đây mà người ta có thể không đoán được tại Từ bộ phim trước đó. Và những gì một người Mitchelson Joy Woody đang ở đây, đưa vào một lớp học chính trong diễn xuất tối giản, truyền cảm hứng cho những tiếng cười khúc khích trong khi dường như hầu như không di chuyển một cơ bắp. 16. Mặt khác của gió
Director: Orson Welles Stars: John Huston, Peter Bogdanovich, Robert Random, Susan Strasberg, Oja Kodar Rating: R As gaudy and inexplicable as its title, The Other Side of the Wind nonetheless sings with the force of its movement whistling past its constraints. The wind blows: Orson Welles channels it through his studio-inflicted/self-inflicted torpor, in that process finding an organic melody—or rather, jazz. The making-of documentary They’ll Love Me When I’m Dead, released by Netflix to go with this film—the streaming giant’s finest moment—shows Welles, enormous and half-baked, describing what he calls “divine accidents.” These accidents were responsible for some of his oeuvre’s best details (wherein God resides), like the breaking of the egg in Touch of Evil; they were something he aimed to chase after (like chasing the wind) with this, his final project, released several decades after its shooting as Netflix opened their coffers to open the coffin in which the raw footage was locked. His former partners on the shoot, Peter Bogdanovich and Frank Marshall, make good on their old oath to their master to complete the film for him, and in finding the spirit of the thing, deliver us a masterpiece we barely deserve. A divine accident. John Huston plays John Huston as Jake Hannaford who is also Orson Welles, trying to finish The Other Side of the Wind much like Welles tried to finish The Other Side of the Wind, over the course of years with no real budget and by the seats-of-everyone’s-pants. In contrast, the film’s scenario is set up over the course of one evening and night, Hannaford surrounded by “disciples” and peers who are invited to a party to screen some of the footage of what the director hopes will be his greatest masterpiece, in what Welles hoped would be his. The film within the film is a riff on art film, with perhaps the strongest winks at Michelangelo Antonioni and Zabriskie Point. Life imitates art: Hannaford’s house is just around the rock corner from the one Zabriskie blew to bits. Aptly, that house is the setting for most of the film about Hannaford, in theory constructed from found footage from the cineaste paparazzi. The density is dizzying, the intellect fierce. In terms of Welles’ filmography, it’s like the last act of Citizen Kane felt up by Touch of Evil, then stripped and gutted by the meta-punk of F for Fake. No art exists in a vacuum, but The Other Side of the Wind, more than most, bleeds its own context. It is about Orson Welles, showing himself. Killing himself. —Chad Betz 17. Zodiac
Director: David Fincher Stars: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr., Anthony Edwards, Brian Cox Rating: R Runtime: 157 minutes I hate to use the word “meandering,” because it sounds like an insult, but David Fincher’s 2007 thriller is meandering in the best possible way—it’s a detective story about a hunt for a serial killer that weaves its way into and out of seemingly hundreds of different milieus, ratcheting up the tension all the while. Jake Gyllenhaal is terrific as Robert Graysmith, an amateur sleuth and the film’s through line, while the story is content to release its clues and theories to him slowly, leaving the viewer, like Graysmith, in ambiguity for long stretches, yet still feeling like a fast-paced burner. It’s not Fincher’s most famous film, but it’s absolutely one of the most underrated thrillers since 2000. There are few scenes in modern cinema more taut than when investigators first question unheralded character actor John Carroll Lynch, portraying prime suspect Arthur Leigh Allen, as his facade slowly begins to erode—or so we think. The film is a testament to the sorrow and frustration of trying to solve an ephemeral mystery that often seems to be just out of your grasp. —Shane Ryan 18. I’m Thinking of Ending Things
Director: Charlie Kaufman Stars: Jessie Buckley, Jesse Plemons, Toni Collette, David Thewlis Rating: R Many viewers will think of ending I’m Thinking of Ending Things not long after it’s started. A cross-dissolve cascade of crude shots details the interior of a farmhouse or an apartment, or the interior of an interior. A woman we have not yet seen is practically mid-narration, telling us something for which we have no context. It feels wrong, off-putting. Something is not right. This is not how movies are supposed to work. Finally we see the woman, played brilliantly by Jessie Buckley. She is standing on the street as puffy snowflakes start to fall, like we’re within a 3-D snow globe with her. She looks up at a window a couple stories up. We see an old man looking down out of a window. We see Jesse Plemons looking down out of a window. We see Jesse Plemmons in the next shot picking up Jessie Buckley in his worn car. The movie music twinkles and swirls. Jessie Buckley’s Lucy or Lucia or Amy is thinking of ending things with Jesse’s Jake. Things aren’t going to go anywhere good, seems to be the reasoning. Jake drives the car and sometimes talks; his behaviors seem fairly consistent until they’re not, until some gesture boils up like a foreign object from another self. Louisa or Lucy is forthcoming, a fountain of personality and knowledge and interests. But sometimes she slows to a trickle, or is quiet, and suddenly she is someone else who is the same person but perhaps with different memories, different interests. Sometimes she is a painter, sometimes a physicist, sometimes neither. Jessie and Jesse are great. Their performances and their characters are hard to describe. The best movie of 2020 is terrible at being a “movie.” It does not subscribe to common patterns, rhythms, or tropes. It doesn’t even try to be a great movie, really, it simply tries to dissect the life of the mind of the other, and to do that by any cinematic means possible. The self-awareness of the film could have been unbearable, except awareness (and our fragmentary experience of it) is so entirely the point of everything that the film is wrapped up within and that is wrapped up within it. To say the film accepts both the beauty and ugliness of life would be a platitude that the film itself rejects. To say that “love conquers all,” even moreso. But these false truths flit in and about the film’s peripheral vision: illusions or ghosts, but welcome ones. —Chad Betz 19. Ma Rainey từ đáy đen
Director: George C. Wolfe Stars: Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo, Michael Potts Rating: R Một cách phù hợp, vai trò cuối cùng của Chadwick Boseman, là tất cả về The Blues. Sự xuất hiện của nam diễn viên quá cố trong The Ma Rainey's Black Bottom của Netflix, bộ phim chuyển thể từ Wilson August từ đạo diễn George C. Wolfe và nhà văn Ruben Santiago-Hudson, là những phần trình bày một phần bằng nhau Phiên ghi âm Chicago. Một câu chuyện về tham vọng nhiều khía cạnh và điểm cuối cuối cùng, Ma Rainey xoay quanh những điều đó quay quanh nhân vật tiêu đề của nó (Viola Davis). Cô ấy là một huyền thoại Blues ở đầu trò chơi của mình, cuối cùng được đánh giá cao (ít nhất là ở một số vùng của đất nước) và chín muồi để khai thác bởi những người đàn ông da trắng trong bộ đồ. Như thể cô ấy đã để họ. Cô ấy thoải mái muộn để thu âm một album, khiến mọi người khác đá gót chân và bắn chết theo phong cách Wilson thực sự với Santiago-Hudson tìm thấy bản chất của tác phẩm Wilson. Màn trình diễn tàn bạo của Davis, đã khiến tất cả trở nên mạnh mẽ hơn bởi trận tuyết lở trang điểm và mồ hôi lấp lánh của cô, hoàn toàn đặt ra cảnh. Cô, bên cạnh những chiếc cà vạt nới lỏng và những người hâm mộ rít lên, cho bộ phim nhiệt độ và trọng lực dự định của nó để Boseman và các thành viên ban nhạc còn lại của cô có thể xoay quanh như những con đom đóm trong sức nóng mùa hè. Với sự ngẫu nhiên bi thảm, Boseman để lại cho chúng tôi một món quà: Anh ấy đang bốc cháy. Lean, với các vị trí máy ảnh và đạo cụ nhấn mạnh chân tay gang của anh ấy (có một lý do anh ấy sử dụng một flugelhorn squat và squat, một mặt hàng chủ lực jazz xảy ra để hoạt động tốt hơn) Ghi lại sự chú ý, đôi khi theo nghĩa đen là nhảy múa cho nó, với bất kỳ ounce xấu hổ nào bị tràn ngập bởi một năng lượng lo lắng. Cao, co giật và căng thẳng trong một cuộc độc thoại gần năm phút, Levee dường như cảm nhận được cửa sổ cho giấc mơ của anh đang đóng cửa: Thời gian sắp hết. Ma Rainey, đáy đen không chỉ là màn trình diễn của Boseman, chắc chắn, với Davis và Colman Domingo đã rơi nước mắt ngon lành của những từ của riêng họ và Wilson, tiếp tục làm nổi bật và tăng vọt. Nhưng quyền sở hữu bộ phim của Boseman, một ảnh chụp nhanh về tiềm năng và ham muốn của Oscar, mang đến một bi kịch đáng yêu và rộng lớn khác để hát về. 20. Cơ thể nhớ lại khi thế giới mở cửa
