100 bộ phim hàng đầu của thập kỷ qua năm 2023

“Burning”, Parasite”, “The Handmaiden” là 3 siêu phẩm màn ảnh rộng của Hàn vinh dự lọt vào danh sách 100 bộ phim hay nhất thập kỷ do chuyên trang về điện ảnh IndieWire công bố.

Theo Zing

Time flies when you’re watching movies. Back at the start of 2015, The A.V. Club took the temperature of the half-elapsed 2010s in film, ranking our favorites of a decade still very much in progress. It’s been a long, wild, eventful five years since. Netflix, having successfully mounted a big challenge to network television, took on the Hollywood studios next, perhaps helping to hasten the slow death of the theatrical experience, even as it provided wide access to plenty of smaller films and funded plenty of mid-budget projects the majors passed on. Disney increased its worrisome dominance of the whole entertainment industry, re-launching Star Wars as an annual appointment, successfully pulling off the 10-year Marvel plan, and swallowing 20th Century Fox whole. In response to hash-tagged criticism of their enduring whiteness, the Oscars embarked on a diversification initiative; the influx of new voices may have helped an acclaimed indie make history, in a Best Picture upset nearly as shocking as the bizarre award-show gaffe that preceded it, but it couldn’t prevent a very retrograde winner two years later. And a reckoning finally arrived for Harvey Weinstein, whose downfall was the catalyst for #MeToo, though the jury’s still out on whether the movement will really transform the industry, or even if these supposedly canceled predators are really canceled.

A lot happened, in other words, over the back half of the 2010s. If there was a comfortable constant, it was that for all the changes to the cinema landscape, movies themselves still delivered. Without fail, people kept making good ones, in stubborn defiance of the bellyaching cliché that they never make ’em like they used to. Whether judged as a whole or as two five-year parts, the 2010s were a terrific decade for film; you just had to be willing to go looking for the best, and to look outside of an increasingly IP-obsessed studio system—not that the multiplex didn’t offer some gems of its own, including the movie you’ll find at the very top of The A.V. Club’s new list of the decade’s best.

To qualify for inclusion, a film had to be released in the United States on or after January 1, 2010. (Hence the appearance of such superb international holdovers as #38 and #29 below.) Meanwhile, nothing scheduled to hit theaters after December 31 of this year is eligible, even if it already premiered on the festival circuit. Beyond that, we stuck to features—no shorts or music videos or, ahem, 18-hour movies that played on television, one a week, in discrete installments. Just over half of the films come from 2015 or later, though only 40 appeared on the previous list—a reflection of the different tastes of the writers polled this time, or the rising and falling reputations of different works. And of course this is just the tip of the iceberg when it comes to the movies that mattered these past 10 years. A truly comprehensive list would go well beyond 100, though even then, we’d probably still miss a few of your favorites. After all, fiery differences in opinion were another constant of this tumultuous decade.

100. Miss Bala (2012)

Ignore the recent American remake starring Gina Rodriguez and revel instead in the harrowing yet elegant sordidness of Gerardo Naranjo’s original Mexican version. Ostensibly a grim look at Mexico’s drug cartels, this fact-inspired melodrama, in which a beauty pageant contestant (Stephanie Sigman) gets abducted and pressed into service as a mule, actually has much more to say about the various self-defeating traps that society—any society, really—sets for young women. Naranjo shoots much of the film in meticulously choreographed sequence shots, which only makes it feel more oppressive. [Mike D’Angelo]

99. The Immigrant (2014)

Already a cult figure among cinephiles, the director James Gray cemented his status as an underappreciated American master with this drama about a Polish immigrant (Marion Cotillard) who goes to work for a small-time pimp (Joaquin Phoenix) in 1920s New York to get her sister out of Ellis Island; eventually, she attracts the romantic attentions of the pimp’s cousin, a magician (Jeremy Renner). Working in a style that recalls the tragic splendor of different eras of classic film, Gray creates a novelistic sense of the emotional and psychological compromises of his characters, who live at the edge of despair and in the shadow of the American dream. [Ignatiy Vishnevetsky]

98. The Comedy (2012)

The specific strain of Brooklyn hipster embodied by Tim Heidecker as trust fund a-hole Swanson largely left his PBR tallboys and fixed-gear bikes in the first half of the decade. But the pathology animating him—the shell of ironic provocation that acts as insulation from the surrounding world—has only intensified as it’s spread from the borough to the whole of the internet. Rick Alverson’s study of a deeply damaged man fearful of his own capacity for sincerity has ballooned in significance since 2012, from a hyper-specific sociological portrait to a prophecy on a generational scale. [Charles Bramesco]

97. Chú Boonmee có thể nhớ lại kiếp trước của mình (2011)Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2011)

Những người vợ ma, những người con trai của con trai lớn với đôi mắt đỏ phát sáng, cá trê mịn màng mang đến niềm vui miệng, những người này chỉ là ba ví dụ về những đặc thù vui tươi được cung cấp bởi chú Boonmee, người có thể nhớ lại kiếp trước của mình.Nhưng đạo diễn Apichatpong Weerasethakul không quan tâm đến sự kỳ lạ vì sự kỳ lạ.Tầm nhìn tâm linh dịu dàng của anh ta có căn cứ trong lòng trắc ẩn đối với những người chỉ đi qua cõi phàm trần của chúng ta.Boonmee hoạt động trên một bước sóng cảm xúc bất chấp logic, một người chấp nhận biên giới xốp giữa các thế giới và cuộc sống tái sinh.Chấp nhận bí ẩn và tận hưởng chuyến đi.[Vikram Murthi]

96. Phù dâu (2011)Bridesmaids(2011)

Phim Feig, phù dâu, một tác phẩm kinh điển của hài kịch đương đại, không chỉ chịu đựng được nhờ nhiều tác phẩm thô tục (và đôi khi là khoa học) của nó.Cá heo, chiếc máy bay, Hồi It Fo xuất phát từ tôi như những thứ nham thạch, những ngôi sao vàng xung quanh.Nhưng không, phù dâu vẫn tỏa sáng vì tình bạn sôi động, cảm thấy sâu sắc ở trung tâm của nó.Đó là một sức mạnh được thể hiện tốt nhất bởi một cảnh trong đó Megan (Melissa McCarthy) chỉ là một bức tranh biếm họa trong hầu hết mọi bộ phim khác.người thực sự quan tâm.[Allison Shoemaker]vibrant, deeply felt friendships at its center. It’s a strength best embodied by a scene in which Megan (Melissa McCarthy)—a mere caricature in almost any other movie—tells Annie (Kristen Wiig) to get her shit together by literally biting her in the ass, the supremely weird act of a person who really cares. [Allison Shoemaker]

95. Cameraperson (2016)Cameraperson(2016)

Kirsten Johnson, một nhà quay phim tài liệu kỳ cựu, đã dành sự nghiệp chuyên nghiệp của mình để quay những người khác, những câu chuyện không chỉ chứng kiến sự tàn bạo và tình huống khó xử về đạo đức tạo nên rất nhiều việc làm phim phi hư cấu, mà còn thấy cách cá nhân và chính trị vĩnh viễn.Hồi ký kiểu ghép của cô, Cameraperson, hấp thụ những ý tưởng này và lọc chúng thông qua các cảnh quay không sử dụng từ các dự án cũ, sans bất kỳ giải trình nào ngoài thẻ vị trí.Cuối cùng, một dòng bộ nhớ liên kết xuất hiện, cung cấp một số logic nội bộ cho việc tập hợp các cảnh không liên quan hời hợt.Những gì Johnson hiểu là cuộc sống được định nghĩa bởi niên đại tuyến tính mà là một nhân loại chung liên kết mọi khoảnh khắc trần tục, đẹp đẽ.[Vikram Murthi]

94. Ngựa Turin (2012)The Turin Horse(2012)

Bậc thầy của những ngày tận thế suy yếu bị bắt trong thời gian dài, thường xuyên rực rỡ, Béla Tarr hứa với con ngựa Torino sẽ là tính năng cuối cùng của anh ta, và anh ta vẫn nói tốt.Sau khi thể hiện sự hoang vắng hoàn toàn trong những bức ảnh theo dõi tuyệt đẹp, và giảm cả thế giới thành một trang trại khốn khổ, một người cha và con gái của anh ta, và rất nhiều khoai tây, những gì khác còn lại để thể hiện?Trong hai tiếng rưỡi, Tarr mang tất cả các yếu tố đặc trưng của mình để hoàn thành kết quả, làm nổ tung sự giả vờ trong quá khứ vào một sử thi vi mô.[Vadim Rizov]

93. Creed (2015)Creed (2015)

Sau khi trạm Fruitvale đau lòng và trước khi Black Panther say mê kỷ lục, Ryan Coogler và Michael B. Jordan đã hợp tác trên Creed, ghi lại sự trỗi dậy của một ngôi sao đen.Sự tiếp nối của câu chuyện đá hàng thập kỷ này đã chuyển quan điểm từ võ sĩ Philadelphia sang Jordan, Adonis Creed, được tiêu thụ bởi một mong muốn tuyệt vọng để chứng tỏ mình, đặc biệt là với người đàn ông để cha mình chết.Trình tự xe đạp bụi bẩn của bộ phim, được đặt cho Meek Meek's Lord Knows/Fighting Stronger, là một khoảnh khắc khó quên của Braggadocio, một ngón tay giữa thỏa mãn sâu sắc đến mọi nghi ngờ trên những con đường này, là một trò hề vênh vang và Jordan được đưa vào một nhượng quyền thương mại tái tạo lại.[Roxana Hadadi]Fruitvale Station and before the record-smashing Black Panther, Ryan Coogler and Michael B. Jordan collaborated on Creed, chronicling the rise of a Black star. This continuation of the decades-old Rocky story shifted perspective from the Philadelphia boxer to Jordan’s Adonis Creed, consumed by a desperate desire to prove himself, especially to the man who let his father die. The film’s dirt bike sequence, set to Meek Mill’s “Lord Knows/Fighting Stronger,” is an unforgettable moment of braggadocio—a deeply satisfying middle finger to every doubter in these streets, epitomizing the swagger Coogler and Jordan injected into a re-energized franchise. [Roxana Hadadi]

92. Đá quý chưa cắt (2019)Uncut Gems (2019)

Trong một trong những vai diễn nghiêm túc hiếm hoi của anh ấy, Adam Sandler mang đến những màn trình diễn hài hước nhất trong sự nghiệp điện ảnh của anh ấy, đóng vai một đại lý kim cương New York nghiện đánh bạc.Trong suốt vài ngày, Sandler, người chống anh hùng đã tung hứng nhiều giao dịch thực hiện hoặc phá vỡ và một loạt các cược cấp cao điên rồ, tất cả đều nằm giữa sự hưng phấn và cơn thịnh nộ.Đội ngũ nhà văn của Josh và Benny Safdie (thời gian tốt) đưa người xem vào cuộc sống của cuộc đời anh ta, mang đến trải nghiệm trắng trẻ mà Lừa ngay lập tức rất phấn khích và trong một cách tốt đẹp.[Noel Murray]Good Time) plunge viewers into the bedlam of his life, delivering a white-knuckle experience that’s at once exhilarating and—in a good way—utterly exhausting. [Noel Murray]

91. The Arbor (2011)The Arbor (2011)

Trong số những bộ phim tài liệu phiêu lưu chính thức nhất được thực hiện, The Arbor là một bức chân dung của nhà viết kịch tiếng Anh Andrea Dunbar, người đã chết vì xuất huyết não ở tuổi 29.Tuy nhiên, thay vì chỉ phỏng vấn bạn bè và gia đình của Dunbar trên máy ảnh, đạo diễn Clio Barnard thuê các diễn viên cho Lip-Sync cùng với các cuộc phỏng vấn nói trên, và kết quả là sự bất hòa nhận thức (được tăng cường bởi sự cố tình của Barnard) vang vọng những gì chúng ta thể hiện vềTác phẩm riêng của Dunbar, ngay lập tức tự truyện và nhân tạo cao.[Mike DiênAngelo]

90. Cuộc sống cao (2019)High Life(2019)

Các tù nhân trong Space thực hiện một nhiệm vụ nguy hiểm để khám phá các lỗ đen để đổi lấy câu nói, âm thanh gần gũi với một Netflick bay qua đêm hơn là một cuộc điều tra về tâm trí về tiềm năng và giới hạn của cơ thể con người.Nhưng Claire Denis chắc chắn đã có trong tâm trí của cô ấy khi cô ấy bắt tay vào lần ra mắt bằng tiếng Anh của mình, một bộ phim khoa học viễn tưởng quan tâm đến sự thuần khiết và bản chất của chất lỏng tự nhiên của chúng tôi so với các vùng nhiệt đới truyền thống.Một dàn diễn viên chiết trung, dẫn đầu bởi Astro-Monk Robert Pattinson và nhà khoa học điên Juliette Binoche, thiên nga trong khoảng trống cho mục xuất hiện nhiều nhất trong bộ phim nổi tiếng của Denis, bộ phim tuyệt vời.[Charles Bramesco]

89. Carol (2015)Carol(2015)

Bạn thật là một cô gái kỳ lạ.Lướt khỏi không gian.Cue Mass ngất ngây, khi Cate Blanchett và Rooney Mara lặng lẽ đốt cháy màn hình trong tác phẩm chuyển thể cuồng nhiệt của Todd Haynes, trong cuốn tiểu thuyết Patricia Highsmith tựa năm 1952, The Price of Salt, mà dám mơ về một mối tình lãng mạn của tháng năm.Từ cảnh quay mở đầu, bộ phim trông rất tích cực với sự quyến rũ của trường học ở trường học cũ, nhưng kỳ hạn của nó là hiện đại không nhầm lẫn (không cảm thấy lỗi thời).Nó khác một trong những cuộc tấn công khác của Haynes.[Mike DiênAngelo]

88. Chiến tranh ma túy (2013)Drug War(2013)

Có thể là bộ phim kinh dị tinh gọn nhất của thập kỷ, Johnnie đến Stripped-Down Cartel Movie là một điều kỳ diệu của sự đơn giản được thiết kế hoàn hảo.Được thực hiện dưới sự kiểm duyệt của Trung Quốc, nó đã đưa ra một kẻ buôn bán ma túy tuyệt vọng (Louis Koo) chống lại một đội trưởng cảnh sát tàn nhẫn (Sun Honglei), đẩy ý thức công lý độc thân sau này đến những thái cực đến mức bộ phim có hiệu quả tăng gấp đôi như phê bình nhà nước.Hoàn toàn mang tính giải trí như nó mơ hồ về mặt đạo đức, cảnh sát thủ tục theo thủ tục về phía trước với lực lượng không ngừng, lên đến đỉnh điểm trong một vụ xả súng không có tù nhân cho các thời đại.[Lawrence Garcia]