Directors: Elle-Máijá Tailfeathers, Kathleen Hepburn Stars: Elle-Máijá Tailfeathers, Violet Nelson, Barbara Eve Harris Rating: NR Không có gì được đền đáp trong cơ thể nhớ lại khi thế giới tan vỡ. Ví dụ, mọi chi tiết kể chuyện, yêu cầu, hầu hết không được chú ý: khi Rosie (Violet Nelson) lấy tiền từ ví của ÁLA (đồng đạo diễn Elle-Máijá) , Sẽ dạy cho Rosie một bài học, sẽ khuyến khích cô ấy trả lại các hóa đơn. Điều đó không xảy ra. Thay vào đó, cơ thể nhớ lại khi thế giới tan vỡ kể về một cuộc gặp gỡ cơ hội giữa hai phụ nữ quốc gia đầu tiên, chia rẽ bởi sự ổn định kinh tế xã hội nhưng hợp nhất khi có cả hai vi phạm có kinh nghiệm, Rosie là người mới nhất trong chuỗi các sự cố lạm dụng trong nước, trong khi áila có một IUD chèn vào giữa một thủ tục lạnh lùng, vô nhân hóa, được quay bởi nhà quay phim Norm Li trên 16mm với cam kết bắt Á của áila mọi thứ nghiệt ngã gần gũi và nhăn nhó. Li đi theo áila từ văn phòng, ra đường, nơi cô phát hiện ra Rosie Bare chân trong mưa, có thể bị sốc, và từ đó, hai người bạn trai thoát khỏi Rosie, đến căn hộ ở gác xép khô, khô. Li luôn chỉ ở phía sau, phần còn lại của bộ phim được chỉnh sửa thành một, liên tục bị bắn khi áila cố gắng tìm ra những việc cần làm để giúp Rosie, và Rosie cố gắng tìm ra cách tránh bị nạn nhân bởi những người ngoài báo hiệu đức hạnh. Đó áila cũng là một phụ nữ đầu tiên của Nations hầu như không quan trọng đối với Rosie; Cô ấy thậm chí còn trông như một phần. Tất nhiên, khi họ làm một phần, Rosie nuốt bất cứ cảm giác tội lỗi nào mà cô có thể đã phát triển trong việc ăn cắp từ áila, và những người chăm sóc tại nhà an toàn nhắc nhở áila khi Rosie không muốn ở lại rằng đôi khi mọi người phải mất bảy hoặc tám lần. Để lại tình huống lạm dụng của họ. Chúng tôi chờ đợi độ phân giải, cho một dấu hiệu rằng mọi thứ sẽ trở nên tốt hơn. Khi họ don, chúng tôi tìm kiếm các dấu hiệu khác, và chúng tôi chờ đợi, chỉ để lại sự kiên nhẫn để xem, và không bao giờ ngừng xem, và ngồi với sức nặng của điều đó, để chi trả cho chi phí đồng cảm. SINHDOM Sinacola 21. săn lùng người hoang dã
Director: Taika Waititi Stars: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby Rating: NR Cuộc gặp gỡ đầu tiên của Bella, (Rima Te Wiata) với Ricky (Julian Dennison), đứa con nuôi mới mà cô ấy đã đồng ý tiếp nhận, không truyền cảm hứng cho sự tự tin, đặc biệt là với những trò đùa vụng về của cô ấy với chi phí cân nặng của anh ấy. Đổi lại, với đại diện dịch vụ trẻ em Paula (Rachel House) bức tranh Ricky như một đứa trẻ hoang dã ngang bướng, người ta sợ viễn cảnh nhìn thấy đứa trẻ đi khắp người mẹ có thể trong người anh ta. Nhưng Bella mặc anh ta xuống với lòng tốt. Và Ricky kết thúc ít hơn một cookie khó khăn hơn anh ấy với sự yêu thích của anh ấy đối với gangsta rap và tất cả những gì ngụ ý mà cuối cùng đã cố gắng chiếu. Một bản chuyển thể từ tiểu thuyết của Barry Crump, Thịt lợn hoang dã và Watercress, Taika Waititi, săn lùng người hoang dã phát triển mạnh về những quan niệm định sẵn. Đạo diễn thể hiện sự đồng cảm với sự ngây thơ của Ricky, được phản ánh theo phong cách phiêu lưu của bộ phim. Nhà quay phim của Lachlan Milne, toàn cảnh đầy màu sắc và một cấu trúc kể chuyện dựa trên chương mang đến cho người dân hoang dã cảm giác của một cuốn sách truyện kể chuyện, nhưng nhờ sự năng động của lòng ấm áp giữa Ricky và Hec (Sam Neill), ngay cả những khoảnh khắc hay nhất của bộ phim mang lại Một cảm giác về nỗi đau cơ bản thực sự: Cả hai nhân vật này đều là người ngoài cuối cùng tìm kiếm một ngôi nhà để gọi riêng của họ. Cấmkenji Fujishima 22. Động vật hoang dã
Director: Tom McCarthy Stars: Carey Mulligan, Jake Gyllenhaal, Bill Camp, Ed Oxenbould Rating: PG-13 Trên bề mặt của nó, động vật hoang dã là một bức chân dung giữa thế kỷ khá quen thuộc của nước Mỹ hàng rào trắng. . Để chăm sóc con trai tuổi teen của cô một lần thất bại của cô với một người chồng (Jake Gyllenhaal) rời khỏi thị trấn để làm một công việc tạm thời. Dựa trên tiểu thuyết của Richard Ford, động vật hoang dã đã đặt ra những kỳ vọng về người phụ nữ này, OH OH, Jeanette tội nghiệp, người bất lực, nhạy cảm, Mulligan đã bùng nổ một cách chuyên nghiệp, liên tục làm chúng ta ngạc nhiên với khả năng tái tạo và tính toán của nhân vật. Cho dù âm mưu tìm người thay thế cho chồng hay tâm sự với con trai về sự thất vọng của cha mình, Jeanette thể hiện cả một thế hệ phụ nữ thất vọng khi bị một xã hội gia trưởng kìm nén. Mulligan làm cho sự thất vọng đó gợi cảm, sâu sắc và giải phóng, ngay cả khi chúng ta không bao giờ ngừng nhìn thấy nhân vật mà sự tuyệt vọng ngày càng tăng để giải thoát bản thân. —Tim Grierson 23. Roma
Director: Alfonso Cuarón Stars: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta Rating: R Bộ phim thân mật nhất của Alfonso Cuarón, cũng là cách xa nhất của anh. Máy ảnh ngồi lại, đen trắng, không tập trung vào những đứa trẻ tư sản đại diện cho nhà quay phim-nhà văn-đạo diễn và anh chị em của anh ta lớn lên ở Mexico City vài thập kỷ trước, nhưng người phụ nữ bản địa (Yalitza Aparicio) họ và hộ gia đình. Thậm chí không hoàn toàn tập trung vào cô ấy, có lẽ tập trung hơn vào các tác phẩm cổ điển của nó về một nơi không còn tồn tại theo cách Cuarón nhớ nó. Máy ảnh nhìn chằm chằm và di chuyển theo trình tự trans, cho chúng tôi các yếu tố tiền cảnh, giữa mặt đất và nền trong độ rõ kỹ thuật số rõ ràng. Hỗn hợp âm thanh là Dolby Atmos và bao bọc. Nhưng thẩm mỹ cơ bản và câu chuyện là Fellini, hoặc chủ nghĩa kỳ lạ Mexico đã mất từ lâu, hay thời gian chơi Tati, nhưng với những trò đùa nhìn được thay thế bằng mối quan tâm xã hội và sự tôn kính cá nhân. Dành riêng và nhập vai, hướng nội và hướng ngoại, cũ và mới, một số người đã buộc tội Roma quá tính toán theo những gì nó cố gắng làm, hành động cân bằng mà nó cố gắng thực hiện. Có lẽ họ không sai, nhưng đó là tín dụng to lớn của Cuarón, với tư cách là một kỹ thuật viên và người kể chuyện chu đáo mà trên thực tế, anh ta đã thực hiện nó. Kết quả là một trải nghiệm phim đơn lẻ, một trải nghiệm tái tạo một cái gì đó đã bị mất và sau đó điều hướng nó theo cách tìm thấy câu chuyện mới nổi, sau đó từ đó để tìm ra tác động cảm xúc. Vì vậy, khi chúng tôi đến thời điểm đó ở Roma, chúng tôi thậm chí còn nhận ra quá trình hữu cơ chậm chạp, mà chúng tôi đã được đầu tư đầy đủ vào phim; Chúng tôi không sẵn sàng để bị tấn công mạnh mẽ như khi chúng tôi đến và những con sóng sụp đổ. Nó gần như không thể chịu đựng được, nhưng chúng tôi chịu đựng nó bởi vì chúng tôi quan tâm đến những người mà chúng tôi đã tham gia. Và đó là cuộc sống. CấmChad Betz 24. The Squid and the Whale
Director: Noah Baumbach Stars: Jeff Daniels, Laura Linney, Jesse Eisenberg, Owen Kline, Anna Paquin Rating: R Borrowing themes from his previous films—children of failed marriages; characters whose bookish smarts seem to work against them; a floating sense of fatalism—The Squid and the Whale creeps ever closer to Noah Baumbach’s own tempestuous past. His parents’ faltering union isn’t just a detail used to add depth to a certain character. It’s the whole story—a gorgeous, candid portrait of the messy car crash of divorce, from all angles. “It’s hard to even put myself in the mindset of those movies anymore,” he told Paste in 2005. “With Squid, these are reinventions of people that are close to me, and this is the movie I identify with the most. It is a natural extension of what I have intended and what I feel. I trusted myself more on this one.” —Keenan Mayo 25. The Piano
Director: Jane Campion Stars: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin Genre: Drama Rating: R Without ever saying a word, Holly Hunter still has one of the great performances of the early ‘90s. The Piano also introduced the rest of the world to New Zealand’s Jane Campion, creator of Top of the Lake, and to actress Anna Paquin (True Blood). Set in 1850s New Zealand, the film tells of a mute, young mother trapped in arranged marriage and the farmworker (Harvey Keitel) who falls for her. 26. Marriage Story
Director: Noah Baumbach Stars: Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever Rating: R The way that Adam Driver ends “Being Alive,” which his character in Marriage Story has just sung in full (including dialogue asides from Company’s lead’s friends), is like watching him drain what’s left of his spirit out onto the floor, in front of his small audience (which includes us). The performance starts off kind of goofy, the uninvited theater kid taking the reins to sing one of Broadway’s greatest showstoppers, but then, in another aside, he says, “Want something… want something…” He begins to get it. He begins to understand the weight of life, the dissatisfaction of squandered intimacy and what it might mean to finally become an adult: to embrace all those contradictions, all that alienation and loneliness. He takes a deep exhalation after the final notes, after the final belt; he finally realizes he’s got to grow up, take down his old life, make something new. It’s a lot like living on the Internet these days; the impossibility of crafting an “authentic self,” negligible the term may be, is compounded by a cultural landscape that refuses to admit that “authenticity” is as inauthentic a performance as anything else. Working through identities is painful and ugly. Arguably, we’re all working through how to be ourselves in relation to those around us. And that’s what Bobby, the 35-year-old at the center of Stephen Sondheim’s 1970 musical Company, is doing. The scene forces the viewer to make connections about their humanity, the art they’re experiencing, and the ever deadening world in which it all exists. Charlie grabs the microphone, drained, realizing that he has to figure out what he has to do next, to re-put his life together again. All of us, we’re putting it together too. Or trying, at least. That counts for something. —Kyle Turner 27. Atlantics
Director: Mati Diop Stars: Mame Bineta Sane, Amadou Mbow, Nicole Sougou, Aminate Kane Rating: NR Atlantics is quite the announcement for writer-drector Mati Diop. She takes the magic realism of a peer like Alice Rohrwacher and carries it to the world’s margins, examining class struggle in a Senegalese city by the Atlantic. Through the gritty, blustery opening images shot as artful document of the Dakar shore (outstanding work by cinematographer Claire Mathon) and the hypnotic electronic score by Fatima Al Qadiri, Diop is able to evoke an incomparable mood and sense of place. That it might look and sound so alien to an American watching this film on Netflix is perhaps a sharp enough indictment of the ways in which we intellectually seclude ourselves from realities beyond our own. Atlantics is about that and it’s about the breaking of that. It’s about the mystery of identity and how one can find identity by taking on the identity of something other, or can find it when looking in a mirror—not for the physical self but for the spirit. Congruously, it’s also about losing the identities that are culturally prescribed, that we may have been born with, nurtured and/or limited by. Love, the film posits, is a catalyst; love helps reform identities in transgressive and transcendent ways. And the film is at its best when it avoids being programmatic, lets its visuals pulse before you. It is yet another sad ghost story amongst many, but where it differs is finely drawing the distinction that sometimes the things that haunt the living most are not the things that were but the things that should have been. The film’s protagonist embraces that haunting as a form of hope; she loses something important and fills the hole by expanding her own self with the self that was touched by others. Though Atlantics feels elliptical in many ways, Diop has the bravery to end her film with a pretty resounding period. It’s a statement, both for itself and for its creator, and it’s a convincing one. —Chad Betz 28. Moneyball
Director: Bennett Miller Stars: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright Rating: PG-13 Based on the gripping 2003 book of the same name, Moneyball centers on Oakland A’s general manager Billy Beane and his impact on baseball, and specifically on the implementation of a mathematical approach to the game. As the washed-up GM, Brad Pitt’s chemistry with Jonah Hill’s geeky and unconfident assistant Peter Brand was the best thing about the movie. It’s one of the first times where his character looks totally comfortable on screen, and the movie’s success can be directly attributed his Oscar-nominated performance. —Benjamin Hurston 29. High Flying BirdYear: 2019 Members of the “keep your politics outta my sportsball” crowd will probably hate High Flying Bird, Steven Soderbergh’s basketball drama, his latest experimentation with iPhone and his first collaboration with imminent playwright Tarell Alvin McCraney (of Moonlight fame and success). The film forces audiences to confront the implicit and innate racial biases woven throughout American sports culture, settling specifically in the NBA’s court. Granted, the apolitical type probably wouldn’t give High Flying Bird a second thought browsing their Netflix queues anyway, and that’s just fine. Soderbergh’s filmmaking and McCraney’s writing gel together with up tempo pacing and nearly lyrical dialogue exchanged between its tight cast of characters, chiefly Ray Burke (André Holland), a sports agent doing his best to serve his client, star prospect Erick Scott (Melvin Gregg), while navigating a fictionalized lockout. The lockout’s not that fictionalized (recall events that impacted the NBA through 2011, for instance), it’s just that Soderbergh and McCraney aren’t referencing anyone or anything in particular here, beyond systemic biases, both casual and fully intentional, woven into basketball’s DNA. The film makes a surgically precise study of how governance over the game, wrested from the hands of its players and bequeathed to their owners, leads to grim power dynamics recalling the days of slave trades and auction blocks. In regards to material, it’s merciless. In regards to craftsmanship, it’s unforgiving. But curious viewers will be rewarded with one of the year’s most economical bits of closed-circuit storytelling, anchored by Holland’s towering lead performance—so long as they can keep up. —Andy Crump 30. Happy as Lazzaro
Director: Alice Rohrwacher Stars: Adriano Tardiolo, Alba Rohrwacher, Luca Chikovani Rating: PG-13 Runtime: 137 minutes It’s very difficult to get into too many details about Alice Rohrwacher’s Happy as Lazzaro without spoiling it—which seems a ridiculous thing to say about a film that starts off as a rural Italian take on Dostoevsky’s The Idiot, but you’ve got no idea until you’re watching it. Rohrwacher’s The Wonders was a more intimate, personal film that had moments of magic realism peeking through, just barely. Happy as Lazzaro similarly keeps the magic in check (though a scene with whispers in a field will start to invoke Fellini) until it no longer can—and then the magic explodes, blowing up the narrative and sending what’s left in an insanely bold direction. We can only be applaud its daring. If Dostoevsky was re-framing the Christ narrative, Happy as Lazzaro re-frames the very idea of a Christ narrative until it is something else entirely. Here, Christ is a mythic wolf and our kind idiot Lazzaro (Adriano Tardiolo) is a touched Lazarus; the difference between them is a matter of substance, time and place. Lazzaro’s goodness, like all earthly goodness, is simultaneously transcendent and doomed, but the wolf continues on beyond any mortal coil, against the flow of humanity. Lazzaro tries to follow, perhaps foolishly, perhaps blindly…but happily, nonetheless. —Chad Betz 31. The Disaster Artist