87. Cuối tuần (2011)Weekend (2011)

Trong tính năng đột phá của mình, Andrew Haigh (45 tuổi, dựa vào Pete) cẩn thận bong ra các lớp thân mật của con người với ân sủng tự nhiên, tập trung vào mối quan hệ ngắn ngủi giữa hai người đàn ông trong suốt vài ngày.Chắc chắn có những sắc thái của các bộ phim khác, như Lost in dịch và gặp gỡ ngắn gọn, trong mối tình lãng mạn vô tư này, trong đó hai người lạ gặp và trò chuyện, nổi lên như những người khác nhau.Nhưng điều tách biệt cuối tuần với phần còn lại của gói là cách nó tung hứng các yếu tố phổ quát này với một cam kết kết cấu đối với sự kỳ dị của trải nghiệm đồng tính vào khoảng năm 2011: Sự xấu hổ, nỗi sợ hãi, sự hài hước, niềm vui, tình dục.[Beatrice Loayza]45 Years, Lean On Pete) carefully peels back layers of human intimacy with naturalistic grace, taking as his focus the short-lived relationship between two men over the course of a couple days. There are certainly shades of other movies, like Lost In Translation and Brief Encounter, in this deceptively uneventful romance, wherein two strangers meet and converse, emerging as different people. But what separates Weekend from the rest of the pack is how it juggles these universal elements with a textured commitment to the singularity of the gay experience circa 2011: the shame, the fear, the humor, the joy, the sex. [Beatrice Loayza]

86. Thành phố Z của Z (2017)The Lost City Of Z(2017)

Một trận đấu ngoạn mục cắt từ một dòng rượu đến một đầu máy đua xe vận chuyển chúng tôi ngay lập tức đến cổ David Lean của khu rừng.Nhưng các bộ phim truyền hình cổ điển của James Gray xây dựng những cây cầu của riêng họ trong lịch sử điện ảnh, liên kết sự quét của một thời kỳ hoàng kim để sử thi với một tâm lý học hiện đại gai góc.Biên niên sử các cuộc thám hiểm hoang dã của một nhà thám hiểm thế kỷ 20 (Charlie Hunnam), người biến mất, theo nghĩa đen và tinh thần, vào cuộc tìm kiếm Quixotic của ông cho một nền văn minh cổ đại, thành phố bị mất của Z xác định nhiều bí ẩn và ý nghĩa trong bụi rậm chưa được khám phá của Amazon.Ngoài ra, trong màu xanh lá cây xanh tươi của nó: một bức chân dung tự sướng về nỗi ám ảnh, loại nó có thể, để cống hiến hết mình cho những opuses đầy tham vọng không thời trang như thế này.[A.A.Dowd]

85. Giờ hạnh phúc (2016)Happy Hour(2016)

Ryūsuke Hamaguchi đã gây tiếng vang tại Cannes năm ngoái với Asako I & II, nhưng bộ phim trước đây của anh, Happy Hour, đã chứng minh rằng anh là một nhà làm phim để xem.Bộ phim kể về một nhóm bốn phụ nữ cuối 30 tuổi ở Nhật Bản có các chuyến đi chơi thân thiện đóng vai trò là người đàn áp cảm xúc từ cuộc sống hàng ngày của họ;Khi một trong số họ tuyên bố kế hoạch ly dị chồng của cô, nó sẽ đưa ba người còn lại vào trạng thái xáo trộn hiện sinh.Trong năm giờ, Hamaguchi quan sát sâu sắc cách mọi người thất bại trong việc giao tiếp công khai trong các lĩnh vực trong nước và chuyên nghiệp, và chúng ta cần phải vượt qua trở ngại đó như thế nào.[Vikram Murthi]Asako I & II, but his previous film, Happy Hour, proved he was a filmmaker to watch. The film follows a group of four late-30s women in Japan whose friendly group outings serve as emotional reprieves from their daily lives; when one of them announces her plans to divorce her husband, it sends the remaining three into respective states of existential disarray. Across five hours, Hamaguchi acutely observes how people fail to openly communicate in domestic and professional spheres—and how urgently we need to overcome that obstacle. [Vikram Murthi]

84. Tangerine (2015)Tangerine (2015)

Xin lỗi Bad Santa 2, đây là bộ phim Giáng sinh hay nhất thập kỷ.Được quay trên ba chiếc iPhone, Sean Baker, Yuletide Comedy tập trung vào Sin-Dee Rella (Kitana Kiki Rodriguez), một người bán giới tính chuyển giới, phát hiện ra trong những khoảnh khắc mở đầu của Tangerine, bạn trai của cô (James Ransone) đã lừa dối cô.Từ đó, cả bộ phim và người bạn Sin-Dee, Alexandra (Mya Taylor), đấu tranh để theo kịp với cô như những giọt nước mắt tội lỗi ra khỏi thời gian bánh rán và qua Los Angeles như một cơn bão cao gót.Được neo bởi những màn trình diễn mẫu mực, nó rất khàn khàn, khó thở và gần như không thể chịu đựng được, đến một kết thúc chạm đủ để làm ấm bất kỳ trái tim nào của Scrooge, ngay cả khi Laundromat Fluorescents don Twinkle hoàn toàn giống như ánh sáng trên cây.[Allison Shoemaker]

83. Gone Girl (2014)Gone Girl(2014)

Bộ phim kinh dị của David Fincher, về động lực sức mạnh của các mối quan hệ nhỏ giọt hài hước màu đen vào các vũng máu.Được chuyển thể bởi Chung Hân Đồng Flynn từ cuốn tiểu thuyết cùng tên của cô, Gone Girl đã phá hủy từ bí ẩn hôn nhân Pinteresque thành bột giấy vô lý.Nhưng Joyride, đầy những khúc quanh và lượt, diễn ra suôn sẻ với sự cảm ứng chính thức của Fincher, điều này mang đến một giai điệu được đánh bóng, gần như ngấm ngầm cho các sự kiện tầm thường và vô lý (nhưng không ai vô lý như là tưởng tượng của một cuộc hôn nhân hạnh phúc!).Và chúng ta đừng quên Rosamund Pike, người có màn trình diễn chính khi Amy Dunne truyền đạt một cách truyền đạt một người phụ nữ đa năng với cơn thịnh nộ.[Beatrice Loayza]

82. Bạn chưa bao giờ thực sự ở đây (2018)You Were Never Really Here (2018)

Một năm trước Joker, Joaquin Phoenix về cơ bản đóng vai chính là một linh hồn bị tra tấn, người thực hiện các hành vi bạo lực kịch tính trong một thể loại arty khác bị ảnh hưởng rõ ràng bởi tài xế taxi.Nhà văn-đạo diễn Lynne Ramsay mang đến niềm đam mê độc đáo của cô với kết cấu hình ảnh tuyệt đẹp và tính chủ quan cực độ cho sự chuyển thể của tiểu thuyết Jonathan Ames.Kết quả là một phim kinh dị trả thù mạnh mẽ và cá nhân, về một kẻ giết người hợp đồng bị ảnh hưởng bởi PTSD, người đã bắn một anh hùng, nếu chỉ đẩy những con quỷ ra khỏi đầu.[Noel Murray]Joker, Joaquin Phoenix essentially played the same character—a tortured soul who commits dramatic acts of violence—in another arty genre piece clearly influenced by Taxi Driver. Writer-director Lynne Ramsay brings her unique fascination with bleary visual textures and extreme subjectivity to this adaptation of Jonathan Ames’ novel. The result is a powerful and personal revenge thriller, about a PTSD-affected contract killer who takes a shot at being a hero, if only to drive the demons out of his head. [Noel Murray]

81. Máy phá vỡ mùa xuân (2013)Spring Breakers (2013)

Mùa xuân Breeeeeak.Những lời nói nhảm nhí này thôi miên các nữ anh hùng của Harmony Korine, Neon Florida Crime Odyssey.James Franco, Alien, một tay xã hội đen của Wannabe, người khoe khoang về tất cả những thứ tồi tệ của tôi, Candy Gleely Corrupts Candy (Vanessa Hudgens), Brit (Ashley Benson), Cotty (Rachel Korine) và Faith (Selena Gomez).Nhưng Spring Breakers không phải là câu chuyện của anh ấy.Trọng tâm là sự quyến rũ của chủ nghĩa hư vô và nhận ra rằng không có nhiều vấn đề ngoài việc nóng bỏng, vui vẻ và trẻ.Bộ phim tự nhận thức là sức mạnh của nó, và những người ký tên ngàn năm của nó là DTF Sweatpants, Britney Spears trong MỌI NGƯỜI MỌI THỜI GIAN.[Roxana Hadadi]

80. Di truyền (2018)Hereditary (2018)

Bên cạnh có thể bộ phim ngồi ở vị trí thứ 35 dưới đây, Ari Aster đáng sợ trong bộ phim Haunted House có thể là buổi ra mắt kinh dị tốt nhất trong thập kỷ này: Nó đã làm rung chuyển Sundance vào cốt lõi của nó và đưa đạo diễn của nó lên radar của mọi người từ Bong Joon Hođến Martin Scorsese.Chứng minh rằng các kỹ thuật của Hitchcock, vẫn có sức mạnh gây sốc, ngay cả khi ngôn ngữ hình ảnh cụ thể của bộ phim đã bắt đầu sinh ra những kẻ bắt chước của chính nó, di truyền rút ra sức mạnh ma quái của nó từ chấn thương cảm xúc sâu sắc thay vì sợ nhảy giá rẻ.Bạn có thể hy vọng Aster có một nhà trị liệu giỏi, có thể là lời khen cao nhất mà bạn có thể trả một bậc thầy vừa chớm nở của thể loại này.[Katie Rife]

79. Địa ngục hoặc Nước cao (2016)Hell Or High Water (2016)

Nhà biên kịch Taylor Sheridan, bộ ba phương Tây, được Sicario và bên kia của Wind River, đã khám phá cách quản lý chính phủ và tham nhũng tư bản chính phủ nghiền nát mọi người.Nó là bộ phim ở giữa, địa ngục đầy thơ hoặc nước cao, đánh mạnh nhất.Ben Foster và Chris Pine chơi mũ trùm đầu sau suy thoái, chuyển sang ngân hàng cướp khỏi sự bực tức với việc có những người khác tay trong túi của họ;Sự phản đối của họ xuất hiện dưới hình thức Jeff Bridges khi Texas Ranger gầm gừ trong cuộc truy đuổi nóng bỏng.Nó là một thanh lịch căng thẳng cho một lối sống bị mất, một người từ chối giữ bất kỳ khía cạnh rắc rối nào của xã hội Mỹ hiện đại, từ việc chúng ta tôn sùng súng đến lớp nông nghiệp đang sụp đổ của chúng ta.[Roxana Hadadi]Sicario and on the other by Wind River, explored how government mismanagement and capitalist corruption grind people into dust. It’s the film in the middle, the grittily poetic Hell Or High Water, that hits hardest. Ben Foster and Chris Pine play post-recession Robin Hoods, turning to bank robbing out of exasperation with having other people’s hands in their pockets; their opposition comes in the form of Jeff Bridges as the grizzled Texas Ranger in hot pursuit. It’s a tense elegy for a lost way of life, one that refuses to keep any troublesome facet of modern American society—from our fetishization of guns to our collapsing agriculture class—out of its crosshairs. [Roxana Hadadi]

78. Shoplifters (2018)Shoplifters (2018)

Một bộ phim mở đầu với một người cha và con trai ăn cắp thức ăn từ một cửa hàng tạp hóa có vẻ như đó phải là sự khiêu dâm khốn khổ thực tế, nhưng Kore-eda Hirokazu's Palme d'Orning Shoplifters, nhưng đặc biệt là những người được chọn.Sự ngọt ngào của đơn vị tạm thời được dán cùng nhau bởi sự chống thành lập Obaachan Kirin Kiki được thúc đẩy bởi tình yêu của Kore-eda, đối với các nhân vật của mình, ngay cả khi hành động của họ là tội phạm không thể tin được.Những gì mà một vụ bắt cóc một chút trong gia đình?[Katie Rife]

77. Paddington 2 (2018)Paddington 2(2018)

Nếu chúng ta tốt bụng và lịch sự, thế giới sẽ đúng.Phương châm đơn giản của một con gấu yêu mác từ Darkest Peru trở thành những từ để sống trong nửa ngày càng hỗn loạn của những năm 2010.Phần tiếp theo của Paul King, với Paddington thú vị không kém của mình duy trì giai điệu đầy mê hoặc và hài kịch thể chất thông minh của bản gốc trong khi thêm vào một màn trình diễn hay nhất trong sự nghiệp từ Hugh Grant trong vai kẻ xấu Phoenix Buchanan.Với một thông điệp ủng hộ người nhập cư, ủng hộ nhà tù để khởi động, Paddington 2 chứng minh rằng các bộ phim dành cho trẻ em don lồng phải nói chuyện với họ hoặc những người lớn đang xem.[Caroline Siede]Paddington maintains the enchanting tone and clever physical comedy of the original while adding in a career-best performance from Hugh Grant as villainous thespian Phoenix Buchanan. With a pro-immigrant, pro-prison-reform message to boot, Paddington 2 proves that movies for kids don’t have to talk down to them—or the adults watching either. [Caroline Siede]

76. Zero Dark Thirty (2012)

Kathryn Bigelow’s ambivalent account of the hunt for Osama bin Laden remains the definitive film about the war on terror, an information-age procedural about means, ends, and corrosion. Depicting the world of post-9/11 intelligence (seen mostly through the eyes of a composite character played by Jessica Chastain) and the eventual raid on bin Laden’s compound, Zero Dark Thirty was decried by some at the time as pro-torture propaganda. But it remains as gripping as its conclusions are grim; the film opens with a powerful evocation of national tragedy and ends on a note of profound emptiness. [Ignatiy Vishnevetsky]

75. Mudbound (2017)

Recalling both John Steinbeck’s East Of Eden and Toni Morrison’s Beloved, this lyrical adaptation of Hillary Jordan’s novel tracks two families—one Black and one white—united by a plot of land in Mississippi after World War II. Each family deployed a son, and those traumatized veterans, played by Garrett Hedlund and Jason Mitchell, can only stand to be around each other, attracting unwanted attention from the racist townspeople. The film’s gorgeous cinematography pairs well with poignant social questions, but writer-director Dee Rees’ true triumph is a stark ending that pointedly, hauntingly rejects the notion of American racial harmony. [Roxana Hadadi]

74. Minding The Gap(2018)

Bing Liu’s debut film walks through the door as a documentary about skater kids in economically depressed (and generally depressing) Rockford, Illinois, but slowly reveals itself as an empathetic portrait of a created family. The young men at its center—including Liu—have more in common than geography and kick-flips: They’re reckoning with their escapes from parental abuse, and trying with varying degrees of success not to fall victim to the cycle. Shot over a dozen years, Minding The Gap feels like both a beautiful accident and a small miracle of editing. [Josh Modell]

73. Stranger By The Lake (2014)

Iconoclastic director Alain Guiraudie achieved greater recognition with this impressively controlled thriller (his first film to get U.S. distribution), set in a secluded gay cruising spot in the French countryside. Incorporating rigorously composed landscape shots, casual male nudity, and explicit sex, the film follows a handsome cruiser (Pierre Deladonchamps) who becomes drawn to a hunky, mustachioed cipher (Christophe Paou), even after watching him drown another man. By withholding visual cues that might help us understand this behavior, Guiraudie transforms a gripping tale of lust and death into a kind of epistemological inquiry, recalling no less than Michelangelo Antonioni’s masterpiece Blow-Up. [Lawrence Garcia]

72. Computer Chess(2013)

A near-total break with the mumblecore genre he pionereed, Andrew Bujalski’s Computer Chess grounds itself in an early ’80s conference for fans of the eponymous pastime. Shot, disorientingly, on a vintage Sony camera that gives the movie a grungy but unfamiliar video vibe, the film starts as a comedy about weirdos hanging out but quickly mutates into something much stranger. Are the computers becoming sentient? Are they giving birth? The possibilities are endless, and the laughs are numerous. [Vadim Rizov]