Director: James Franco Stars: James Franco, Seth Rogan, Dave Franco, Alison Brie Rating: R To tackle the ineffable mystery of Tommy Wiseau’s consciousness is to understand the mind of a crocodile, or of a shark, or of a space alien. I wouldn’t even know where to start. Which is precisely what makes James Franco’s portrayal of Wiseau in The Disaster Artist such an impressive and triumphant one. Franco has physically transformed into Wiseau in the same manner that usually draws praise for an actor such as Daniel Day Lewis: not necessarily via hair or makeup, but in a way that is more primal and intimate. Every odd little tic, every awkward laugh, each inexplicable grimace—the gestures all shine through as genuine to anyone who has seen The Room, or even an interview with Wiseau. The portrayal is a huge part of what makes The Disaster Artist so compelling and just plain fun. You could make a good argument that this is the greatest role of Franco’s career. And even if The Disaster Artist reads like it’s positioning for a shot at year-end honors and the largest possible audience, fans of The Room will ultimately get far more from the experience than the average multiplex dweller. It’s a film to see with an audience familiar with what it’s about to see, with people who can appreciate the dedication with which Franco and co. have recreated so many of the original film’s woeful charm. —Jim Vorel 32. The Ballad of Buster Scruggs
Directors: Joel and Ethan Coen Stars: Tim Blake Nelson, Bill Heck, James Franco, Liam Neeson, Zoe Kazan, Tom Waits, Tyne Daly, Brendan Gleeson Rating: R As much an anthology of post-bellum adventure stories as it is a retrospective of the many kinds of films the Coen brothers have made—not to mention a scathing bit of fantasy curbed against the stories we’ve used to water down the tragedy of our country’s growth—The Ballad of Buster Scruggs tells six tales of greed, murder, mercy and the harsh mistress of blind chance, the only through line being the bleakness of the horizon America trampled to stake its imperial claim. A musty traveling showman (Liam Neeson) weighs the burden of his limbless performer (Harry Melling) against each night’s measly cash-out; a lone prospector (Tom Waits) patiently divines the vein of gold he refers to respectfully as “Mr. Pocket”; a cocky outlaw (James Franco) swings between the two sides of fate, his whole life leading to a semi-decent punchline; a disparate collection of travelers argue about the vicissitudes of faith while a bounty hunted corpse sits atop their carriage, all five heading towards some ambiguous symbolism; and the titular mellifluous gunslinger finally meets his match, making for one of the strangest sights the Coens have ever conjured. With the downhome nihilism of No Country for Old Men and Fargo, the mythological whimsy of O Brother, Where Art Thou?, the back-breaking metaphysical weight of A Serious Man or the cutting capers of Raising Arizona, the whole of The Ballad of Buster Scruggs—shot as a series of awe-inspiring vistas by DP Bruno Delbonnel punctuated by the porous mugs of the pioneers who populate them—sings to an unparalleled canon of genres and tones. That its centerpiece is a sweet romance, between a quiet young woman (Zoe Kazan) and a noble cowboy (Bill Heck) leading her wagon train along the Oregon Trail, proves that the Coens still have beautiful surprises in store more than three decades deep into their career-long odyssey of American life. —Dom Sinacola 33. Howard’s End
Director: Jane Campion Stars: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin Rating: R James Ivory’s 1992 classic Howards End, starring Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave, Helena Bonham Carter and an Academy Award-winning Emma Thompson, returns to theaters this weekend in a beautifully restored print. It’s tempting to call the film, which was nominated for nine Oscars and won three, the pinnacle of the Merchant-Ivory films catalog, but the more you dig, the harder it is to choose from the 50 years of excellent work. How do you ignore The Remains of the Day, possibly Hopkins’ best role of all? Or the lush romanticism of A Room with a View? Or a brilliant young Daniel Day-Lewis in Maurice. E.M. Forster’s novel Howard’s End has so much plot in it that in the hands of a lesser filmmaker, or lesser screenwriter, might have ended up feeling like all plot, but no character. But in Ivory’s Howards End, every one of the characters lives and breathes so much we get to know them intimately. —Michael Dunaway 34. Chef
Director: Jon Favreau Stars: Jon Favreau, Sofía Vergara, John Leguizamo Rating: R Jon Favreau took a break between the $163 million dollar Cowboys & Aliens and Disney’s live-action remake of The Jungle Book to write, direct and star in a small indie comedy-drama about a celebrated chef rediscovering his love for food. When the owner of his restaurant (Dustin Hoffman) won’t let him experiment in the kitchen and his social-media ignorance leads to a very public feud with a food critic (Oliver Platt), he quits and buys a food truck. The road-trip that follows is the sweet, earnest heart of the film—reconnecting with his son as he reconnects with a passion for food. There’s not much to the straight-forward plot, but the film’s humor and mouth-watering food porn make it a treat. —Josh Jackson 35. My Happy Family
Directors: Nana Ekvtimishvili, Simon Groß Stars: Ia Shugliashvili, Merab Ninidze, Berta Khapava Rating: NR Runtime: 119 minutes It’s a shame Netflix felt like Nana Ekvtimishvili and Simon Groß’s My Happy Family deserved a burial, that the company didn’t bother pushing the film for awards season and neglected to give it a boost in visibility for the average consumer. Because Ekvtimishvili and Groß’s latest collaboration in a long line of collaborations is superb, timely and altogether unexpected in its unwavering grace. Compared to the year’s other films centered on dysfunctional families, whether hammy (I, Tonya) or naturalist (Lady Bird), My Happy Family is a gentle tribute to dignity: Manana (Ia Shugliashvili) is never less than noble in her constant dedication to her family, even as she determines that to preserve her sanity she must move out of the apartment she shares with them and lay down roots in a pad of her own. My Happy Family doesn’t judge Manana—it validates her. It illustrates a woman’s liberation from social and familial expectations, allowing Manana to discover who she is, what she wants and where she’s going without looking down on her. But My Happy Family is a small film with grand artistic ambitions, and both Ekvtimishvili and Groß know that Manana’s bliss has its limit. They know that eventually the matters of her husband and children, plus their extended family, must be reconciled. Still, My Happy Family shows a benevolent kind of restraint by ending on a note of uncertainty, sparing us the lion’s share of that work, its ultimate lingering ambiguity a thing of honorable beauty. —Andy Crump 36. Private Life
Director: Tamara Jenkins Stars: Paul Giamatti, Kathryn Hahn, Kayli Carter, Molly Shannon, John Carroll Lynch Rating: R A rich film with the confidence to take its time, allowing its characters to unfurl and its themes to grow and develop, Private Life is a quietly remarkable comedy-drama about family, marriage and getting older. To accomplish all that, writer-director Tamara Jenkins uses as her entryway a familiar scenario: a 40-something couple struggling to have a baby. Led by terrific, tricky performances from Paul Giamatti and Kathryn Hahn, Private Life keeps shifting and surprising, never offering anything dramatically monumental but speaking precisely about the bonds between people—how they can be threatened but also renewed. Giamatti and Hahn play Richard and Rachel, who have been married for quite some time, each of them enjoying a satisfying creative life in New York City. But in recent years, they’ve struggled to conceive, a process that no amount of fertility treatments has been able to remedy. Private Life devotes a significant amount of its early running time to showing how couples such as Richard and Rachel undergo IVF, which has its comic moments but is largely depressingly clinical. (Adding to the despair are the long lines of other expectant couples Richard and Rachel see in the waiting rooms sitting alongside them.) But Jenkins (Slums of Beverly Hills, The Savages) uses the couple’s struggles to discuss far more intriguing subject matter. It’s not simply the inability to have a child that eats at these two people. Their failure to conceive hints that they’re not young anymore and, with that, exacerbates the feelings of regret they have about the career decisions they made. Did they focus on their art at the expense of parenthood? Now that the shine is off their early creative success, is their barrenness another indication of their growing irrelevance? Perhaps most pressingly, are they obsessing about having a child because, deep down, they know their marriage has troubles? The inability to conceive bothers Richard, but for Rachel, it’s a deeper wound—one that goes far beyond being deprived of motherhood. Hahn and Jenkins make the woman’s pain palpable, layered and also a bit ineffable, illustrating how people reach middle age not entirely sure how they got there or where they’re headed next. —Tim Grierson 37. Ali
Director: Michael Mann Stars: Will Smith, Jamie Foxx, Jon Voight Rating: R Runtime: 157 minutes Michael Mann’s ambitious attempt to chronicle the sprawling and wildly admired life of Muhammad Ali is respectable, if not enthusiasm-inducing. Certainly it’s Will Smith’s finest moment as a serious screen presence. He and the director spent exacting periods of time closely studying Ali’s fights and hours of candid footage, resulting in plenty of technical accuracy but a slightly mechanical feel overall. Still, Mann’s films hits all the biopic beats and its first hour or so is compelling, never shying away from the glamour, controversy, or flaws of egotism. The main trouble, in the end, lies with the difficulty of capturing Ali’s quicksilver, larger-than-life charm. That’s a mean feat for any filmmaker.—Christina Newland 38. The Artist
Director: Michel Hazanavicius Stars: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman Rating: PG-13 In his black-and-white ode to the Golden Age of Hollywood, Gallic writer-director Michael Hazanavicius honors form as well as content, packaging his romantic melodrama about the rise of a new ingénue and the fall of a silent movie star in 1920s and ’30s Los Angeles in luxurious black, white, and shades of shimmering silver. It’s a beautiful, ambitious, nostalgic endeavor that demonstrates its makers are, indeed, artists. George is a Douglas Fairbanks-grade celebrity, utterly charming both on-screen and off, especially with his sidekick Jack Russell terrier at his side. Classically handsome and a gifted physical comic, Dujardin is enchanting in the role, as seductive to 21st-century audiences as to his character’s screaming fans. His seemingly fail-safe success hits a snag, however, with the advent of talkies, a development that ushers in a new generation of talent. Speaking of which, at the height of his powers, George crosses paths with Peppy Miller (Bérénice Bejo, who is married to Hazanavicius), a movie extra whose career takes off just as his begins to tank. And peppy she is, with her cocked hip, flirtatious wink and spunky gestures. As lovely as she is lively, Bejo demonstrates unexpected depths to her perky character when, alone in George’s dressing room, she slips one arm into his tuxedo jacket and pretends she’s in a lover’s embrace—a bit of business that only could have resonated in a silent film. With no dialogue and few intertitles to convey plot, Hazanavicius and cinematographer Guillaume Schiffman have taken special care with the geometry of their images; there’s something artful and delightful to look at in every scene. —Annlee Ellingson 39. The Nightingale
Director: Jennifer Kent Stars: Aisling Franciosi, Sam Claflin, Baykali Ganambarr Rating: R Watch on Netflix Calling The Nightingale a revenge film sets an expectation of triumph, found in the satisfaction of grim justice done on the unjust. Let it be known that there’s no such catharsis in Jennifer Kent’s followup to her 2014 debut The Babadook. Revenge, while indeed a dish best served cold, tends to be prepared in one of two ways in cinema: with fist-pumping vigor or soul-corroding sobriety. The Nightingale sticks with the recipe for the latter. This is neither a pleasant movie nor a pleasing movie, but it is made with high aesthetic value to offset its unrelenting pitilessness: It’s fastidiously constructed, as one should expect from a director of Kent’s talent, and ferociously acted by her leading trio of Aisling Franciosi, Baykali Ganambarr and Sam Claflin, respectively playing Clare, an Irish convict driven by rage; Billy, an Aboriginal tracker driven by vengeance; and Hawkins, a British military officer driven by cold ambition and bottomless malice, who’s also Clare’s master and rapist. They’re three peas in a horrible pod, being 1820s Tasmania during the Black War, when English colonists slaughtered Aboriginal Tasmanians to the latter’s near extinction. It’s an altogether dark time in the country’s long history. Thus, The Nightingale is an appropriately dark film—but Kent is too shrewd a filmmaker to argue that Clare’s suffering trumps Billy’s, or to make any equivalency between them. She understands what must happen to fulfill Clare’s part in the story, and what must happen to fulfill Billy’s part. That she’s able to so seamlessly achieve both is an incredible accomplishment. The Nightingale is a far cry from The Babadook on obvious grounds of genre and style, though there are horrors here aplenty: Nightmare beats where Clare dances with Aidan, then with Hawkins and her other attackers. But the film expands on Kent’s interest in women’s stories by telling Billy’s tale alongside Clare’s, and shows once more her gift for making well-tread genre elements feel unique. If The Nightingale denies the traditional satisfactions of revenge cinema, it discovers new ones as well. —Andy Crump 40. The Killing of a Sacred Deer
Director: Yorgos Lanthimos Stars: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp Rating: R In the uncanny valley of a Yorgos Lanthimos film, characters resemble human beings…but not entirely. In movies such as Dogtooth and The Lobster, the Greek writer-director has become a maestro of the queasy/funny horror-comedy, turning our universal anxieties into psychologically rich satires in which life’s mundane surfaces give way to dark, often bloody realities we don’t want to acknowledge. His movies are funny because they’re so shocking and disturbing because they’re so true. But for them to really soar, their provocations need to be grounded in recognizable behavior, which gives Lanthimos a foundation to then stretch his extreme stories past their breaking point. With his latest, we see what happens when his underlying ideas are not as complex as the intricacies of his execution. The Killing of a Sacred Deer reunites Lanthimos with his Lobster star Colin Farrell, who plays Steven, a cardiologist, who’s married to an ophthalmologist, Anna (Nicole Kidman). They have two children, teen Kim (Raffey Cassidy) and her younger brother Bob (Sunny Suljic). It would be hard to describe their personalities because, in typical Lanthimos fashion, they don’t really have any. Quickly, Sacred Deer introduces us to the fly in this particular ointment. His name is Martin (Barry Keoghan), a moody teen piecwho seems as lobotomized as the other characters. There’s one crucial difference, though: He has befriended Steven for reasons that feel sinister but will only eventually become clear, and he keeps insinuating himself into the man’s world. It wouldn’t be much fun to reveal where Sacred Deer goes from there, but Sacred Deer may be Lanthimos’s most visually and sonically ambitious work—technically, it’s pristine—clever without ever quite deciding precisely what it’s about. —Tim Grierson 41. Rain Man
Director: Barry Levinson Stars: Dustin Hoffman, Tom Cruise, Valeria Golino Rating: R In this Oscar-winning Best Picture, Charlie Babbitt (Tom Cruise) embarks on a road trip with his newly discovered brother, Raymond (Dustin Hoffman). It’s not an intentional happy-go-lucky jaunt, though—Charlie is simply trying to get more of his recently deceased father’s $3 million estate, most of which he left to the autistic Raymond. Charlie gets to learn more about his brother and his mental tics like having to stop everything in order to watch Jeopardy! and buying underwear strictly from Kmart. Hoffman is undeniably good, and his performance as a savant earned him a Best Actor in a Leading Role award. But Cruise’s portrayal of a high-strung professional who transforms into a caring brother is also a treasure. The tender moments are just as important as the comical—and the blend of laughter and tears are skillfully spread out in this 1988 classic. —Shawn Christ 42. Quái thú không có quốc gia