71. Mustang (2015)

A cluster of five sisters is chiseled down to one in Deniz Gamze Ergüven’s Mustang, an aching familial drama that couches its complex coming-of-age narrative in the strict gender oppression of Turkey. But though this suffocating milieu helps shape the narrative, it doesn’t dictate it—no one sister’s journey is the same as the last, with each trying (and sometimes failing) to bend a culture to their own desires. As their bonds dissolve, as they eventually must, Mustang argues that it was their collectivity that helped prepare them for individuality. [Randall Colburn]

70. Tabu (2012)

Taking its title from the 1931 F.W. Murnau classic of the same name, Miguel Gomes’ Tabu unfolds across two distinct chapters but contains even greater multitudes: It’s at once a tragic story of a failed romance, a gorgeous exhumation of silent-film grammar, a reckoning with Portugal’s colonial legacy, and a moving meditation on both personal and cultural memory. Immaculately photographed on 35mm, the film merges the anarchic storytelling pleasures of Guy Maddin with the evocative lost worlds of Raúl Ruiz, offering puckish humor alongside a genuine sense of wonder. [Lawrence Garcia]

69. The Witch (2016) 

Writer-director Robert Eggers views his films through the lens of folklore. And the Jungian possibilities of such an approach are evident in the array of reactions to his debut feature, The Witch, which has been interpreted as everything from a manifesto of satanic feminist liberation to a regressive validation of historical persecution. Contrasting with the Rorschach effect of the story itself is the gorgeously textured specificity of the film’s period production design, in which Eggers and his team recreated a 17th-century homestead and shot it by candlelight. That’s one way to live deliciously. [Katie Rife]

68. Mật ong Mỹ & NBSP; (2016)American Honey (2016)

Trong suốt 162 phút, giám đốc người Anh Andrea Arnold mang đến một nét trữ tình cho mối quan tâm nhân chủng học của cô trong các phi hành đoàn của người Mỹ Mag Mag, nhóm của những thanh thiếu niên đi du lịch trên đất nước bán đăng ký tạp chí để đổi lấy phòng và bảng và cảm giác tự do.Được neo bởi màn trình diễn không sợ hãi, đồng cảm của người mới Sasha Lane và một bước ngoặt hỗ trợ mê hoặc từ Shia Labeouf, American Honey làm sáng tỏ một góc tuyệt vọng, xù xì, không được khám phá của cuộc sống Mỹ.[Caroline Siede]

67. 12 năm một nô lệ (2013)12 Years A Slave (2013)

Quá nhiều nhà làm phim nao núng khi giải quyết các chủ đề nghiêm túc như nô lệ hoặc diệt chủng.Nhưng với 12 năm, một nô lệ, đạo diễn Steve McQueen và nhà biên kịch John Ridley đã tạo ra một bộ phim truyền hình đầy cảm xúc, hấp dẫn, được dàn dựng và quay với sự hoang mang thực sự.Dựa trên câu chuyện có thật về nhạc sĩ da đen có học thức Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor)Thạc sĩ đôi khi phải trả giá bằng đạo đức và sự đồng cảm.[Noel Murray]

66. Bất khả kháng (2014)Force Majeure (2014)

Rất ít bộ phim dám lội xuống sâu vào các hốc đầm lầy của tâm lý con người như bất khả kháng.Mông của nhà văn-đạo diễn Ruben Ruben Östlund của trò đùa không thương tiếc là sự nam tính độc hại, đặc biệt là sự sụp đổ nhanh chóng của bản ngã nam dưới dạng Tomas (Johannes Kuhnke), một người đàn ông Thụy Điển có hình ảnh bản thân (và hôn nhân)Khoảnh khắc tự bảo quản tại một khu nghỉ mát trượt tuyết ở Pháp.Được thúc đẩy bởi sự tàn bạo tình cảm rõ ràng trong tĩnh mạch Michael Haneke, nó là một sự châm biếm cắn và một bộ phim kinh dị hiện sinh được bọc thành một.[Katie Rife]

65. Ngay bây giờ, sai sau đó & nbsp; (2016)Right Now, Wrong Then (2016)

Trong số 14 tính năng (!) Nhà văn-đạo diễn Hong Sang-soo đã thực hiện thập kỷ này, tính năng này là gần nhất anh ấy đã đến với một bước đột phá với khán giả.Chi tiết một tập hợp các cuộc gặp gỡ lãng mạn vụng về giữa một đạo diễn nổi tiếng (Jeong Jae-yeong) và một họa sĩ vừa chớmVô số các biến thể nhỏ và một kết quả hoàn toàn khác nhau.Mặc dù không có quy mô, ngay bây giờ, sai sau đó thể hiện khả năng quan sát xã hội vui nhộn của Hong, (thường tập trung vào đồ uống nhiều và hành vi nam giới vô dụng) vào một cái gì đó tiếp cận cuộc điều tra triết học.[Lawrence Garcia]

64. Spider-Man: Into the Spiderverse (2018)Spider-Man: Into The Spiderverse(2018)

Một bộ phim siêu anh hùng thật tuyệt vời và sáng tạo, thậm chí Martin Scorsese có thể gọi nó là Rạp chiếu phim.Đang vào cuối một thập kỷ bị chi phối bởi Avengers, vụ nổ truyện tranh giành được giải trí này (nhấn mạnh vào truyện tranh, nhờ vào sự tiếp xúc của Chúa tể đặc trưngvũ trụ.Nhưng cũng có sự sâu sắc chân thành, trong câu chuyện gốc, nó quay cho những người thiếu niên Miles Morales, được thực hiện dưới cánh (web?) Của một Peter Parker vượt trội.Hình ảnh, trong khi đó, ghi lại một cách rực rỡ sự lộng lẫy, đầy màu sắc của vật liệu nguồn, khiến người ta tự hỏi tại sao nhiều hơn các bộ điều chỉnh trên màn hình này đã đi theo con đường hoạt hình.[A.A.Dowd]

63. Lớp tám (2018)Eighth Grade (2018)

Làm thế nào để Bo Burnham biết rất nhiều về việc trở thành một bé gái 13 tuổi?Nhà văn-comedian, bảo đảm ra mắt đạo diễn hiểu được nhân vật chính của nó, được chơi bởi một Elsie Fisher mặc khải, ở cấp độ gần như di động.Được thúc đẩy bởi sự bất an và bị cuốn hút bởi điện thoại thông minh của mình, Fisher, Kayla dành thời gian rảnh rỗi của mình trong vỏ bọc của một người mà cô ấy muốn trở thành một cô gái với sự tự tin vô tận và một câu khẩu hiệu đặc trưng (Hồi Gucci!Cô gái đó không tồn tại, mặc dù.Rất may, Kayla thực sự, thấm nhuần bởi Fisher và Burnham với lỗ hổng không đáy và sự quyến rũ kỳ quặc, hấp dẫn gấp ngàn lần.Và cô ấy, người thực sự ngồi ở trung tâm của bộ phim hài sắp đến tuổi này, một tấm thảm phong phú của sự đồng cảm, lo lắng và thế chấp.[Allison Shoemaker]

62. Hành tinh cô đơn nhất (2012)The Loneliest Planet(2012)

Blink và bạn có thể bỏ lỡ sự cố kích động của bộ phim truyền hình mối quan hệ tàn khốc của Julia Loktev, về hai người yêu trẻ tuổi (Hani Furstenberg và Gael García Bernal), người đi du lịch ba lô qua châu Âu đánh vào các ván trượt khi một trong số họ bị thất bại.Đó là một sự xuất hiện ngắn gọn nhưng tan vỡ, gửi một cuộc phá vỡ trung tâm của sự lãng mạn bình dị mà chúng tôi đã quan sát, và tự chia bộ phim thành hai phần riêng biệt: A trước và sau, mỗi màu được tô màu bởi những cảm xúc hoàn toàn khác nhauđể làm cong vênh chính phong cảnh xung quanh hai.Âm thanh trừu tượng?Đối với bất cứ ai, những người mà đột nhiên phải đối mặt với thực tế khắc nghiệt, không biết gì về họ là ai hoặc họ coi trọng những gì, nó sẽ cảm thấy đá rắn như Kavkaz.[A.A.Dowd]

61. Inside Out & NBSP; (2015)Inside Out (2015)

Đây không phải là một thập kỷ sterling cho phòng hoạt hình được kính trọng nhất của Mỹ, khi Pixar tăng sản lượng của nó (11 bộ phim trong 10 năm!) Và sứt mẻ danh tiếng về tính nguyên bản của nó (chỉ có bốn bộ phim không theo trình tự).Nhưng Inside Out đã chứng minh rằng công ty vẫn có thể triệu tập sự sáng tạo phấn khích của mình, ở đây sử dụng nó để hình dung bộ não của một bé gái 11 tuổi, như Joy (Amy Poehler), Sadness (Phyllis Smith) và những cảm xúc khác vật lộn với đứa trẻ của đứa trẻtrạng thái tinh thần.Bằng cách báo trước sự không thể tránh khỏi và sự cần thiết của nỗi buồn, Inside Out trở thành bộ phim trẻ em hiếm hoi cảm thấy như nó có thể tạo ra sự khác biệt thực sự trong cuộc sống của khán giả.[Jesse Hassenger]

60. Yêu thích (2018)The Favourite (2018)

Thật là ngớ ngẩn khi mong đợi một bộ phim truyền hình thời kỳ thẳng thắn từ đạo diễn tôm hùm và giết một con nai linh thiêng, và trong khi Yorgos Lanthimos thích một số bẫy của thể loạiYêu thích.Cung điện hấp dẫn, tập trung vào một tam giác tình yêu chống lưng giữa Rachel Weisz, Emma Stone và nữ diễn viên giỏi nhất Olivia Colman, được thể hiện bằng các góc rộng và ống kính cá, tất cả đều tốt hơn để làm cho bộ phim hài đen crackerjack đồng thời điên cuồng hơn.[Josh Modell]The Killing Of A Sacred Deer, and while Yorgos Lanthimos enjoys some of the genre’s trappings—gorgeous costumes and highbrow accents—he adds some modern touches to The Favourite. The palace intrigue—centered on a backstabbing love triangle among Rachel Weisz, Emma Stone, and the Best Actress-winning Olivia Colman—is rendered with wide angles and fisheye lenses, all the better to make the crackerjack black comedy simultaneously more frantic and claustrophobic. [Josh Modell]

59. Hỗ trợ các cô gái (2018)Support The Girls(2018)

Sau một nhóm phụ nữ thuộc tầng lớp lao động vào một ngày không có trung bình tại nhà hàng giống như nhà hàng giống như Hooters, Andrew Bujalski, hỗ trợ các cô gái hiểu một cách mật thiết khi nơi làm việc có hiệu quả để thúc đẩy nhân loại ủng hộ hiệu quả.Tuy nhiên, người quản lý Lisa Conroy (Regina Hall) làm hết sức mình để thấm nhuần sự hào phóng vào sự quyết liệt bằng cách nâng cao các đồng nghiệp của mình với chi phí an ninh công việc của cô.Cách tiếp cận thực tế của Bujalski, đối với loại chủ nghĩa anh hùng trần tục này khắc phục không gian để trao quyền mà không có Bromides tiến bộ rẻ tiền.Các tổ chức đã giành chiến thắng để cứu bạn, nhưng nếu bạn may mắn, những người trong đó sẽ có lưng của bạn.[Vikram Murthi]

58. Một câu chuyện ma (2017)A Ghost Story (2017)

Nghe có vẻ như là một cuộc bán hàng khó khăn: một câu chuyện cổ tích có nhịp độ có chủ ý, trong đó ngôi sao (Casey Affleck) hầu hết im lặng và ăn mặc như một con ma bị Halloween từ đậu phộng.Nhưng nhà văn-đạo diễn David Lowery thò kim hoàn hảo với một câu chuyện ma, cẩn thận di chuyển sự xuất hiện trên giường của anh ta qua thời gian và một ngôi nhà cô đơn với độ chính xác và sâu sắc.Mặc dù có một số ám ảnh nhẹ nhàng, bộ phim không đáng sợ theo bất kỳ cách thông thường nào, mặc dù nó có thể gây ra một số khủng bố hiện sinh ở bất kỳ ai sống trong những câu hỏi lớn hơn về đau buồn, tình yêu, di sản và thời gian trôi qua.[Josh Modell]

57. Ổ đĩa (2011)Drive(2011)

Nicolas Winding Refn là một chiến binh, không phải là người yêu.Nhưng ít nhất một lần, đạo diễn người Đan Mạch đã phân chia sự khác biệt, tạo ra một loại pastiche thể loại tuyệt vời với một trái tim được điều chỉnh cho đài phát thanh FM.Là một bộ phim hành động, Drive rất tàn nhẫn và hiệu quả, tăng tốc từ những người đi bộ chặt chẽ đến các cuộc cãi lộn thang máy đầu đến mối đe dọa bất ngờ của Albert Brooks với một chiếc dao cạo thẳng.Tuy nhiên, nó cũng thích một câu chuyện tình yêu không được đáp ứng, hoàn toàn chọn Ryan Gosling như một mật mã thành thị-samurai với một cơn bão cảm xúc đang phát triển đằng sau con trai của anh ấy và một trong những bản nhạc phim tuyệt vời của thập kỷ của anh ấy.Bạn có thể nhăn nhó và ngất ngây, có lẽ là sự pha trộn chính xác của các phản ứng mà Refn mong muốn.[A.A.Dowd]

56. Inception & NBSP; (2010)Inception (2010)

Chỉ cần tưởng tượng việc có thể bước vào tiềm thức của một người khác và chạy xung quanh trong những giấc mơ điên rồ nhất của họ.Thủ thuật phản trực giác nhưng khéo léo trên nhãn hiệu mà Christopher Nolan thực hiện với bộ phim trộm cắp độc đáo của mình là những người thực hiện những trò chơi don don trong mơ muốn chạy qua những giấc mơ siêu thực, bất cứ thứ gì có thể bị cản trở.Thay vào đó, giống như rất nhiều nhân vật chính của Nolan, họ đã đấu tranh để kiểm soát, ngay cả khi họ phải uốn cong các tòa nhà và bầu trời để có được nó, tạo ra một sự căng thẳng kéo dài đến đó để biến thành topspin một cách mơ hồ.Có một kỳ tích khác về trí tưởng tượng ở đây: Hình ảnh Hollywood sẽ trông như thế nào nếu nhiều bộ phim bom tấn thông minh, đẩy và tham vọng như bắt đầu.[Jesse Hassenger]

55. Mùi của cô ấy (2019)Her Smell (2019)

Nó không có sự trùng hợp ngẫu nhiên rằng Becky một cái gì đó (Elisabeth Moss) rình rập các hội trường của một câu lạc bộ punk trong một chiếc áo phông của Opera.Cô ấy cũng vậy, là một lực lượng hỗn loạn, một nhân vật của các chìa khóa cơ quan lôi cuốn ác ý trong tầng hầm, đặt ra ngay cả những người mà cô ấy đẩy lùi.Sự hợp tác tốt nhất (cho đến nay) của sự hợp tác của Moss, với nhà văn-đạo diễn Alex Ross Perry, mùi của cô ấy không quan tâm đến sự quyến rũ của Rock-aunn Roll Roll, đưa bạn vào quỹ đạo của một người nghiện lạm dụng.Moss là một điều kỳ diệu, bộ phim hoàn toàn trong thrall của cô;Khi cả hai cuối cùng cũng đến tĩnh lặng, nó đánh như một cú đá sau đầu gối.[Allison Shoemaker]