Director: Cary Fukunaga Stars: Idris Elba, Abraham Attah, Emmanuel Nii Adom Quaye Rotten Tomatoes Score: 92% Rating: NR Runtime: 120 minutes Liên doanh đầu tay Netflix, thành lập làm phim đã giải quyết thực tế đen tối của những người lính trẻ em. Beasts of No Nation Stars Idris Elba với tư cách là một chỉ huy không tên tuyển dụng trẻ em cho chiến tranh ở một quốc gia giấu tên ở Châu Phi. Một cuộc nội chiến đã khiến nhiều trẻ em không có gia đình, và chỉ huy tận dụng tối đa các lỗ hổng của các chàng trai trẻ, đặc biệt là một cậu bé tên là Agu (Abraham Attah). Cuối cùng, những đứa trẻ tạo thành một đội quân đầy đủ dưới quyền chỉ huy, giết chóc và chinh phục không thương tiếc như một nhóm. Cary Fukunaga (Thám tử thực sự) chỉ đạo. Cấmalice Barsky 43. Bóng tối
Director: Zhang Yimou Stars: Chao Deng, Sun Li, Ryan Zheng, Qianyuan Wang, Xiaotong Guan, Wang Jingchung Rating: NR Runtime: 115 minutes Mới nhất của Zhang Yimou, là Shadow, một bộ phim Wuxia dựa trên huyền thoại của Trung Quốc Three Three Kingdoms. Khi bộ phim gần đây của Yimou, ủng hộ chất gây nghiện (về nhà) hoặc lóa mắt trên chất (bức tường lớn), Shadow làm những gì những bộ phim hay nhất của anh ấy làm bằng cách khâu chúng lại với nhau thành một gói liền mạch. Như trong anh hùng, như trong House of Flying Daggers, các cảnh chiến đấu chống trọng lực rất tuyệt vời, nhưng những bộ phim đó đặt hiệu suất và hành động trên cùng một mặt phẳng, và Shadow cố tình tách chúng ra với bảng màu đơn sắc tuyệt đẹp, được ghi lại bởi quy mô màu xám mà quy mô màu xám mà quy mô màu xám mà Cho phép các diễn viên, và lượng máu mà họ tràn ra trong suốt, giữ hàng đầu. Ở đây, trong câu chuyện về âm mưu cung điện này, Chỉ huy Yu (Đặng Chao) sử dụng một cú đúp để hành động thay đổi (cũng là Đặng Chao), nếu bạn sẽ nắm quyền kiểm soát một thành phố có giá trị chiến lược từ các lực lượng xâm lược chống lại mệnh lệnh từ vua của mình (Zheng Kai). Bộ phim xoắn và quay, nhưng thông qua sự cách điệu của Zhang, những điều phức tạp không bao giờ áp đảo. Thay vào đó, sự cách điệu làm. Tiếng crump 44. Omar
Director:Hany Abu-Assad Stars: Adam Bakri, Leem Lubany, Waleed Zuaiter Rating: TV-MA Runtime: 98 minutes Trenchant như một câu chuyện ngụ ngôn chính trị hơn là một bộ phim nhân vật, Omar quan tâm đến những ý tưởng trong phim kinh dị bị đốt cháy chậm này hơn là trong âm mưu mưu mô. Đối với nhà văn-đạo diễn Hany Abu-Assad, những khúc quanh điên rồ và các tác phẩm hành động xảo quyệt chỉ đơn giản là theo cách mà chúng ta dành thời gian để suy nghĩ về lý do tại sao các nhân vật tìm thấy chính mình trong tình huống này. Được đề cử cho bộ phim tiếng nước ngoài hay nhất Oscar, Omar có sự tham gia của Adam Bakri trong vai người Palestine trẻ tuổi, người phải mở rộng quy mô bức tường an ninh cao vô nghĩa tách anh ta với bạn gái của mình, Nadia (Leem Lubany). Mặc dù rất yêu nhau, nhưng họ vẫn chưa tiết lộ mối quan hệ của họ với anh trai cô (và người bạn tốt của Omar) . Nhiệm vụ của ba người bạn là một thành công. Đe đe dọa Omar với tù đày, Rami hứa với anh ta tự do nếu anh ta sẽ giao Tarek, người lãnh đạo nhóm, cho họ để đổi lấy. Điều mà cộng hưởng nhất ở Omar là, giống như chúng ta không thể luôn luôn đánh giá các nhân vật, họ cũng vậy, che giấu các bộ phận của mình với nhau, một sản phẩm phụ của cuộc sống ở một phần của thế giới nơi sự không tin tưởng là phổ biến và bí mật sự cần thiết. Đó là lý do tại sao kết thúc đáng kinh ngạc của Omar, vừa bị bí ẩn vừa là hoàn hảo một cách kỳ lạ, chúng tôi không thấy nó đến, và sâu thẳm, chúng tôi không ngạc nhiên về điều đó đã xảy ra. —Tim Grierson 45. Người đàn ông IP
Director: Wilson Yip Stars: Donnie Yen, Lynn Hung, Dennis To, Syun-Wong Fen, Simon Yam, Gordon Lam Rating: R Runtime: 106 minutes Người đàn ông IP của năm 2008 đã đánh dấu, cuối cùng, khoảnh khắc thực sự xuất sắc nhưng không bao giờ được coi là Donnie Yen đã trở thành của riêng mình, chơi một phiên bản tiểu sử lỏng lẻo của Grandmaster huyền thoại của Wing Chung và giáo viên của một số bậc thầy võ thuật trong tương lai (một trong số đó là Bruce Lee). Ở Foshan (một thành phố nổi tiếng về võ thuật ở miền nam/miền trung Trung Quốc), một học viên không thể tin được về Wing Chung cố gắng vượt qua cuộc xâm lược và chiếm đóng Trung Quốc năm 1937 của Nhật Bản, nhưng cuối cùng bị buộc phải hành động. Hành động phá vỡ, mặt bong bóng lấp đầy bộ phim bán lịch sử này, thành công vinh quang vừa là bộ phim truyền hình hấp dẫn và mồi câu người hâm mộ võ thuật. —K. Alexander Smith 46. Một câu chuyện maDirector: David Lowery Stars: Casey Affleck, Rooney Mara, Liz Franke Rating: R Xem trên Netflix Hóa ra cơ hội hoàn hảo cho một vấn đề nan giải tồn tại là khi bạn không còn tồn tại. Với một tiêu đề táo tợn như một câu chuyện ma, không có gì ngạc nhiên khi bộ phim David Lowery, một câu chuyện điển hình về hoạt động huyền bí, nhưng thậm chí đã giành chiến thắng trong bộ phim mà Odyssey không thể đoán trước được thông qua tình yêu, cái chết, khao khát và thời gian. Nó thậm chí có thể là một trong những bộ phim phụ hoành tráng nhất từng được thực hiện. Trong đó, Casey Affleck và Rooney Mara Star với tư cách là một cặp vợ chồng, có lẽ đã kết hôn, được xác định trong các khoản tín dụng lần lượt là C và M. Họ sống trong một ngôi nhà đơn giản, cũ. Anh ấy gắn bó với nó, cô ấy muốn di chuyển. Chúng tôi có cảm giác ma sát vì xung đột đó, nhưng chúng tôi cũng mang đến tình cảm thực sự, đặc biệt là khi hai cái ôm sau một tiếng nổ đáng kinh ngạc trên cây đàn piano C, đánh thức họ vào giữa đêm. Sau đó, ngay khi chúng tôi làm quen với họ thông qua cuộc đối thoại lầm bầm và sáng tác của C, anh ta chết bất ngờ trong một tai nạn xe hơi. Sau đó, bộ phim dành thời gian để tiết lộ ý định táo bạo của nó. Nhà văn/đạo diễn Lowery đã thoải mái với cả hai dự án độc lập (họ là các vị thánh cơ thể) và các khớp Disney cao cấp (2016 của Pete Pete Dragon). Có lẽ thành công này đã cho anh ta sự tự do để làm một bộ phim nhỏ, có ngân sách thấp và không lo lắng về việc mọi người sẽ gọi nó là tự phụ hay nhàm chán. Một câu chuyện ma đối thoại rất yên tĩnh và đôi khi khó hiểu, mất nhiều thời gian và có chủ ý, và kỹ xảo điện ảnh bị tắt tiếng, chưa kể trong tỷ lệ vượt trội (mặc dù vẫn được sử dụng)) tỷ lệ khung hình học viện 1.37: 1. Với những yếu tố này, Lowery ghi lại thời gian trong sự rộng lớn và cô đơn của nó bởi vì, sau tất cả, đó là sự khác biệt ấn tượng nhất giữa quan điểm sống và những quan điểm của người chết, một điều mà Lừa được cấp trong hầu hết các bộ phim (vấn đề nhịp độ và hồi tưởng sang một bên). C, dĩ nhiên, đã đánh thức những người chết vì cái chết như một con ma bị đánh cắp, người mà thời gian ngày càng trở nên quan trọng hơn khi anh ta nán lại, và khi máy ảnh nán lại với anh ta. Một câu chuyện ma không phải là một sự ám ảnh rất nhiều như một nhân chứng. Mathjeremy Mathews 47. Sông huyền bí
Director: Clint Eastwood Stars: Sean Penn, Tim Robbins, Kevin Bacon Rating: R Runtime: 137 minutes Dựa trên tiểu thuyết Dennis Lahane, bí ẩn kịch tính của Clint Eastwood, được đóng gói với những màn trình diễn tuyệt vời từ Laurence Fishburne, Laura Linney, Marcia Gay Harden, Kevin Bacon, Tim Robbins và đặc biệt là Sean Penn, người đã giành được cả Oscar và Golden Globe cho diễn viên hàng đầu. Vùng lân cận Boston nơi các nhân vật sống có cảm giác như một thị trấn nhỏ, nơi ba người bạn thời thơ ấu trôi dạt và thấy mình bị mâu thuẫn sau một vụ giết người địa phương. 48. Yêu thương