54. La La Land & NBSP; (2016)La La Land (2016)

Bossed by Wity Direction, một điểm số đáng kinh ngạc, và hóa học màn hình của các ngôi sao Emma Stone và Ryan Gosling, Damien Chazelle, lòng tôn kính đối với những câu chuyện tình yêu ca khúc và điệu nhảy kiểu cũ là một vở nhạc kịch hào hứng về sự bất hạnh;Gần như mỗi một trong những chuyến bay nổi bật của nó được ưa thích đều được đưa ra một khoảnh khắc lo lắng, thất vọng hoặc thất vọng.Lấy bối cảnh một phiên bản lãng mạn của Los Angeles, bộ phim có nhiều điểm chung với Whiplash & NBSP; và Người đàn ông đầu tiên, Chazelle, chân dung trước đó của những người đàn ông chống đối xã hội, bị điều khiển một cách ám ảnh, hơn là bẫy màu của nó có thể ngụ ý.La La Land xây dựng cho một trận chung kết buồn vui cho thấy rằng ngay cả trong một thế giới của những giấc mơ, chúng tôi vẫn tự hỏi liệu mọi thứ có thể trở nên tốt hơn không.[Ignatiy Vishnevetsky]Whiplash and First Man, Chazelle’s earlier portraits of antisocial, obsessively driven men, than its Technicolor trappings might imply. La La Land builds to a bittersweet finale that suggests that even in a world of dreams, we’d still be wondering if things could have turned out better. [Ignatiy Vishnevetsky]

53. & nbsp; tôm hùm (2016)The Lobster(2016)

Công việc của Yorgos Lanthimos, nổi bật không chỉ vì những hiểu biết của anh ta về tình trạng của con người mà vì dường như anh ta đã xây dựng chúng từ bên ngoài loài người, giống như một người ngoài hành tinh mới đến.Một Hal Hartley thế kỷ 21, nhà văn-đạo diễn triển khai phong cách chết chóc đặc trưng của mình thành hiệu ứng truyện tranh tuyệt vời trong tôm hùm, một sự tái hiện của xã hội trong đó những người độc thân có 45 ngày để tìm một đối tác lãng mạn hoặc bị biến thành một con vật mà họ chọn.Lanthimos tìm thấy những mục tiêu châm biếm rất nhiều, nhưng xác định một cái gì đó sâu sắc hơn trong sự tập trung cuối cùng của anh ta vào hai người cố gắng yêu nhau trong trường hợp không có bất kỳ sự hỗ trợ hoặc ảnh hưởng bên ngoài nào.[Alex McLevy]

52. ký sinh trùng (2019)Parasite (2019)

Kính giải trí đầy rẫy và châm biếm độc ác, ký sinh trùng uốn cong thể loại Bong Joon Ho, có vẻ bề ngoài về một gia đình của những kẻ săn lùng thông minh, người đã đi vào gia đình của một gia đình giàu có, ngây thơ.Nhưng ngay khi Bong đã móc nối khán giả trên chiếc caper có tinh thần cao và thường vui nhộn này, anh ta ném vào một bước ngoặt lớn, và sau đó là một người khác, và sau đó là một người khác.Cuối cùng, anh ấy đã sản xuất một bộ phim xã hội dày đặc, có rất nhiều điều để nói về sự phân chia giai cấp đương đại, và làm như vậy với một brio hiếm.[Noel Murray]

51. HER & NBSP; (2013)Her (2013)

Ai cần Joaquin Phoenix để trưng bày trong trang điểm chú hề khi anh ta đóng gói hoàn hảo sự cô đơn trong mối tình lãng mạn khoa học viễn tưởng này từ Spike Jonze?Câu chuyện gần trong tương lai của một anh chàng buồn (Phoenix), người bước vào mối quan hệ lãng mạn với hệ điều hành máy tính của anh ta (thể hiện rõ ràng, cơ thể sans, bởi Scarlett Johansson) sẽ trông thật đáng sợ hơn khi công nghệ thực tế đe dọa sẽ bắt kịp nó.Nhưng trong khi cô ấy có những khoảnh khắc hài hước, Jonze coi trọng tài liệu của mình không phải là một câu chuyện cảnh báo hay một bản cáo trạng của quyền lợi của nam giới, mà là một câu chuyện quan hệ nhạy cảm, cởi mở về một đối tác phát triển vượt xa người khác.[Jesse Hassenger]

50. Amour (2012)Amour(2012)

Bất cứ ai quen thuộc với công việc trừng phạt của Michael Haneke đều phải rùng mình khi nghe anh ấy làm một bộ phim có tên là Amour.Rốt cuộc, người khiêu khích người Áo đã đặt tên là hành động tàn nhẫn nhất của anh ta về sự đối nghịch với các trò chơi hài hước và để trích dẫn Nelson Muntz, chúng ta có thể nghĩ về ít nhất hai điều sai trái với tiêu đề đó.Vì vậy, điều thực sự gây sốc về người chiến thắng Oscar không chắc chắn này là danh hiệu của nó là hoàn toàn chân thành.Theo dõi sự suy giảm thể chất/tinh thần chậm chạp nhưng ổn định của một giáo viên âm nhạc cao tuổi (huyền thoại màn ảnh Pháp Emmanuelle Riva) sau khi cô bị đột quỵ, đây có thể là bộ phim thực tế nhất từng được thực hiện về sự phẫn nộ của tuổi già.Tuy nhiên, khi chứng kiến sự chăm sóc và tận tụy không mệt mỏi của người phụ nữ chồng (người đồng nghiệp, cựu chiến binh Jean-Louis Trintignant), Haneke cũng đạt được một biểu hiện của tình yêu ở mức độ thuần khiết và vị tha nhất.Amour hoàn toàn phi thường về chủ đề chết, điều này làm cho sự lãng mạn bất diệt ở trung tâm của nó trở nên mạnh mẽ hơn.[A.A.Dowd]

49. Gọi cho tôi theo tên của bạn & nbsp; (2017)Call Me By Your Name (2017)

Trong khi thuật ngữ thời kỳ lãng mạn thời gian có thể không gợi lên ngay lập tức những năm 1980, Luca Guadagnino, gọi tôi là tên của bạn đủ trữ tình để cạnh tranh với bất kỳ câu chuyện tình yêu thế kỷ 19 vĩ đại nào..của khao khát không được nói ra, các phần bằng nhau trí tuệ và thể chất.Tuy nhiên, các bậc thầy của bộ phim là cách nó đưa chúng ta vào một cách thức dậy khốc liệt của sự thức tỉnh khiêu dâm của Elio, chỉ để thu nhỏ với một đoạn độc thoại từ cha anh ta-Món quà của tình yêu thực sự vô điều kiện.[Caroline Siede]

48. Paterson & NBSP; (2016)Paterson (2016)

Jim Jarmusch sườn đánh bại quá trình sáng tạo và những thú vui của cuộc sống hàng ngày, với sự tham gia của Adam Driver với tư cách là một tài xế xe buýt New Jersey, người viết thơ ở bên cạnh, có thể là bộ phim khôn ngoan nhất mà Vua của Hip Deadpan đã từng làm;Nó chia sẻ sự tò mò và đánh giá cao của anh hùng thuộc tầng lớp lao động đối với thế giới xung quanh và con mắt của anh ấy về ý nghĩa và vần điệu.Hơn thế nữa, nó cung cấp, trong mối quan hệ giữa Paterson và bạn gái của anh ấy, Laura (Golshifteh Farahani), một câu chuyện tình yêu thực tế về các nghệ sĩ sống chung với những tính cách ngược lại.Những câu chuyện về xung đột, đau lòng và hỗn loạn luôn thống trị các danh sách như thế này, nhưng Paterson là bộ phim tuyệt vời hiếm hoi về hạnh phúc.Cho dù trong tình yêu hay trong nghệ thuật, Jarmusch gợi ý rằng tất cả đều thuộc về sự kiên nhẫn.[Ignatiy Vishnevetsky]

47. Nó theo sau (2015)It Follows(2015)

Độ sâu của lĩnh vực là mối đe dọa thực sự của nó theo sau.Đừng nhầm lẫn, bộ phim kinh dị Carpenteresque của David Robert Mitchell, tự hào có một con quái vật khá đáng sợ: một bóng ma thay đổi hình dạng một cách đơn giản sau một nhóm thanh thiếu niên, đuổi theo chúng trên khắp bang Michigan như một tên lửa siêu nhiên.Nhưng lực lượng xấu xa này sẽ không một nửa trong tay của một thợ thủ công ít thành đạt hơn.Mitchell, đặt một vòng quay nham hiểm vào sự đăm chiêu cuối mùa hè đã xác định huyền thoại trước đây của anh ta về giấc ngủ Mỹ, chơi đồng phạm với bogeyman của mình bằng cách vũ khí hóa không gian mà nó chiếm giữ hoặc không.Tại một thời điểm nhất định, nền tảng của mọi cảnh quay và khu vực không nhìn thấy chỉ ngoài mọi dòng khung hình trở thành một khu vực nguy hiểm, một nguồn lo lắng mới.Bởi vì lời nguyền lan truyền qua tình dục, nó theo sau đã bị hiểu lầm như một câu chuyện ngụ ngôn STD.Nhưng đó là một cách giải thích theo nghĩa đen của một bộ phim kinh dị làm cho chính mình trở thành kẻ thù, sự sợ hãi được tăng cường bởi cảnh tượng đơn giản của một thứ gì đó, của bất cứ điều gì, xuất hiện trên đường chân trời xa xôi.[A.A.Dowd]Myth Of The American Sleepover, plays accomplice to his bogeyman by weaponizing the space it occupies or doesn’t. At a certain point, the background of every shot and the unseen area just beyond every frame-line becomes a danger zone, a source of fresh anxiety. Because the curse spreads through sex, It Follows has been misunderstood as an STD allegory. But that’s too literal an interpretation of a horror movie that makes inevitability itself the enemy, the dread enhanced by the simple sight of something, of anything, appearing on the distant horizon. [A.A. Dowd]

46. Đến & NBSP; (2016)Arrival (2016)

Denis Villeneuve không bao giờ giải quyết cho ít hơn đặc biệt, và sự hoàn hảo của ông mở rộng đến gần như mọi khía cạnh của sự xuất hiện.Tìm thấy nó ở Amy Adams, mang đến một màn trình diễn vô tâmNgười ngoài hành tinh truyền đạt một thông điệp phức tạp có thể thay đổi số phận của thế giới.Nó cũng ở đó, trong bảng màu khuất phục của nhà quay phim Bradford Young, nhấn mạnh chiều kích của con người thầm lặng của câu chuyện, và trong bản nhạc được sáng tác bởi cố Jóhann Jóhannsson, một sự pha trộn lý tưởng của vụ đánh bom và vẻ đẹp.Kết quả là khoa học viễn tưởng tốt nhất, kết hợp các ý tưởng khái niệm bá đạo với trái tim hào phóng, như Spielberg đang làm Star Trek.[Alex McLevy]

45. Vương quốc mặt trăng (2012)Moonrise Kingdom (2012)

Phong cách chữ ký của Wes Anderson, rất đặc biệt (và dễ bị nhại lại) đến nỗi nó luôn luôn hấp dẫn để tập trung vào các khía cạnh hời hợt.Điều thực sự khiến Wes trở nên độc đáo là anh ta có xu hướng của anh ta cho sự ngây thơ trẻ trung với sự hối tiếc trung niên, có từ Rushmore và tìm thấy biểu hiện mở rộng nhất của nó cho đến nay trong vương quốc Moonawn thú vị, sâu sắc.Rõ ràng, tác phẩm thời kỳ này, lấy bối cảnh năm 1965, New England, là câu chuyện về hai đứa trẻ runaways (Jared Gilman và Kara Hayward), người có sự sai lầm trong trò chơi The Wild Wild gây ra nhiều tiếng cười.Nhưng Anderson dành nhiều thời gian cho những người trưởng thành không an toàn về mặt cảm xúc trên đường mòn của họ, bao gồm cả một Bruce Willis có giọng nói nhẹ nhàng không điển hình.Một số người vẫn sẽ chống lại, nhưng điều này có thể gần với không thể cưỡng lại như Wesworld có được.[Mike DiênAngelo]

44. Phòng xanh (2016)Green Room(2016)

Khi Green Room được phát hành vào mùa xuân năm 2016, tiền đề của nó cảm thấy được nâng cao một cách thành thạo: một số rocker punk đồng ý đóng vai một câu lạc bộ Đức Quốc xã ở Tây Bắc Thái Bình Dương, sau đó chứng kiến một vụ giết người và phải chiến đấu với khả năng bị khóa nghiêm trọng.Chưa đầy một năm sau, bộ phim trông giống như một phần mở rộng tự nhiên của các sự kiện hiện tại.Bất chấp sự ghê tởm của những kẻ xấu của mình, không ai có thể buộc tội nhà văn-đạo diễn Jeremy Saulnier cố gắng để ghi nhận những chiến thắng dễ dàng;Phòng xanh là xấu xa, đẫm máu và đau khổ, một tập luyện thể loại với răng (thường gắn liền với những con chó bị bắt nạt).Tuy nhiên, bộ phim kinh dị không ngừng này không bao giờ đánh mất nhân tính của nó, được thể hiện bởi Imogen Poots và đặc biệt là bởi Anton Yelchin, rất nhiều, đã mang đến một trong những màn trình diễn hay nhất của anh ấy khi ban nhạc bass bassist.[Jesse Hassenger]

43. Câu chuyện hôn nhân (2019)Marriage Story (2019)

Trong khi lo lắng cố gắng mang đến cho một đại lý phúc lợi trẻ em một ấn tượng tích cực về kỹ năng nuôi dạy con của mình, nhà viết kịch Charlie (Adam Driver) đã vô tình cắt cánh tay của mình.Ngay cả khi anh ta không được định vị là một người đứng đầu cho nhà văn-đạo diễn Noah Baumbach, mối liên hệ giữa họ sẽ rõ ràng trong thời điểm này;Rốt cuộc, Baumbach, đã tạo ra mọi phần của mình trên tất cả các hồi ức lộn xộn, không đáng sợ này về một sự kết hợp đổ nát.Sự chia rẽ giữa Charlie và vợ của anh ta, Nicole (Scarlett Johansson), rút ra bản thân khó chịu nhất của họ, nhưng không phải trong sổ đăng ký thông minh được xác định với phần lớn công việc của Baumbach.Sự thù địch dần dần ló ra khỏi một cuộc ly hôn thân mật, chỉ là một biểu hiện khác của tình yêu mà hai người sẽ không bao giờ hoàn toàn từ bỏ.Những tranh chấp xấu xa về quyền nuôi con trai và di dời ven biển của họ chỉ che giấu cảm giác của Truer và Rawer tạo nên bộ phim dịu dàng, nhạy cảm này: sự ích kỷ, oán giận, bất an và cuối cùng khiêm tốn.[Charles Bramesco]

42. Leviathan (2013)Leviathan (2013)

Trong thập kỷ qua, Phòng thí nghiệm dân tộc học cảm giác của Harvard tiếp tục làm những việc mới lạ với hình thức tài liệu, từ Montana Sheaperer Chronicle Sweetgrass & NBSP;Nhúng đầy đủ vào một thói quen của một tàu đánh cá của Mỹ trên biển Stygian.Giám đốc Véréna Paravel và Lucien Castaing-Taylor don lồng đã sử dụng nhiều để giải thích hoặc nói chuyện hoặc thậm chí là báo cáo thẳng;Thay vào đó, họ muốn bạn trải nghiệm.Được thực hiện trên các ca làm việc của cuộc đua marathon với cả một đội máy ảnh kỹ thuật số, tất cả đều biết không có giới hạn, nhất là Gopros ném lên trên như phao Life, bộ phim mang lại những câu chuyện thần thoại tự nhiên so với người đàn ông mà câu cá hiện đại thời hiện đạiCông nghiệp được neo.[Benjamin Mercer]Sweetgrass to the structuralist cable-car ride Manakamana to—best of all—the churning, plunging, sloshing Leviathan, a visceral full immersion into one American fishing vessel’s toilsome routine on the Stygian seas. Directors Véréna Paravel and Lucien Castaing-Taylor don’t have much use for explanations or talking heads or even straight-on reportage; instead, they want you to experience. Made on marathon shooting shifts with a whole fleet of digital cameras—all of which seem to know no bounds, not least the GoPros flung overboard like life buoys—the film lays bare the nature-versus-man mythos to which the modern-day fishing industry is anchored. [Benjamin Mercer]

41. Magic Mike XXL (2015)Magic Mike XXL(2015)

Khi Steven Soderbergh, Magic Mike đưa ra một ánh sáng lạnh lùng về sự bất bình đẳng và bất bình đẳng kinh tế, phần tiếp theo (do trợ lý đạo diễn lâu năm của ông, Gregory Jacobs) sao chép hình ảnh đặc trưng của anh ta, Soderbergh đã bắn nó trong khi đưa họ vào một giai điệu hoàn toàn khác.Channing Tatum và nhóm vũ nữ thoát y nam đáng yêu của anh ta có một chuyến đi trên đường tới một hội nghị khiêu vũ khiêu dâm, truyền bá sự cổ vũ tốt, sự tự tin và tình dục tôn trọng ở mọi nơi họ đến.Nếu âm thanh đó, hãy biết rằng XXL là một vụ nổ thực sự: một bộ phim hài bao gồm, nơi tất cả đều được chào đón.Được mô hình hóa một cách lỏng lẻo trên Nashville, nó cao trào với những con số tước từ trở lại tại hội nghị để giới thiệu một sự thay đổi thực sự của thể loại âm nhạc, một tầm nhìn của một nước Mỹ tốt hơn, tốt hơn mà Lôi ngày càng trở thành gương chiếu hậu.[Vadim Rizov]Magic Mike cast a cold light on hustling and economic inequality, the sequel (directed by his longtime assistant director, Gregory Jacobs) replicates his characteristic visuals—Soderbergh shot it—while channeling them into a totally different tone. Channing Tatum and his gang of lovable male strippers take a road trip toward an erotic dancing convention, spreading good cheer, self-confidence, and respectful sexuality everywhere they go. If that sounds didactic, know that XXL is a true blast: an inclusive comedy where all are welcome. Loosely modeled on Nashville, it climaxes with back-to-back-to-back stripping numbers at the conference to cap off a truly aughts refashioning of the musical genre—a vision of a better, kinder America that’s increasingly in the rearview mirror. [Vadim Rizov]

40. Elle (2016)Elle (2016)

Paul Verhoeven và Isabelle Huppert đã tham gia lực lượng để đưa ra phim kinh dị nhỏ độc ác này, một con rắn hổ mang nhổ nước bọt ra khỏi sự nắm bắt của phê bình chính trị với nụ cười lén lút trên răng nanh của nó.Mở ra với một vụ hiếp dâm tàn bạo nhìn từ quan điểm của một con mèo đen, Elle tìm thấy vết cắn thực sự của nó trong sự tầm thường của hậu quả, và cách trơn trượt mà nhân vật chính của nó, Michèle (Huppert), lấy lại quyền kiểm soát cuộc sống và cơ thể của cô ấy trên cô ấycác điều khoản xoắn của riêng.Cả nữ quyền và chống nữ quyền, nữ anh hùng và chống anh hùng, nạn nhân và thủ phạm, Michèle dường như thích thể hiện khuôn mẫu của người phụ nữ béo.Tâm lý học xấu xa của cô khẳng định sự phức tạp của cả tình dục nữ và ảnh hưởng của chấn thương.[Katie Rife]

39. Ngày xửa ngày xưa ở Hollywood & NBSP; (2019)Once Upon A Time… In Hollywood (2019)

Kết thúc một thập kỷ đã tạo ra hai bộ phim chính trị và công khai nhất của ông, Django Unchained & NBSP; và The Hateful Eight, Quentin Tarantino đã tạo ra những gì có thể là tác phẩm mơ hồ nhất của ông với ảo mộng đăm chiêu của Los Angeles vào cuối những năm 1960.Một diễn viên danh sách B bị trầm cảm, nghiện rượu (Leonardo DiCaprio) và người bạn thân nhất của anh ta, một người đóng thế (Brad Pitt, hiếm khi tốt hơn)Robbie).Nếu tâm trạng ban đầu của thế giới Cadillacs, Cinerama Marquees và Whiskey Sours là một trong những hoàng hôn hoài cổ, thì những người dưới quyền chủ yếu là nỗi buồn và bạo lực tiềm ẩn.Cả một bộ phim Hangout xuất sắc và một sự tôn vinh tình cảm đối với những mảnh vụn của văn hóa nhạc pop trong quá khứ, Ngày xửa ngày xưa, ở Hollywood cung cấp một số chuỗi được định hướng một cách nhạy cảm nhất trong sự nghiệp của Tarantino và trong Booth của Rick Dalton và Pitt's Cliff, haicủa các nhân vật phong phú nhất của anh ấy.[Ignatiy Vishnevetsky]Django Unchained and The Hateful Eight, Quentin Tarantino created what might be his most ambiguous work with this wistful fantasy of Los Angeles at the end of the 1960s. A depressed, alcoholic B-list actor (Leonardo DiCaprio) and his best friend, a stuntman (Brad Pitt, rarely better) who may have gotten away with murder, cross paths with the Manson family and their most famous victim, Sharon Tate (Margot Robbie). If the initial mood of this world of Cadillacs, Cinerama marquees, and whiskey sours is one of nostalgic twilight, the undercurrents are chiefly sadness and latent violence. Both a hangout movie par excellence and an affectionate tribute to the detritus of pop culture past, Once Upon A Time… In Hollywood offers up some of the most sensitively directed sequences of Tarantino’s career—and, in DiCaprio’s Rick Dalton and Pitt’s Cliff Booth, two of his richest characters. [Ignatiy Vishnevetsky]

38. Mọi người khác (2010)Everyone Else(2010)

Một bộ phim hài chia tay khó chịu không xa sự lãng mạn hiện đại, mọi người khác tập trung vào một cặp vợ chồng người Đức, Gitti (Birgit minichmayr) và Chris (Lars Eidinger), trong một kỳ nghỉ khó chịu cùng nhau.Cô ấy là một người hướng ngoại, anh ấy quyết định ngược lại, nhưng bất kể: Trong các vụ va chạm lặp đi lặp lại của họ với một cặp vợ chồng khác, họ thay phiên nhau nâng cao sự bất ngờ, xa lánh và thường xuyên quá buồn cười.Nếu theo dõi của Maren Ade, Toni Erdmann, đưa ra một kết xuất hoàn toàn mới cho ý tưởng về việc cam kết với nhauNhững người khác co rúm lại như họ làm.Hiệu suất của người Viking và những gì đau đớn chính hãng?Hai người này có thể không bao giờ biết, nhưng mọi người khác sẽ phải đối phó với nó.[Vadim Rizov]Modern Romance, Everyone Else centers on a German couple, Gitti (Birgit Minichmayr) and Chris (Lars Eidinger), on an uneasy vacation together. She’s an extrovert, he’s decidedly the opposite, but no matter: In their repeated collisions with another couple, they take turns outrageously upping the ante on unexpected, alienating, and often outrageously funny behavior. If Maren Ade’s follow-up, Toni Erdmann, gives a whole new rendering to the idea of “committing to the bit,” Everyone Else functions much the same way, analyzing the shared pathologies of a toxic couple as they repeatedly blow themselves up, making others cringe as much as they do. What’s performance and what’s genuine pain? These two may never know, but everyone else is going to have to deal with it. [Vadim Rizov]

37. Whiplash & NBSP; (2014)Whiplash (2014)

Đau khổ vì nghệ thuật của bạn, hiếm khi được tập luyện theo nghĩa đen hơn so với trong Damien Chazelle, hấp dẫn và thường khó theo dõi tâm lý về một tay trống trẻ tài năng (Miles Teller) bị kéo vào quỹ đạo của một người hướng dẫn độc ác mạnh mẽ (J.K. Simmons).Làm việc từ kịch bản của chính mình, Chazelle không ngừng nắm bắt được ổ đĩa ám ảnh đẩy rất nhiều nghệ sĩ vượt qua ranh giới của hành vi bình thường, hy sinh mọi thứ để theo đuổi sự vĩ đại.Tốt hơn là cách bộ phim vẫn thông minh rõ ràng về chi phí cuối cùng của tác phẩm, làm sáng tỏ bản chất tối ưu hóa tối tăm của hai người đàn ông mối quan hệ với sắc thái và sự hiểu biết.Teller rất xuất sắc, nhưng có một lý do Simmons đã giành giải Oscar nam diễn viên hỗ trợ tốt nhất: anh ta kinh hoàng và lối vào bằng nhau, chứng minh chính xác lý do tại sao ai đó sẵn sàng tự mình phục tùng lực lượng của mình.[Alex McLevy]

36. Màu thượng nguồn (2013)Upstream Color (2013)

Nếu Primer ra mắt Sci-Fi của Shane Carruth, là một hộp giải đố trí tuệ, thì featurecoule thứ hai của anh ta được mô tả là một tình cảm, thì sự nhấn mạnh của nó vào sự thân mật và thế giới tự nhiên đi chệch hướng khỏi sự đột phá của anh ta.Như vậy, nó phù hợp rằng màu sắc ngược dòng bất chấp loại mồi mổ xẻ khó tính được tán tỉnh, sự vắng mặt gần như rõ ràng, có ý nghĩa phục vụ để làm nổi bật điệu nhảy yên tĩnh, phức tạp của nókể chuyện.Khó có thể phân tích, các xung màu ngược dòng với mục đích và sự tự tin, do một phần không nhỏ để Carruth chỉ huy mọi khía cạnh của bộ phim, từ hướng và viết cho đến điểm số và phân phối của nó.Lấy một gợi ý từ đánh giá ban đầu của chúng tôi và chỉ để nó rửa sạch bạn.[Randall Colburn]Primer was an intellectual puzzle box, his second featurecould be described as an emotional one, its emphasis on intimacy and the natural world deviating wildly from his brainy breakout. As such, it’s fitting that Upstream Color defies the kind of fastidious dissection Primer courted, its near-absence of discernible, meaningful dialogue serving to highlight its quiet, complex dance of trauma and recovery, not to mention its offbeat aesthetic pleasures and elliptical, Malickian storytelling. Hard as it is to parse, Upstream Color pulses with purpose and confidence, due in no small part to Carruth commanding every aspect of the film, from the direction and writing to its score and distribution. Take a cue from our initial review and just let it wash over you. [Randall Colburn]

35. Nhận ra (2017)Get Out (2017)

Jordan Peele sống mọi nhà làm phim, giấc mơ với sự ra mắt của đạo diễn, một vụ đập phá thương mại và quan trọng đã đưa anh ta từ làm diễn viên hài đến A-List Auteur, sau đó giành được giải Oscar cho kịch bản gốc hay nhất.Bộ phim sẽ được nhớ đến như một khoảnh khắc di chuyển kim cho thể loại kinh dị và cho những người sáng tạo đen ở Hollywood.Nhưng ngoài ý nghĩa lịch sử của nó, Get Out cũng là giải trí hạng nhất: hồi hộp, đáng ngạc nhiên và châm biếm.Theo sau một nhiếp ảnh gia (Daniel Kaluuya) vào cuối tuần với gia đình bạn gái của anh ta dần dần chuyển từ sự bực tức thành một điều tồi tệ hơn nhiều, Zeitgeist của Peele đã đánh vào thành công bằng kim giữa sự hấp dẫn rộng rãi như được chứng minh bởi chủ đề Twitter này của một người phụ nữ đang làm hỏng cha mẹ cô ấy 'Phản ứng với bộ phim và loại bình luận chính trị sắc sảo có thể truyền cảm hứng cho toàn bộ thư viện luận án tiến sĩ.[Katie Rife]this Twitter thread of a woman live-blogging her parents’ reactions to the movie—and the type of incisive political commentary that could inspire a whole library of doctoral theses. [Katie Rife]

34. Công tước xứ Burgundy (2015)The Duke Of Burgundy (2015)

Không có câu hỏi, bộ phim cảm động nhất từng được thực hiện về việc trở thành một quyền lực.Evelyn (Chiara d hèAna) và Cynthia (Sidse Babett Knudsen) dường như có một điều tốt, diễn ra các kịch bản gửi nước chi phối hàng ngày như một biểu hiện của mối liên kết nuôi dưỡng lẫn nhau giữa họ.Nhưng khi Evelyn sườn có thị hiếu ngày càng kỳ lạ, Cynthia khao khát một sự thân mật thông thường hơn, và bắt đầu lo lắng rằng cô có thể không phải là người phụ nữ mà người yêu cần.Nằm đặt ra sự khởi sắc phong cách từ các bậc thầy của GIALLO và tình dục của những năm 70, Peter Strickland minh họa cách mong muốn làm hài lòng người khác có thể biến thành một chế độ chuyên chế tự áp đặt.Khi một mối quan hệ có một người cho và một người nhận, ngay cả khi người tặng rất vui khi cho đi, sự năng động đó cuối cùng cũng bị đẩy đến giới hạn của nó khi người nhận tiếp tục thực hiện.Đây là câu chuyện tình yêu hiếm hoi về khả năng tương thích và hiệu chuẩn, khi hai người lớn thiết lập lại các điều khoản hợp tác của họ để tìm một bình thường mới.(Đối với họ, nó liên quan đến việc được đăng trên.) [Charles Bramesco]

33. Roma (2018)Roma (2018)

Alfonso Cuarón, Rom Roma là một kiệt tác ký ức trong truyền thống của các tác phẩm tự truyện của Fellini, một bộ phim truyền hình đen trắng được rút ra từ những hồi ức của nhà văn-đạo diễn về những người phụ nữ thuộc tầng lớp lao động đã nuôi dạy ông vào những năm 1970 ở Mexico City.Những ký ức này được lọc qua tình yêu say mê của riêng Cuarón, thể hiện rõ trong những bức ảnh dài sặc sỡ đặc trưng của anh ấy, ở đây được thể hiện với sự thân mật mới của nhà làm phim đặt mình ra sau máy ảnh thay cho nhà quay phim thông thường của mình, Emmanuel Lubezki.Trong những cảnh như một cuộc biểu tình chính trị bùng nổ vào một cuộc bạo loạn bên ngoài cửa hàng đồ nội thất nơi quản gia bản địa Cleo (Yalitza aparicio) đang mua sắm cho đứa con chưa sinh của mình, Roma dành những khoảnh khắc thân mật trong cuộc sống của người phụ nữ thường xuyên này và đưa họ đến phạm vi phạm vi nàyvề sự hoành tráng, được neo bởi màn trình diễn tuyệt vời và đồng bằng của nó.[Katie Rife]