Director: Jeff Nichols Stars: Ruth Negga, Joel Edgerton, Marton Csokas Rating: PG-13 Runtime: 123 minutes Làm thế nào bạn thích Jeff Nichols, yêu thương sẽ phụ thuộc một phần vào những gì bạn tìm kiếm trong các bộ phim truyền hình của tòa án. Nếu bạn thích sagas tư pháp được làm bằng slickness potboiling và ít người khác, bạn có lẽ sẽ thích yêu thích ít hơn Nichols thích quay các thủ tục pháp lý mang tính bước ngoặt. Bộ phim của anh không phải là về trường hợp yêu thương v. Virginia nhiều như hai nguyên đơn của nó, Richard Loving (Joel Edgerton) và Mildred Jeter Loving (Ruth Negga), cặp vợ chồng ở trung tâm của chiến thắng dân quyền năm 1967 trước United Luật chống phân biệt chủng tộc của các quốc gia. Là một hiệu ứng của tiêu điểm của Nichols, bộ phim nói rất ít để không có biệt ngữ luật sư và diễn ra gần như hoàn toàn bên ngoài tòa án chứ không phải bên trong. Vì vậy, nếu bạn bị bệnh cho đến chết các bộ phim truyền hình trong phòng xử án khăng khăng về kịch câm, và nếu bạn nghĩ rằng những câu chuyện đó đòi hỏi sự kiềm chế hơn, thì bạn có thể sẽ tìm hiểu về tình yêu. Nó rất chăm chỉ tránh những lời sáo rỗng của thể loại của nó đến nỗi nó cảm thấy tươi mới, nguyên bản, một ý tưởng hoàn toàn mới dựa trên một ý tưởng rất cũ, rất công thức. Nó có một bản sao trên màn hình kỷ luật, đẹp trai, vô cùng nghiêm trọng về một khoảnh khắc thực tế quan trọng trong quốc gia, cuộc chiến liên tục cho các quyền dân sự; Nó đã ra rạp vào thời điểm mà chúng tôi vẫn đang có những tranh luận về văn hóa về việc ai sẽ kết hôn; Và nó được chỉ đạo bởi một trong những người yêu thích của điện ảnh đương đại. Đây là loại nhà phê bình phim chống uy tín khao khát, một sản phẩm đã loại bỏ những giả vờ và tham vọng không phát âm, chỉ còn lại nghệ thuật. Tiếng crump 49. Silver Linings Playbook
Director: David O. Russell Stars: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro Rating: R Runtime: 122 minutes Với sự dẫn dắt như chiến thắng như Bradley Cooper và Jennifer Lawrence, AAS cũng như David O. Russell, sự pha trộn đặc trưng của đối thoại thông minh và chân thành, The Hook được thiết lập. Mỗi chi tiết không có gel Gel, Vris Tucker, vai trò là Daniel, người bạn dễ bị thoát hiểm của Pat Jr, từ cơ sở điều trị, có vẻ hơi không liên quan nhưng nó không cần. Vào cuối đêm chung kết cuộc thi khiêu vũ (vâng, có điều đó), khán giả, diễn viên và đạo diễn ở cùng một trang trong vở kịch Russell. Giới thiệu Burgin 50. “The Meyerowitz Stories (New and Selected)
Year: 2017 Director: Noah Baumbach Stars: Adam Sandler, Dustin Hoffman, Ben Stiller, Elizabeth Marvel, Emma Thompson, Candice Bergen, Adam Driver, Sigourney Weaver Rating: R Runtime: 112 minutes In maybe his most well-tuned chamber drama (let’s use this phrase loosely) since Frances Ha, Noah Baumbach takes time to observe the ways in which his characters run, their ambulatory gifts (or lack thereof) representing both their struggles to express their innermost selves and the ways in which they can’t escape the parents who must pass themselves—their failures, their quirks, their anger—to their offspring. One gets the sense that Baumbach wants to literalize the act of “running from” one’s deepest problems, but such tracking shots are largely played for laughs: Family patriarch Harold Meyerowitz (Dustin Hoffman), a sculptor seeking acknowledgement in his old age, shuffles dopily down New York’s streets; Matt Meyerowitz (Ben Stiller) possesses the grace of a well-used corporate gym membership; Danny Meyerowitz (Adam Sandler, deserving of an Oscar) hobbles around denying that he’s got a major medical problem; and Jean Meyerowitz (Elizabeth Marvel) just seems like she shouldn’t be running, Matt and Danny at one point consorting about how they’ve never actually seen her run before. In these moments, Baumbach allows the cerebral to awkwardly take on corporeal life, wondering aloud how the many themes and ideas we conceptualize (and thus internalize) break free in some sort of physical melee. It’s his tennis scene in The Squid and the Whale made feature length—and it may be the most viscerally moving film he’s ever made. —Dom Sinacola 51. Love Jones
Director: Jérémy Clapin Stars: Larenz Tate, Nia Long, Isaiah Washington Rating: R Runtime: 108 minutes Love Jones feels just as refreshing now as it did in 1997: It’s a romantic drama filled with realistic relationships and conversations, focused on a group of Black writers, artists and intellectuals. Nina (Nia Long), a photographer just out of a long relationship, meets Darius (Larenz Tate), a writer and spoken-word artist (oh hey, the ‘90s) who meets her at a show and pursues her—carefully but quite ardently—until they fall into on-again, off-again love. Aside from the naturalistic performances (from the two leads as well as their easygoing group of friends, including Isaiah Washington and Lisa Nicole Carson), the greatest delight of Love Jones is the way its soundtrack (which seamlessly blends Charlie Parker with Lauryn Hill with Coltrane with Maxwell) syncs with its Chicago scenery for a kind of hipper Woody Allen feel. The film opens on Chicago through Nina-the-photographer’s eyes, from black-and-white shots of the El and the skyline to close-ups of the faces of the city’s Black community. While Love Jones features Chicago movie staples like Buckingham Fountain and Union Station, it comes alive in its specifics—such as Nina and Darius’s meeting at the jazz/spoken word club Sanctuary (not real, but it feels it), and then their subsequent “first date”: Chicago-style stepping at the Blackstone Hotel. Carefully rendered, the City of Love Jones is truly multi-dimensional. —Maura McAndrew 52. Lagaan
Director: Ashutosh Gowariker Stars: Aamir Khan, Gracy Singh, Rachel Shelley Rating: PG Runtime: 223 minutes You may have heard of Lagaan, one of the most easy entryways into Bollywood. The film famously received India’s third-ever Academy Award nomination in 2001 and is rooted in a rich entanglement of a high-stakes sports game and a forbidden romance. An epic sports drama based in colonial India, Lagaan is the story of a group of Indian villagers who challenge their British colonizers to a game of cricket in exchange for the removal of their increasing burden of taxes. We get recruiting and training montages, drama amongst teammates, an intercultural flirtation, and a bangin’ soundtrack from the legend A.R. Rahman. It has everything and has been rightfully hailed as one of India’s most entertaining and thoughtful productions that seems to only get better with age. —Radhika Menon 53. Titanic
Director: James Cameron Stars: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane Rating: PG-13 Runtime: 194 minutes Decades after its theatrical debut, James Cameron’s blockbuster epic is still so ubiquitous in the pop culture zeitgeist, its filmmaking marvels are drowned out by young Kate-and-Leo nostalgia and that damned Celine Dion caterwaul (not to mention the now late James Horner’s iconic score). Cameron’s ear for dialogue may be woefully leaden, but he’s a shrewd storyteller, plunking a Romeo-and-Juliet redux aboard the doomed ocean liner and flanking the fictional romance with historical details, groundbreaking special effects and jaw-dropping visuals. The narrative lapses are at times dumbfounding—let’s face it, old Rose, who tosses a priceless artifact into the abyss after waxing ad nauseam about herself, is a thoughtless jerk—and the aforementioned dialogue is awful (to say nothing of Billy Zane doing his best mustache-twirling silent movie villain) but Titanic remains a painstaking testament to the all-in Hollywood spectacle.—Amanda Schurr 54. Memoirs of a Geisha
Director: Rob Marshall Stars: Zhang Ziyi, Ken Watanabe, Koji Yakusho Rating: PG-13 Runtime: 145 minutes Zhang Ziyi plays the complex role of Sayuri, a young Japanese girl who first loathes, then covets the idea of being geisha. As she fulfills her dreams, every victory is laced with sadness, and the troubling, yet beautiful tale of her life is juxtaposed against Japan’s entry into World War II. At the end of the film, the voice of Sayuri reminds us that not all love stories have uncomplicated, fairy tale endings: “After all these are not the memoirs of an empress, nor of a queen…these are memoirs of another kind.” —Shannon M. Houston 55. Cold Mountain
Director: Anthony Minghella Stars: Jude Law, Nicole Kidman, Renée Zellweger, Brendan Gleeson, Philip Seymour Hoffman, Natalie Portman, Donald Sutherland Rating: R Runtime: 154 minutes When Anthony Minghella adapted Charles Frazier’s gripping novel about a Civil War deserter from the Confederate Army and his long journey home to the woman he loves, he enlisted an all-star cast to bring it to life. Jude Law and Nicole Kidman led the marquee, but it was Renée Zellweger’s turn as Ruby Thewes, the woman who helps Kidman’s character survive on her farm as the nation was torn apart, who earned most of the plaudits. Gorgeously shot (with Romania mostly standing in for North Carolina’s Pisgah National Forest), Cold Mountain also introduced the world to the glorious sounds of sacred harp or shape-note singing. —Josh Jackson 56. Pieces of a Woman