32. Burning (2018)Burning(2018)

Thích nghi lỏng lẻo từ một câu chuyện ngắn của Haruki Murakami, bộ phim hay nhất của đạo diễn người Hàn Quốc cho đến nay quan sát một nhà văn tham vọng không hài lòng mơ hồ tên là Jong-Su (Yoo Ah-in)MI (Jeon Jong-Seo), và sau đó bị ném vào quỹ đạo của người bạn mới giàu có một cách ngông cuồng của Hae-Mi, Ben (Steven Yeun, trong một bước ngoặt kỳ quặc đáng nhớ đã giành được giải thưởng nam diễn viên hỗ trợ tốt nhất từ một số nhóm phê bình).Ban đầu chơi như một nghiên cứu nhân vật thấp, Burning từ từ biến thành một phim kinh dị rất độc đáo, được xây dựng xung quanh một vụ mất tích bí ẩn.Bộ phim nhấn mạnh vào chiến tranh giai cấp là không thể bỏ lỡ, nhưng Lee từ chối đưa ra kết luận dễ hiểu.Ngay cả khi Jong-Su cuối cùng cũng có hành động trong vài phút cuối cùng, nó không rõ liệu anh ấy có phải là một thiên thần báo thù hay chỉ là hoang tưởng nguy hiểm.[Mike DiênAngelo]

31. Xương mùa đông (2010)Winter’s Bone (2010)

Jennifer Lawrence có khả năng sẽ trở thành một ngôi sao ngay cả khi không có sự thúc đẩy của xương mùa đông.Nhưng cô ấy chắc chắn đã gây ấn tượng mạnh mẽ trong vai diễn phim lớn đầu tiên của mình, đóng vai Ree Dolly, một trường trung học 17 tuổi buộc phải trở thành một thám tử nghiệp dư để cứu gia đình Ozark Mountains đáng thương tuyệt vọng của cô.Half Hilltop Noir và một nửa Odyssey thần thoại, bộ phim theo sau Ree khi cô đối kháng với tất cả các đại lý ma túy nguy hiểm trong đại gia đình của mình, lật lại mọi tảng đá nhếch nhác trong khu vực để tìm người cha chạy trốn của mình và giữ cảnh sát giữ nhà cô.& nbsp; Đạo diễn và đồng sáng tác bởi Debra Granik, làm việc từ một cuốn tiểu thuyết Daniel Woodrell, xương của mùa đông giống như một trong những hình ảnh thể loại nhỏ, được ghép tinh xảo của thập niên 70 và 80 sau đó được công nhận là tác phẩm kinh điển.Nó trực tiếp trong cách kể chuyện của nó, nhưng sâu sắc trong việc khám phá tội phạm và giai cấp ở vùng nông thôn nước Mỹ.[Noel Murray]

30. Trước nửa đêm (2013)Before Midnight(2013)

Mỗi thập kỷ nhận được bộ phim trước đó xứng đáng.Trong những năm 1990, đó là sự lãng mạn mơ mộng trước khi mặt trời mọc, trong những năm 2000, đó là cuộc hội ngộ cổ phần cao của trước khi mặt trời lặn, và trong những năm 2010, đó là trước nửa đêm, mục nhập phát triển nhất trong bức chân dung hiện đại của Richard Linklateryêu và quý.Trong khi hai bộ phim đầu tiên dựa trên các biến thể về câu hỏi liệu Jesse (Ethan Hawke) và Celine (Julie Delpy) sẽ gặp lại nhau, trước khi nửa đêm giới thiệu một bộ cổ phần khác.Những người yêu thích không còn có nguy cơ mất liên lạc, nhưng giờ đây, có một cơ hội, vật chất hóa trong phòng khách sạn tuyệt đẹp, mối đe dọa làm hỏng kỳ nghỉ hè bình dị của họ ở Hy Lạp, hai người sẽ làm nổ tung cuộc sống mà họ đã xây dựng một cách khó khăn.Linklater, Hawke và Delpy xây dựng trên tất cả mọi thứ mà trước đây đến để tạo ra một bức ảnh sâu sắc về cách thức hạnh phúc trẻ trung biến thành tình yêu lâu dài, tốt hơn và tồi tệ hơn.[Caroline Siede]Before Sunset,and for the 2010s it was Before Midnight, the most grown-up entry in Richard Linklater’s ever-evolving portrait of modern love. While the first two films hinged on variations on the question of whether Jesse (Ethan Hawke) and Celine (Julie Delpy) would see each other again, Before Midnight introduces a different set of stakes. The lovers are no longer at risk of losing touch, but there’s now a chance—materializing in the stunning hotel room spat that threatens to derail their idyllic summer vacation in Greece—that the two will blow up the life they’ve painstakingly built together. Linklater, Hawke, and Delpy build on everything that’s come before to craft a poignant snapshot of how youthful bliss transforms into long-term love, for better and worse. [Caroline Siede]

29. Dogtooth (2010)Dogtooth (2010)

Đến lượt bóng tối hài hước và bạo lực gây sốc, tính năng đột phá của đạo diễn Hy Lạp Yorgos Lanthimos (người sẽ tiếp tục làm tôm hùm và yêu thích, được trích dẫn ở trên) theo bước chân của các đạo diễn kéo không-punches Michael Haneke và Lars Von Trier.Một cặp vợ chồng giữ ba đứa con ở tuổi vị thành niên bị nhốt trong nhà/khu nhà của họ, được che chở khỏi thế giới và bị giam cầm không chỉ bởi hàng rào cao mà còn bởi sự sợ hãi và thậm chí là ngôn ngữ.Bên ngoài ảnh hưởng đến những vụ lừa đảo về tình dục khó xử và buôn lậu các bộ phim Hollywood trên VHS, nhưng bất kỳ khoảnh khắc nhẹ nhàng nào cũng bị nhấn mạnh bởi sự xâm lược khủng khiếp, tất cả đều tàn bạo hơn cho họ trần tục.Người cha đã chơi với sự sáng chói của sự sáng chói của Christos Stergioglou, không bao giờ cố gắng giải thích hoặc biện minh cho hành động của mình, và con mắt gần như lâm sàng, tách rời của máy ảnh Lanthimos chỉ làm tăng thêm sự khủng bố.[Josh Modell]

28. Melancholia & NBSP; (2011)Melancholia (2011)

Hình ảnh khoa học viễn tưởng không thể xóa nhòa và một cuộc thám hiểm trầm cảm là những chiếc giường kỳ lạ (và hiếm).Nhưng bên cạnh Tarkovsky, Solaris, giờ đây chúng ta có thể đặt Lars von Trier, Melancholia, sử dụng sự tự phụ của một cơ thể thiên thể bí ẩn đang lao về phía Trái đất như một khuôn khổ để nắm bắt các nghiên cứu nhân vật của chị em Justine (Kirsten Dunst) và Claire (Charlotte Gainbourg).Chia thành hai phần, bộ phim vượt trội trong việc thể hiện sự trầm cảm của Justine, khi nó xâm nhập vào hạnh phúc được cho là của tiệc cưới của cô.Tuy nhiên, thậm chí còn tuyệt đẹp hơn là hiệp hai, nhảy về phía trước sự xuất hiện sắp xảy ra của hành tinh Doomsday khi các vị trí anh chị em bắt đầu đảo ngược Claire Claire sụp đổ dưới sự lo lắng của sự diệt vong tiềm năng khi Justine tìm thấy một loại hòa bình.Không xa lạ gì với các mô tả về trầm cảm, von Trier thực hiện thiền định siêu việt nhất của mình đối với những cơn đau tê liệt của tình trạng này và sự thất vọng không thể chối cãi của những người thân yêu đang cố gắng đối mặt với nó.[Alex McLevy]depictions of depression, von Trier makes his most transcendent meditation on the paralyzing pains of the condition—and the inescapable frustration of loved ones trying to confront it. [Alex McLevy]

27. Người hầu gái (2016)The Handmaiden (2016)

Trong số nhiều thủ thuật quái vật, đạo diễn Park Chan-Wook kéo theo người hầu gái, người được mong đợi nhất và ít được mong đợi nhất là bộ phim hóa ra, trong tim, khá là một câu chuyện tình yêu ngọt ngào.Cốt truyện, được rút ra từ một cuốn tiểu thuyết Sarah Waters, dường như đi theo một kẻ móc túi trẻ tuổi (Kim Tae-Ri) được thuê để giúp một nghệ sĩ lừa đảo bất chính (ha jung-woo) quyến rũ một quý tộc dường như mong manh (Kim Min-hee).Nhưng ngay cả những động cơ thầm kín cũng có động cơ thầm kín trong bộ phim kinh dị vui nhộn, sang trọng này.Park và những người đồng mưu chiến thắng của anh ta, hai người Kims, đặc biệt là đánh lừa khán giả của họ hết lần này đến lần khác, kéo tấm thảm ra với sự thích thú rõ ràng.Nó là một con lừa đảo tuyệt vời, nhưng cú sốc thực sự không nằm ở những vòng xoắn, cũng không phải là bạo lực yêu cầu ngón tay hay thậm chí là những quả bóng Ben wa;Nó trong sự chân thành lãng mạn, đầu tiên cho bậc thầy cực đoan này.[Allison Shoemaker]

26. Phoenix (2015)Phoenix(2015)

Một ca sĩ Do Thái (Nina Hoss) sống sót sau sự kinh hoàng của Auschwitz, trở lại với một khuôn mặt mới được xây dựng từ đống đổ nát của cô cũ.Ở Berlin, cô tìm thấy người chồng (Ronald Zehrfeld), người có thể đã bán cô cho Đức quốc xã, nhưng anh ta không phải là người nhận được sự nhận ra của cô ấy;Trong một kế hoạch để khẳng định sự thừa kế của cô, anh huấn luyện người phụ nữ này mà anh tin là người lạ về cách nhìn, âm thanh và đi bộ giống như người mà cô từng là.Có những sắc thái không thể phủ nhận của Vertigo trong tiền đề bột giấy phi lý của Phoenix, nhưng nhà văn-đạo diễn Christian Petzold tìm thấy một bài phê bình về bản sắc dân tộc và sự phủ nhận trong hình bóng của Hitchcock.Với một nền kinh tế kể chuyện mà trở thành thương hiệu của anh ấy (ở đó, không phải là một cảnh lãng phí hay quay trên bộ phim, Lean Lean 98 phút), nhà làm phim phát ra melodrama noir của anh ấy, ngay cho đến một kết thúc, sự hoàn hảo đáng kinh ngạc, nó khiến bạn không nói nên lời như các nhân vật.[A.A.Dowd]

25. Hai ngày, một đêm (2014)Two Days, One Night (2014)

Sau màn trình diễn giành giải Oscar của cô với tư cách là Edith Piaf ở La Vie en Rose, Marion Cotillard đã bị phá hủy đến Hollywood trong gần một thập kỷ, trước khi đảm nhận vai trò vô duyên nhất (và đáng chú ý nhất) của cô cho đến nay.Hai ngày, một đêm đóng vai cô là Sandra, một người phụ nữ chiến đấu vì nhân phẩm và chống lại trầm cảm lâm sàng nghiêm trọng.Buộc phải kiến nghị cá nhân đồng nghiệp của mình sau khi phát hiện ra họ đã chọn một phần thưởng để đổi lấy việc chấm dứt, cô bắt đầu một nhiệm vụ cuối tuần để thay đổi suy nghĩ của họ, một hành trình gặp gỡ những cuộc gặp gỡ phát triển thành những câu hỏi đạo đức rời rạc.Nó với sự tinh tế tự nhiên đặc trưng của họ mà các nhà làm phim Bỉ Luc và Jean-Pierre Dardenne thăm dò bản chất của việc trao quyền cho cộng đồng và ra quyết định đạo đức dưới chủ nghĩa tư bản.Nhưng không phải kể từ những năm 90, những người anh em đã giao một tác phẩm thô sơ về mặt cảm xúc và trực tiếp, và chiến thắng đó phần lớn mắc nợ cho màn trình diễn to lớn của Cotillard, mà sự kiên trì giữa sự kiên trì và vô vọng, đang chiến đấu với một người phụ nữ sẽ sống trong khuôn mặt hủy hoại.[Beatrice Loayza]La Vie En Rose, Marion Cotillard decamped to Hollywood for nearly a decade, before taking her most unglamorous (and most remarkable) role to date. Two Days, One Night casts her as Sandra, a woman fighting for dignity and against severe clinical depression. Forced to individually petition her co-workers after discovering they’ve opted for a bonus in exchange for her termination, she embarks on a weekend mission to change their minds—a journey of encounters that blossom into discrete moral quandaries. It’s with their signature naturalistic flair that Belgian filmmakers Luc and Jean-Pierre Dardenne probe the nature of community empowerment and ethical decision-making under capitalism. But not since the ’90s have the brothers delivered a work so emotionally raw and direct, and that triumph is largely indebted to Cotillard’s tremendous performance, which teeters between persistence and hopelessness, doing battle for one woman’s will to live in the face of ruin. [Beatrice Loayza]

24. The Wolf of Wall Street (2013)The Wolf Of Wall Street (2013)

Bạn có nhớ năm 2013, khi Martin Scorsese cầm một chiếc kính lúp lên ID không bị ảnh hưởng của chủ nghĩa tư bản thời Reagan và mọi người gật đầu hiểu đầy đủ, đặt ra để nghỉ ngơi tất cả các phân tích về bộ phim trong phần còn lại của thập kỷ?Không?Mục nhập sai lầm nhất trong Marty, Canon hoạt động phép thuật của mình bằng cách lừa các đối tượng của những cú hích châm biếm của nó để tự nói với chính họ;The Wall Street Bros vẫn thần tượng hóa người yếu tố chứng khoán yếu đuối, bất lực, tâm thần Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio, Vanity đã đổ ra từ khoảnh khắc anh ta uốn cong và lan truyền cho một ngọn nến sáng) xác nhận tất cả sự không trống đạo đức mà kịch bản Terence Winter chỉ định.Những thú vui hào phóng của Wolf, Joonah Hill Growling Khói Khói nứt với tôi, anh bạn;điệu nhảy của Lemmons;Phát minh tức thời của một ngôi sao điện ảnh tên là Margot Robbie, có thể đi một người.Nhưng những khoảnh khắc đen tối nhất phản bội điều này như một câu chuyện kinh dị của người Mỹ về nghiện, đối với ma túy hoặc tiền bạc hoặc quyền lực, tất cả đều giống nhau.[Charles Bramesco]

23. Toni Erdmann(2016)

“Are you even human?” the garrulous Winfried—dressed up in fake teeth and a preposterous black wig as the titular alter ego—asks his frigid, workaholic daughter in Toni Erdmann. The rare brilliance of Maren Ade’s movie is how it approaches this loaded question without cliché or sappy sentimentality but through a half-comic angle that privileges the awkward and embarrassing, exalting the bitter fruits of everyday banalities. For a film that runs nearly three hours, Toni Erdmann goes down easy, deceptively breezy as it considers the inexhaustible complexities of parenting and the alienated state of modern relationships, while proposing humor as an antidote to the scourge of objective-oriented behavior. It also offers Sandra Hüller’s desperate, bravado rendition of the Whitney Houston ballad “The Greatest Love Of All”—a scene that already looks like one of the greatest bits of musical comedy of all. [Beatrice Loayza]

22. First Reformed (2018)

Megachurches aren’t just buildings; they’re faith institutions. That’s the case, at least, in First Reformed, a roaring, deeply felt meditation on spiritual purpose from the legendary filmmaker Paul Schrader, here trying his hand at the transcendental mode of cinema he dissected early in his career. A never-better Ethan Hawke stars as Toller, the shepherd of a historical church kept alive only by a corporate arm, whose spiritual impotence finds a cure in a cause: global warming. What follows is a study in extremism and self-sabotage, a condemnation of faith’s commodification that never lets its hero off the hook as the architect of his own downfall. Schrader’s trademark brutality asserts itself, physically and emotionally. But First Reformed is, first and foremost, a film investigating the shape of holiness in a modern world. [Randall Colburn]

21. Nocturama (2017)

A tour de force of style and abstraction, Bertrand Bonello’s deconstructed terrorist thriller follows a group of French teens and twentysomethings as they execute a deadly series of attacks around Paris before retreating to wait out the night in a massive department store. We never learn their ideology, which is arguably irrelevant to Bonello’s interest in alienation, anger, and fantasy as common denominators and motives. Drawing inspiration from everything from the TV experiments of Alan Clarke to the genre classics of George A. Romero and John Carpenter, Nocturama might earn its place as one of the great films of the decade on panache alone. But Bonello’s formal ingenuity (which extends from the awesomely eclectic soundtrack to a bravura approach to time and psychic space) would be nothing without its ability to move and perturb. The result is a dark and unforgettable vision. [Ignatiy Vishnevetsky]

20. Meek’s Cutoff(2011)

In a decade that saw the Coen brothers, Quentin Tarantino, and Alejandro González Iñárritu dabble in the Western, it was Kelly Reichardt who breathed the freshest life into it. Her triumph was stripping this intrinsically American genre down to its elemental essence—dirt, sky, survival—without abandoning all the familiar pleasures of desperate people navigating a violent frontier. Set in 1845, Meek’s Cutoff dramatizes a historical boondoggle: the true story of a caravan that strayed off the Oregon Trail into disaster, thanks to either the incompetence or the ill intentions of the eponymous guide (a loquacious, unrecognizable Bruce Greenwood). Reichardt emphasizes not just the grueling hardship of wagon travel but also the way time may have passed on a wilderness voyage with no end in sight. For all the deliberateness of the pacing, Meek’s Cutoff also offers an acutely suspenseful battle of wills, as a crisis of leadership and the introduction of a stranger with even more mysterious motives threatens to seal the fate of these lost pilgrims. At the film’s center is the writer-director’s frequent leading lady, Michelle Williams, whose performance as the most sensible and headstrong of the group underscores a prescient political dimension. Who knew, a decade ago, what resonance we might later see in the story of a smart woman trying to steer away from the catastrophe courted by a foolish blowhard? [A.A. Dowd]

19. Margaret(2011)

Kenneth Lonergan’s ambitious sophomore feature emerged from six years of post-production purgatory in slightly mangled form, but it’s a major work nonetheless. Anna Paquin delivers an uncommonly lacerating portrait of teenage solipsism as Lisa, a high-schooler who accidentally causes a bus accident. That inciting incident is one of the innumerable dramas she negotiates across the film’s epic New York canvas, while confronting the fact that she’s at the center of no one’s story but her own. Though Lonergan is a celebrated playwright, the film’s richly detailed soundscapes, alternately assaultive and symphonic, would be impossible to fully convey on the stage. Likewise, the film’s preoccupation with the essential separateness of people is uniquely suited to the exterior viewpoint that cinema so naturally provides. Taking its title from a Gerard Manley Hopkins poem, Margaret is a film about the difficulties of truly connecting with another person. Words fail, emotion is limited. But in its moving final scene, which sees Lisa and her mother weeping together at an opera house, the film suggests that perhaps art, after all, is the best thing we’ve got. This is the kind of rare, staggering vision that lives up to that suggestion. [Lawrence Garcia]

18. Bản sao được chứng nhận (2011)Certified Copy (2011)

Trong suốt sự nghiệp kéo dài của mình, Abbas Kiarostami quá cố bị ám ảnh bởi hiệu suất với cách chúng tôi luôn luôn chơi một phiên bản của chính mình cho thế giới.Trong các bộ phim bằng tiếng Ba Tư của mình (như cận cảnh, Taste of Cherry và bộ ba Koker), Kiarostami say sưa phá vỡ bức tường thứ tư.Sự sẵn sàng của anh ấy để chọn những người không phải là người không phải là người không phải là sự kiên nhẫn của anh ấy vì đã để cho các cuộc trò chuyện dài diễn ra giữa những cá nhân đó khi họ tự hỏi về mục đích của nghệ thuật và cuộc sống không thể đảo ngược sự hiểu biết của chúng tôi về chính điện ảnh.Các phương pháp ưa thích của Kiarostami, được hiển thị đầy đủ trong bản sao được chứng nhận được đánh bóng và vui tươi, trong đó Juliette Binoche và diễn viên nhạc sĩ đã trở thành diễn viên của William Shimell miêu tả dường như những người lạ tham gia vào các cuộc tranh luận về tính xác thực và nghệ thuật.Lúc đầu, các cuộc trò chuyện của họ tập trung bên ngoài, với những lập luận về động lực sáng tạo và sự xứng đáng của giả mạo.Nhưng trong thời gian, các nhân vật của họ tán tỉnh với sự phản chiếu thẳng thắn, và cặp đôi trở nên vướng vào một màn trình diễn của sự mơ hồ quyến rũ.Kiarostami quyết tâm làm sáng tỏ làm thế nào người ta có thể giả định danh tính của người khác, và Binoche và Shimell là những người cộng tác tận tụy xây dựng bản sao được chứng nhận như một mê cung tinh tế dẫn khán giả xuống những con đường gợi mở khác nhau trong việc tìm kiếm sự thật của con người.[Roxana Hadadi]Close-Up, Taste Of Cherry, and the Koker Trilogy), Kiarostami reveled in shattering the fourth wall. His willingness to cast non-actors and his patience for letting long conversations play out between those individuals as they wondered about the purpose of art and life irreversibly expanded our understanding of cinema itself. Kiarostami’s preferred methods are on full display in the polished and playful Certified Copy, in which Juliette Binoche and opera-singer-turned-actor William Shimell portray seeming strangers engaging in debates about authenticity and artifice. At first, their conversations are externally focused, with arguments about creative motivation and the worthiness of forgery. But in time, their characters flirt with candid reflection, and the pair becomes entangled in a performance of seductive ambiguity. Kiarostami is determined to unravel how one can assume the identity of another, and Binoche and Shimell are devoted collaborators who build Certified Copy as a delicate maze that leads audiences down variously evocative paths in a search of human truth. [Roxana Hadadi]

17. Khách sạn Grand Budapest (2014)The Grand Budapest Hotel (2014)

Khách sạn Grand Budapest được cho là có giá khoảng một nửa so với cuộc sống dưới nước, nhưng nó vẫn là bộ phim đầy tham vọng nhất (và thành công về tài chính) của Wes Anderson.Trải dài qua nhiều thập kỷ và các quốc gia, bộ phim kể về câu chuyện về một hướng dẫn viên hiệu quả không phổ biến, quản lý hoạt động phức tạp của một khu nghỉ dưỡng trên đỉnh núi những năm 1930 tuyệt vời, nơi chủ nghĩa độc đoán của Lực lượng leo núi và châu Âu phai màu thường xuyên đi qua con đường.Ralph Fiennes vừa vui nhộn vừa ảnh hưởng như anh hùng: một người đàn ông cao quý với nhiều, nhiều quy tắc.Nhưng điều làm cho khách sạn lớn Budapest trở thành một hit phòng vé lớn như vậy là trung tâm đó là một bộ phim phiêu lưu trở lại, với một âm mưu xoắn ốc liên quan đến các vụ giết người, những kẻ cướp bóc, và tất cả đều được đưa ra trong phong cách chi tiết cực kỳ của Anderson, nơi mọi bộ trông giống như một bộDiorama.Bộ phim được chỉ ra một cách đáng ngạc nhiên, quá, và có lẽ có thể nói chung là trong bức chân dung của một thế giới cũ nguyên tắc thối rữa từ bên trong, bị hư hỏng bởi một sự nóng bỏng đáng tiếc đối với những kẻ phát xít.[Noel Murray]The Life Aquatic, and yet it remains Wes Anderson’s most ambitious (and financially successful) film to date. Sprawling across decades and countries, the movie tells the story of an uncommonly efficient concierge, managing the intricate operation of a fantastical 1930s mountaintop resort, where authoritarianism’s creeping forces and Europe’s fading aristocracy frequently cross paths. Ralph Fiennes is both hilarious and affecting as the hero: a noble man with many, many rules. But what made The Grand Budapest Hotel such a big box office hit was that at heart it’s a throwback adventure movie, with a twisty plot involving murders, heists, and chases, all rendered in Anderson’s insanely detailed style, where every set looks like an overdressed diorama. The film is surprisingly pointed, too—and perhaps damnably prescient—in its portrait of a principled Old World rotting from within, spoiled by an unfortunate fealty to fascists. [Noel Murray]

16. Bên trong Llewyn Davis (2013)Inside Llewyn Davis (2013)

Llewyn là con mèo.Không, anh ta chỉ có con mèo, nhưng sự khác biệt trở nên không đáng kể trong quá trình của Coen Brothers, bên trong Llewyn Davis, một dấu hiệu nước cao trong sự nghiệp của những bức chân dung hiện sinh.Anh hùng ca sĩ dân gian của chúng tôi, được Oscar Isaac xuất hiện tuyệt vời, lang thang xung quanh một chiếc Manhattan màu xám, mùa đông, ngủ trên những chiếc ghế dài của những người bạn bực tức, nuôi dưỡng một vết thương vĩnh viễn trong trái tim anh.Anh ấy đã cam chịu một ngày trễ và một đô la ngắn, mãi mãi bị thiệt thòi bởi một cảnh mà Lừa về sự công nhận chính thống.Những điều trớ trêu vũ trụ và những quyết định thiển cận âm mưu để giữ cho anh ta nghèo và mất ánh đèn sân khấu, nhưng anh ta cũng là một nạn nhân của thời điểm tồi tệ như hành vi của chính mình.Một đối tác đã chết và thị hiếu văn hóa thay đổi đã khiến tài năng của anh ta trở nên không liên quan, được minh họa bằng một chuyến đi đường chống Kerouacian đến Chicago, đến Chicago, cao trào với dòng đọc đơn lẻ nhất trong thập kỷ khủng khiếp này.Một bộ phim Bummer cho các thời đại, bên trong Llewyn Davis thể hiện chi phí của con người để sống một cuộc sống sáng tạo.Niềm đam mê và nguyên tắc không phải là lực lượng bền vững trong một thế giới đòi hỏi sự thỏa hiệp.Phí có thể được trả lại.Hiện tại là cho những kẻ hút.Vậy bạn đang lam gi?[Vikram Murthi]the single most devastating line reading of this terrible decade. A bummer movie for the ages, Inside Llewyn Davis showcases the human cost of living a creative life. Passion and principles aren’t sustainable forces in a world that demands compromise. Dues can’t be paid back. Existing is for suckers. So what are you doing? [Vikram Murthi]

15. Hành động giết chóc (2013) và vẻ ngoài của sự im lặng (2015)The Act Of Killing(2013) and The Look Of Silence(2015)

Vâng, đó là một trò gian lận, kỷ niệm hai bộ phim trong một mục..như các phần bằng nhau của một tổng thể gây tổn hại.Trong hành động giết chóc, sự táo bạo hơn về mặt khái niệm (và gây chia rẽ) của hai người, Oppenheimer không chỉ phỏng vấn các thủ phạm của cuộc diệt chủng quân sự, anh ta cung cấp cho họ một trong số họ cơ hội chỉ đạo một bộ phim về sự đổ máu mà anh ta đã phạm phải.Thông qua quá trình kịch tính, liệu người đóng băng cũ nổi tiếng này sẽ cảm thấy hối hận?Như thể dự đoán những lời chỉ trích rằng phương pháp này chỉ nuôi sống cái tôi của quái vật, sự im lặng đã khiến các nạn nhân trở thành một giọng nói dưới dạng một bác sĩ mất người thân đối mặt với những kẻ giết người già nua trực tiếp trên máy ảnh, can đảm (và có lẽ là nguy hiểm)sức mạnh.Mặc dù các chiến thuật khác nhau, các mục tiêu là như nhau: viết lại câu chuyện kể về một sự tàn bạo của quốc gia, và buộc những người có trách nhiệm giải thích cho sự xấu xa của hành động của họ.Nó là dự án điện ảnh hiếm hoi, phi hư cấu hay nói cách khác, cảm thấy cấp bách về mặt đạo đức và xã hội;Đáng chú ý, hai bộ phim cũng mê hoặc theo cách khác thường của chính họ.[A.A.Dowd]

14. Holy Motors (2012)

Holy Motors might be the strangest, slipperiest film of the decade. What is it about,anyway? Leos Carax, French cinema’senfant terrible, ensures we never come close to a satisfying answer by constantly undercutting the rules of his own game. The result is a manic multi-genre mishmash that flirts with cinema history and gestures toward its future. The film casts singular physical performer and Carax regular Denis Lavant as a gallivanting, shape-shifting everyman, inexplicably assuming a new identity—business executive, bag lady, assassin, sewer troll—in each of the film’s nine “appointments.” Among its bounties are a supermodel kidnapping, CGI-rendered phallic dragons, and a Kylie Minogue musical number—events so unthinkably random, it takes multiple viewings to detect the film’s guiding melancholic undercurrent. Abandoning the narrative comforts of his past work, Carax treats his fifth feature in more than 25 years as a headfirst plunge into the creative impulses of the artist and everything horrifyingly stupid, beautifully weird, and erotic that entails. But as strange and uncategorizable as it may be, Holy Motors also comes off as deeply personal: a slice of the filmmaker served raw and quivering. [Beatrice Loayza]

13. Boyhood (2014)

Twelve years. That’s how long Richard Linklater took to piecemeal-film his coming-of-age movie. It’s also the film’s original title, and later became part of detractors’ argument that his accomplishment was a simple, empty gimmick. The movie’s approach is simple: It drops in on Mason (Ellar Coltrane) for a few scenes at a time, every year, following him from 6 to 18, filming its actors with real-life gaps. This isn’t a movie predicated on “act breaks” or a master plot: Mason’s hard-working mom (Patricia Arquette) gets in and out of bad relationships; his dad (Ethan Hawke) gradually improves as a parent. Time passes. Homes change, families blend and un-blend, Harry Potter midnight release parties are attended. Time passes. Linklater captures mundane events, like Mason and his dad talking about Star Wars, and makes them warmly memorable; he dramatizes some pivotal moments with inelegant writing. Time passes. There’s a scene where Hawke playfully harangues his children to be more talkative and specific when he asks them how they’re doing. They push back, and he relents: “So we should just let it happen more naturally? That’s what you’re saying?” His kids have a point, and yet still, they age 12 years before our eyes, making 165 minutes seem like an instant. It’s simple, and also a miracle. [Jesse Hassenger]