Director: Kornél Mundruczó Stars: Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn Rating: R Runtime: 126 minutes Netflix’s Pieces of a Woman is about Martha (Vanessa Kirby) and Sean (Shia LaBeouf), a couple who suffer a neonatal death. Director Kornél Mundruczó’s movie is a tough watch and an uneven drama, but its exceptional elements keep you glued to the screen—especially a gripping, one-take scene of home birth that runs nearly half an hour. It’s a flashy move, built on the backs of its actors and the planning and choreographing of its directorial and camera team. Kirby is seriously fantastic and the fact that the Logistic never overwhelmed the Artistic when shooting is quite a feat. But while the adrenaline, hope and grief of the scene are impressive enough to overwhelm the rest of the film, the visual fallout from this loss struck me even more deeply. Martha and Sean are shocked into stillness, something that’s depressingly relatable and shown throughout Pieces of a Woman with a subtle potency. Cinematographer Benjamin Loeb captures perfect frames of domestic neglect that will be familiar to anyone that was waylaid in the past by unemployment, illness, loss, trauma, or general disillusionment with capitalism, democracy and all the ways in which we live life. Martha’s moment of trauma may be the standout scene from Pieces of a Woman, but it’s the subtle depiction of slowing rebuilding, after untold time spent stuck, that resonates in the subconscious. —Jacob Oller 57. Lust Stories
Directors: Anurag Kashyap, Zoya Akhtar, Dibakar Banerjee, Karan Johar Stars: Vicky Kaushal, Bhumi Pednekar, Radhika Apte Rating: TV-MA Runtime: 120 minutes An anthology film from four of India’s most prominent directors, Lust Stories explores the themes of sex and attraction in its many forms, and places them in modern-day India where these types of conversations don’t normally occur so openly. Each director’s short film focuses on a stigma—whether it’s a possessive relationship between a teacher and student, a forbidden tryst between members of two different social classes, an adulterous marriage, or an exploration of sexual satisfaction—and dives deep into the various perspectives at play. The format makes Lust Stories easily digestible, and the films themselves are excellent slices of progression within the industry and culture at large. That it premiered as a Netflix original is just another hat tip to the dynamism of the decade’s art. —Radhika Menon 58. First They Killed My Father
Director: Angelina Jolie Stars: Sreymoch Sareum, Kompheak Phoeung, Sochteata Sveng Rating:TV-MA Runtime: 136 minutes We may tease or scorn actors for stepping out of the frame to hunker down behind the camera, because for whatever reason we’re only cool with artists when they stay in their lane. Think of Angelina Jolie’s First They Killed My Father as a democratic response, or, if you like, a defiant flip of the bird. It’s fitting that Jolie should be the actor to produce a film this accomplished. Recall the volume of shit shoveled on her for the
release of 2014’s Unbroken, her Louis Zamperini biopic, and 2015’s By the Sea, the romantic drama she made with Brad Pitt: These were works met with deserved and undeserved response, both middling at best, but neither could be mistaken for being too vain. Whatever promise was found in her earlier movies is fully realized in First They Killed My Father, a brutal movie with a human heart. Jolie doesn’t gloss over the horrors of the Khmer Rouge. She knows honesty is the best
way to face history and honor the dead, but she doesn’t find any nobility in the suffering of Loung Ung’s family as they flee from state-sanctioned genocide. First They Killed My Father’s emphasis falls on Loung, on the violence paraded before her young eyes, Jolie mining tragedy not for a misguided sense of importance but for an experiential scope and for, most of all, empathy. —Andy Crump 59. Blue Jay
Director: Alex Lehmann Stars: Sarah Paulson, Mark Duplass, Clu Gulager Rating: NR Runtime: 85 minutes Sarah Paulson là một trong những diễn viên quan trọng nhất làm việc ngày nay, và tại thời điểm đặc biệt này, cô ấy đã gần gũi với phổ biến; Tại đây, cô xuất hiện là một trong hai người dẫn đầu trong bộ phim hài lãng mạn đáng yêu của Alex Lehmann, Blue Jay, một bộ phim nhỏ gọn và không có gì khác biệt về những thứ lớn, thay đổi cuộc sống mà Lừa trình bày trong một gói đơn sắc tuyệt đẹp. Hãy nghĩ về nó như một chất tẩy rửa vòm miệng cho Paulson sau một năm dành việc điều khiển các sản phẩm có phạm vi và tham vọng lớn hơn. Nhưng quy mô và chất lượng tồn tại trong hai mã zip riêng biệt, và những gì Blue Jay thiếu khi nhập khẩu mà nó bù đắp bằng sự sủi bọt và u sầu. Như thể đưa tài năng phát sáng của Paulson vào thử nghiệm, Lehmann đã đưa cô ấy cùng với Mark Duplass, một người đàn ông chủ yếu được biết đến với việc tạo ra hàng tấn lễ hội lẩm bẩm thấp và phạm vi cho phép anh ta thoải mái tự chơi. Paulson và Duplass tạo nên một cặp tuyệt vời đến nỗi bộ phim tương đối hư vô là dễ chịu hơn là đau đớn. Blue Jay chỉ có đồng hồ vào khoảng một giờ và hai mươi phút (ít hơn, đếm các khoản tín dụng nguệch ngoạc), vì vậy nó sẽ dễ dàng theo bản chất của nó, nhưng cảm giác như nó chỉ dài khoảng một nửa. Nó được chế tạo tốt, phong cách tốt và hành động rất tốt, mặc dù bạn có thể tự quyết định nếu tất cả tín dụng nên đến Paulson. Cô rút ra những công đức tốt nhất của Duplass, với tư cách là một diễn viên, giống như Amanda rút ra những điều tốt nhất trong Jim: bộ phim càng tiến triển, Duplass càng sáng và nhiệt tình hơn, thưởng thức mỗi giây anh ta có mặt trên màn hình với cô. Hóa học của họ có thể sờ thấy. Tiếng crump 60. Bạn không thể thay thế
Năm: 2018 Giám đốc: Stephanie Laing Stars: Gugu Mbatha-Raw, Michiel Huisman, Christopher Walken Xếp hạng: TV-MA Thời gian: 96 phút 2018 Director: Stephanie Laing Stars: Gugu Mbatha-Raw, Michiel Huisman, Christopher Walken Rating: TV-MA Runtime: 96 minutes Netflix đã tặng chúng tôi hai bộ phim Gugu Mbatha-raw trong cùng một tháng. Một trong số đó là một thảm họa sáng tạo và là một dấu hiệu của những điều tồi tệ sẽ đến với triết lý phát trực tuyến khổng lồ về các bản phát hành gốc. Một trong số đó là bạn không thể thay thế. Đứng trước, bạn không thể thay thế bạn rất mạnh mẽ và dễ thương như địa ngục, nhưng Mbatha-Raw là một người quyến rũ dễ dàng, và đạo diễn Stephanie Laing rõ ràng là một phù thủy bởi vì cô đã tìm ra cách để chà Michiel Huisn về sự thốt lên của anh ta. Anh ấy vẫn còn là một người nóng bỏng, nhưng một người mọt sách khó xử, và anh ấy rất giỏi trong việc chơi phần này. Anh và Mbatha-Raw phù hợp với Sam và Abbie, những người yêu thời thơ ấu mới tham gia và cũng nhìn chằm chằm vào chẩn đoán ung thư đầu cuối của cô. Về mặt y tế, cô ấy là một goner. Vì vậy, cô ấy làm những gì bất kỳ người loại A nào sẽ làm ở vị trí của mình và phỏng vấn các ứng cử viên cho người thay thế sau khi cô ấy chết. Cô ấy yêu Sam rất nhiều, cô ấy có thể đứng trước ý tưởng anh ấy ở một mình. Nếu bạn mắc bệnh tiểu đường thì bản tóm tắt này có thể có bạn đạt được liều insulin, nhưng với tất cả các thao tác rõ ràng của nó, hãy xem bạn không thể thay thế là tương đương với việc làm giảm một hộp sôcôla hình trái tim. Bạn có thể bị sốc đường và bạn sẽ cần đánh răng khi nó kết thúc, nhưng bạn đã giành được sự hối tiếc về sự nuông chiều. Tiếng crump Top 10 trên Netflix ngay bây giờ là gì?Top 10 theo quốc gia.. Enola Holmes 2. #1 Tuần này.Xem bây giờ..... Rơi vào Giáng sinh.#2 Tuần này.Xem bây giờ..... Những kẻ xấu.#3 tuần này.Xem bây giờ..... Nơi Crawdads hát.#4 Tuần này.Xem bây giờ..... Khách sạn Transylvania 2. #5 Tuần này.Xem bây giờ..... Mile 22. #6 tuần này..... Thuyền trưởng Phillips.#7 tuần này..... Enola Holmes.#8 tuần này .. Kdrama được đánh giá cao nhất trên Netflix là gì?Các chương trình truyền hình truyền hình hay nhất của Hàn Quốc trên Netflix: 10 bộ phim truyền hình K-Dramas được đánh giá cao nhất trên Netflix-bao gồm Hometown Cha-Cha-Cha.. Ngoại khóa.Một học sinh trung học thông minh chuyển sang một cuộc sống tội phạm để đảm bảo anh ta có thể trả tiền cho trường đại học và thoát khỏi cuộc sống cuối cùng của mình..... Tên của tôi..... Tình cảm của nhà vua..... Quê hương Cha-cha-cha .. 1 Series hàng đầu trên Netflix là gì?Top 10 toàn cầu. |