12. Manchester By The Sea (2016)

How do you recover from a stupid, drunken mistake that destroys your entire world? Kenneth Lonergan’s devastating third feature (you’ll find his second at #19) has the bleak courage to acknowledge that sometimes you don’t, though maybe you can at least make partial amends in a roundabout way. Casey Affleck won an Oscar (despite allegations of sexual harassment related to a different film) for his deeply internalized performance, in which grief functions as a parasite that almost but doesn’t quite paralyze its host; his climactic scene opposite Michelle Williams (equally superb) is true rip-your-guts-out stuff, insisting that some wounds just never heal, regardless of how good people’s intentions may be. Yet life goes on, which Manchester underscores via a film-length “subplot” in which Affleck’s self-exiled Lee reluctantly returns to his hometown—the scene of the non-crime for which he longs to be convicted—in order to care for his semi-orphaned teenage nephew (Lucas Hedges). In the midst of life we are in death, sure… but for Lonergan, the inverse is equally true, and he digs deep into that horrible dichotomy. Few other American filmmakers are so willing to examine the necessary impossibility of simply enduring. [Mike D’Angelo]

11. Under The Skin (2014)

Jonathan Glazer labored for more than a decade over the best way to adapt Michel Faber’s excellent Under The Skin, and it shows. His final product, light on dialogue and heavy on dread, strips back the sensational premise—alien seductress drugs men, harvests their meat for her home planet—to the bare essentials, emphasizing the seduction over the exact purpose of that seduction. Scarlett Johansson stars as the nameless extraterrestrial, and Glazer, in a move as cruel as it is effective, surreptitiously filmed her encounters and flirtations with real men to ensure they resonate with all the curiosity and giddiness one might feel when getting picked up by, well, someone that looks like Scarlett Johansson. The desolate tar pit that indifferently swallows her targets frighteningly embodies Glazer’s themes of loneliness and isolation—“Are you alone?” is the film’s refrain—but it’s the character’s own drift toward empathy and her tragic, empty fate that lingers. There’s also, of course, Mica Levi’s violent, viola-forward score, which is alien enough to accompany Glazer’s Kubrickian glimpse of the cosmos, as well as his brief, gruesome look at the guts that flood the intergalactic assembly line. [Randall Colburn]

10. Lady Bird (2017)

Greta Gerwig had perhaps the 2010s’ most remarkable movie career arc, starting the decade as a recent escapee from the micro-budget “mumblecore” movement and ending it as an Oscar-nominated writer and director. Lady Bird is, in a way, a belated origin story, for a filmmaker and actress who had already been working in the business for over a decade. The very Irish Saoirse Ronan gives a remarkably lived-in performance as a self-absorbed Sacramento high-schooler who spars with her mom (played by the wonderfully thorny Laurie Metcalf) and burns through multiple best friends and boyfriends as she prepares for the next stage of her life. With its breakneck pace—some scenes last mere seconds—and its snappy dialogue, Lady Bird is a rush to watch. But it’s also a finely shaded character study, looking back with empathy and more than a little scorn at a young woman who could sometime be casually cruel to friends and family, perhaps because deep down she realized she was just a doggedly ordinary teen, daring to have extraordinary dreams. [Noel Murray]

9. Phantom Thread (2017)

On its surface, Phantom Thread looks like Paul Thomas Anderson’s most conventional film—a simple romantic power struggle, set in 1950s London, between fashion designer Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis, in what he claims will be his final role) and his headstrong muse, Alma (Vicky Krieps, plucked from semi-obscurity). Their relationship revolves as much around food as it does clothes: Reynolds first meets Alma as she takes his ludicrously extravagant breakfast order at the restaurant where she works, and later heated arguments between them involve such niceties as the way she prepares asparagus. Eventually, there’s another, more sinister culinary development, which concludes with mutual decisions that strongly suggest a kinky subtext to all the very proper disputation. At heart, Phantom Thread is a gloriously perverse love story, functioning as a coded mirror image to the film that you’ll find at #34. But that interpretation isn’t necessary to enjoy PTA’s lushly beautiful depiction of vicious politesse. Plus, it’s just exciting to watch Krieps more than hold her own opposite perhaps the world’s greatest actor, as Alma tolerates, withstands, and finally upends Reynolds’ imperious bullying, recognizing what even he doesn’t know that he truly desires. [Mike D’Angelo]

8. Frances Ha (2013)

Romantic comedies took a weird journey through the 2010s: degraded by studios, discarded out of superstition, and reborn as de facto TV movies on Netflix, leaving few recent highlights of the genre. The quarterlife-crisis comedy Frances Ha certainly doesn’t qualify, not technically; flailing late-20s dancer Frances (Greta Gerwig) doesn’t so much as kiss anyone during the film’s crisp 86 minutes, much less enter a romantic relationship. But it’s easy to spot the wit, sparkle, and affection of a vintage screwball rom-com in Gerwig and Noah Baumbach’s film (a lineage continued by their follow-up, Mistress America). Jennifer Lame’s relentless editing punctuates Baumbach and Gerwig’s dialogue, giving it even more rat-a-tat energy by knowing when to cut it off and jump to the next scene, while Sam Levy’s black-and-white cinematography makes hipster New York look timeless, occasionally even glamorous. The heartbreaks and highs of romance are there, too, in the severing of codependent friendships, the magic of running through city streets, and the disappointment of an impromptu trip to Paris, among others. It takes the combustible talents of Baumbach and Gerwig to create this platonic rom-com by way of New Wave, refashioning the journey from twentysomething to thirtysomething as an urgent, capricious, on-and-off love affair with yourself. [Jesse Hassenger]

7. The Florida Project(2017)

Demonstrating empathy for society’s outcasts without romanticizing the iffy behavior that often gets them cast out is a tricky business, and Sean Baker—who’d previously made a splash this decade with Starlet and the iPhone-shot, trans-centered drama Tangerine (see: #84 above)—gets the balance miraculously right in this portrait of life at a tacky motel within walking (or frantic running) distance of Disney World. Much of the alchemy stems from the juxtaposition of rowdy, live-wire newcomers with one of Hollywood’s most reliable and beloved pros: Baker found Bria Vinaite, who plays single mom Halley, on Instagram, then deployed Willem Dafoe—in the role of the motel’s harried but kind manager—as a stabilizing counterpoint to the emotional chaos. But the film also frequently adopts the viewpoint of 7-year-old Moonee (Brooklynn Kimberly Prince) and her rotating gaggle of friends, watching these kids strive to create their own improvised amusement park a stone’s throw from the real thing, oblivious to their own uncertain circumstances. It’s a remarkably vivid, clear-eyed, and compassionate look at people for whom the American dream is at once within sight and a million miles away. [Mike D’Angelo]

6. Moonlight(2016)

Movies at their best can show the viewer the world through the eyes of another human being, no matter how different that person’s circumstances might be from their own. Barry Jenkins’ Moonlight does just that, sketching a sensual roadmap to the soul of a South Florida native as he grows up from a neglected child into a misunderstood man. Chiron, the film’s protagonist, is played by three different actors: Alex R. Hibbert as 10-year-old “Little,” vulnerable as a baby bird; Ashton Sanders as 16-year-old Chiron, terrified of his homosexuality; and Trevante Rhodes as young adult “Black,” hardened by years working in the drug trade that ruined the life of his mother (Naomie Harris) and may have killed his mentor (Mahershala Ali). Jenkins paints Chiron as a reserved person, with a limited number of lines to match. But in the absence of long monologues, moments of profound stillness speak just as eloquently: the floating feeling behind the eyes after a long day of swimming; the bracing clarity of ice water on a bruised face; the beating of waves against the sand like a heartbeat. Moonlight is cinema at its most poetic, and its most empathetic. [Katie Rife]

5. The Tree Of Life (2011)

At once intimate and cosmic, Terrence Malick’s impressionistic and sometimes impenetrable epic (which inaugurated an unbelievably prolific decade for the reclusive filmmaker) unfurls as a stunning stream of consciousness; it might be the ultimate director head trip, reaching from the birth of the universe to scenes of life and childhood in 1950s Texas that feel as richly specific as memory. Somewhere at the center of it all is a nuclear family headed by a distant father (Brad Pitt) and a nurturing mother (a then-unknown Jessica Chastain), and a son who might be a stand-in for Malick himself. But even if the content is basically autobiographical, Malick’s sensibility remains mythic, drawing together science and apocalyptic vision, faith and fairytale. His subject is nothing less than how we see ourselves in the universe and the universe in ourselves; as life forms in primordial goo and Emmanuel Lubezki’s celebrated camerawork captures children dancing through clouds of DDT, Malick’s vision coalesces into inner space, a world of memories refracted through creation stories, archetypes, and feelings of guilt and regret. The 2010s brought us a number of remarkably structured, time-haunted coming-of-age stories (including Moonlight and Boyhood), but none that attempted a more ambitious fusion of the psalmic and the personal. [Ignatiy Vishnevetsky]

4. A Separation(2011)

Right from its opening minutes, Asghar Farhadi’s masterpiece—a film of staggering moral and dramatic complexity—strands its audience in the middle, dividing our sympathies along the fault line of a faltering marriage. In the most literal sense, the title refers to the relationship status of Nader (Peyman Moaadi) and Simin (Leila Hatami), an Iranian couple at an impasse. Yet there are multiple separations at play in the film: of class, of gender, of religion, all exacerbated by the legal and ethical crisis that opens like a sinkhole at the center of the movie. A Separation, which catapulted its writer-director into the upper echelons of world cinema, gradually transforms into a kind of thriller of culpability and deception, as conflict ripples out from that first courtroom confrontation and another family is pulled, slowly but forcefully, into the emotional wreckage of Nader and Simin’s broken home. What’s perhaps most remarkable about the movie is the way Farhadi sustains the balance of identification established in the first scene, withholding key information to put us all in the position of an impartial third party trying to sort out the whole mess. In a film about what divides people, he locates commonalities. Which is to say, for all A Separation may communicate about life in contemporary Iran, its insights into human nature are shatteringly universal. [A.A. Dowd]

3. The Social Network (2010)

When The Social Network was released in 2010, some questioned whether David Fincher’s film was being too hard on poor Mark Zuckerberg. Nine years later, as Facebook’s true (and truly alarming) potential to undermine democracy is finally under discussion, it seems the real question is whether the movie was harsh enough. It certainly turned out to be prescient: As well as warning against putting too much power in the hands of the petty and vindictive, The Social Network also diagnosed the bitterly misogynist, perpetually aggrieved cancer metastasizing throughout nerd-bro tech culture while most observers were still in the thrall of millennial techno-utopianism. In retrospect, the film also turned out to be a clearing house for young actors whose careers were at a turning point in 2010, including Andrew Garfield, Armie Hammer, Max Minghella, and Rooney Mara, who would go from supporting character to star in Fincher’s next film, The Girl With The Dragon Tattoo. (Speaking of transitions, the film was also the first to feature a full score from Nine Inch Nails’ Trent Reznor.) One thing about The Social Network that hasn’t changed is the remarkable skill with which Fincher spins suspense out of abstract ones and zeroes, even if Aaron Sorkin’s snappy dialogue doesn’t feel as fresh as it used to. [Katie Rife]

2. The Master & NBSP; (2012)The Master (2012)

Moonshine và trị liệu, kiếp trước và bất ổn sau chiến tranh, ham muốn và chấn thương, biển và linh hồn.Paul Thomas Anderson, kiệt tác bối rối về việc tìm kiếm ý nghĩa ở Mỹ trong những năm sau Thế chiến II là một bộ phim của các chủ đề khó nắm bắt, một câu chuyện ngụ ngôn bị kìm nén trong sự trớ trêu và câu đố của con người.Một thủy thủ nghiện rượu, bị ám ảnh bởi tình dục (Joaquin Phoenix) trôi vào vòng tròn bên trong của một nhà lãnh đạo sùng bái lôi cuốn (cố Philip Seymour Hoffman), người mang nhiều hơn một sự tương đồng với L. Ron Hubbard, nhưng sự tương đồng với sự khởi đầu của khoa học,Trong khi khó bỏ lỡ, chỉ là một phần của kết cấu của bộ phim.Thậm chí còn hơn cả Fêted sẽ có máu, Master tuyên bố chuyển đổi Anderson, với tư cách là một nhà văn-đạo diễn.Trường hợp các bộ phim có bản nhạc trước đó như Boogie Nights & NBSP; và Magnolia lóa mắt, những bộ phim của thời kỳ trưởng thành của Anderson (cũng được thể hiện trong danh sách này bởi chủ đề Phantom Sublime) trêu ngươi và Transfix, tập trung sự chú ý của chúng ta vào các nhân vật phức tạp về mặt tâm lý vì cuối cùng là bí ẩn.Một lớp học chính trong diễn xuất và định hướng, bộ phim đã không mất khả năng của mình để vừa say mê vừa bối rối kể từ khi nó đứng đầu danh sách những bộ phim hay nhất của chúng tôi trong thập kỷ năm 2015. Nếu có bất cứ điều gì, sự tồn tại của nó dường như thậm chí còn khó xảy ra hơn.[Ignatiy Vishnevetsky]There Will Be Blood, The Master announced Anderson’s transformation as a writer-director. Where earlier ensemble films like Boogie Nights and Magnolia dazzled, the movies of Anderson’s mature period (also represented on this list by the sublime Phantom Thread) tantalize and transfix, focusing our attention on characters who are as psychologically complex as they are ultimately mysterious. A master class in acting and direction, the film has lost none of its power to both enthrall and confound since it topped our first list of the best films of the decade in 2015. If anything, its existence seems even more unlikely. [Ignatiy Vishnevetsky]

1. Mad Max: Fury Road (2015)Mad Max: Fury Road (2015)

Một mâu thuẫn của nhiều người gầm gừ dưới mui xe của George Miller's Flabbergasting Rage Spectacular: Trong một thập kỷ chứng kiến Hollywood gần như từ bỏ việc làm giải trí có thể tăng gấp đôi như nghệ thuật, đây là một bộ phim bom tấn không thể khôi phục niềm tin vào chính ý tưởng của hãng phimHệ thống như một nhà máy mơ ước, chi tiêu các khoản tiền thiên văn cho các dự án đam mê.Fury Road, Miller, chiến thắng trở lại với tương lai dystopian vô luật pháp, đã hoàn thành nhiệm vụ khôi phục một nhượng quyền thương mại còn lại để rỉ sét trong IP Junkyard..hiệu ứng và công việc đóng thế.Đi xa hơn nữa, Miller đã lật đổ công thức loạt phim của riêng mình bằng cách tự mình đi theo con đường (Tom Hardy, có thể lấp đầy cho Mel Gibson) ra khỏi ghế lái.Thay vào đó, với Charlize Theron, Furiosa mang tính biểu tượng ngay sau tay lái, trận derby phá hủy có tính năng này đã trở thành một cuộc đua không thể chống lại chủ nghĩa phát xít và nam tính độc hại, một câu chuyện ngụ ngôn chỉ có vẻ phù hợp hơn khi chúng ta tiến vào những năm 2010.Nhưng có thể một cái gì đó vui vẻ quá thực sự là bộ phim của thập kỷ?Nó có thể khi nó được tạo ra với linh hồn thủ công và bình dị này, tìm thấy trong một hư cấu đen tối vào ngày mai bản thiết kế để tốt hơn ngày hôm nay tại Multiplex.[A.A.Dowd]

10 bộ phim hàng đầu của thế kỷ 21 là gì?

Những gì trong danh sách nhóm 100 phim là gì?

5 bộ phim nào sẽ được nhớ đến nhiều nhất từ những năm 2000?

Những gì được coi là bộ phim hay nhất của thế kỷ 21?